Tanzen

Tanzen (aus altfranzösisch Tänzer , vielleicht aus dem Fränkischen) bezieht sich allgemein auf Mensch Bewegung entweder als Ausdrucksform verwendet oder in einem sozialen, spirituellen oder Aufführungsumfeld präsentiert.

Tanzen wird auch verwendet, um Methoden der nonverbalen Kommunikation (siehe Körpersprache) zwischen Menschen oder zu beschreiben Tiere (Bienentanz, Paarungstanz), Bewegung in unbelebten Objekten ( die Blätter tanzten darin Wind ), und bestimmte Musikformen bzw Genres .

Choreographie ist die Kunst, Tänze zu machen, und die Person, die dies tut, wird Choreograf genannt.

Definitionen dessen, was Tanz ausmacht, sind abhängig von Sozial , kulturell , ästhetische, künstlerische und moralische Zwänge und reichen von funktionaler Bewegung (wie Volkstanz) bis hin zu kodifizierten, virtuosen Techniken wie Ballett. Im Sport , Turnen, Eiskunstlauf und Synchronschwimmen sind tanzen Disziplinen, während Kampfkünste „Kata“ oft mit Tänzen verglichen werden.

Ursprünge des Tanzes

Im Gegensatz zu einigen frühen menschlichen Aktivitäten wie der Herstellung von Steinwerkzeugen, der Jagd, der Höhlenmalerei usw. hinterlässt der Tanz keine physischen Artefakte. Wann der Tanz Teil der menschlichen Kultur wurde, lässt sich daher nicht mit Sicherheit sagen. Tanzen ist jedoch seit der Geburt des frühesten Menschen sicherlich ein wichtiger Bestandteil von Zeremonien, Ritualen, Feiern und Unterhaltung Zivilisationen . Archäologie liefert Tanzspuren aus prähistorischen Zeiten wie z ägyptisch Grabmalereien mit tanzenden Figuren aus der Zeit um 3300 v. Chr. und die Felsunterkunftsmalereien von Bhimbetka in Indien .

Eine der frühesten strukturierten Verwendungen des Tanzes war möglicherweise die performative Nacherzählung von mythologisch Geschichten. Tatsächlich war der Tanz vor der Einführung der Schriftsprachen eine der wichtigsten Methoden, um diese Geschichten von Generation zu Generation weiterzugeben.

Eine andere frühe Verwendung des Tanzes könnte als Vorläufer ekstatischer Trancezustände in Heilritualen gewesen sein. Tanz wird zu diesem Zweck noch von Kulturen aus dem Brasilianischen verwendet Regenwald in die Kalahari-Wüste.

Die Ursprünge der srilankischen Tänze reichen bis in unvordenkliche Zeiten der Ureinwohnerstämme und 'Yakkas' (Teufel) zurück. Laut einer singhalesischen Legende stammen Kandy-Tänze vor 2500 Jahren aus einem magischen Ritual, das einen verhexten König entzauberte.

Viele zeitgenössische Tanzformen lassen sich auf historische, traditionelle, zeremonielle und ethnische Tänze zurückführen.

Tanzen und Musik

Obwohl Tanz und Musik kann bis in prähistorische Zeiten zurückverfolgt werden, es ist unklar, welche Kunstform kam Erste . Jedoch als Rhythmus und Klang das Ergebnis von Bewegung sind und Musik Bewegung anregen kann, war die Beziehung zwischen den beiden Formen wahrscheinlich schon immer symbiotisch.

Viele frühe Formen von Musik und Tanz wurden gemeinsam geschaffen und aufgeführt. Diese gepaarte Entwicklung hat sich durch die Jahrhunderte mit Tanz-/Musikformen fortgesetzt wie: Jig, Walzer, Tango, Disco, Salsa, Electronica und Hip Hop . Einige Musikgenres haben auch eine parallele Tanzform wie Barockmusik und Barocktanz, wo sich andere separat entwickelt haben: klassische Musik, klassisches Ballett.

Obwohl Tanz oft von begleitet wird Musik , es kann auch eigenständig vorgetragen werden oder mit eigener Begleitung (Stepptanz) versehen werden. Mit Musik dargebotener Tanz kann aufgeführt werden oder nicht rechtzeitig zur Musik je nach Tanzstil. Tanz wird ohne Musik aufgeführt, heißt es tanzte in seinem eigenen Rhythmus .

Genres und Musikformen, die zum Tanzen verwendet werden

Primär

• Ballett
• Klassischer Tanz
• Länderlinie
• Scheibe
• Funk
• House Musik
• Hip Hop Tanz
• Jazz
• Lyrisch
• Modern
• Klopfen
• Techno
• Zeitgenössischer Tanz
• Irischer Schritt
• Wettkampftanz
• Hip Hop

Sekundär

• Rock'n'Roll
• Punkrock & Hardcore-Punk (siehe Mosh & Hardcore Dance)
• Low-Tempo-Songs (langsamer Tanz) ...
• Film-Soundtracks

Tanzen in Indien

Tanz in der indischen kanonischen Literatur

Im ersten Jahrtausend v. Chr. in Indien Es wurden viele kanonische Texte verfasst, die versuchten, die Regeln der sozialen Verwaltung, des Privatlebens, der Sprachdisziplin, der öffentlichen Finanzen, der Staatspolitik, der Poetik und der Dramatik zu kodifizieren. In Sachen Tanz, Bharata Munis Natyashastra (buchstäblich 'Die Kunst des Tanzes' ) ist einer der früheren Texte.

Obwohl das Hauptthema von Natyashastra befasst sich mit Schauspiel, auch der Tanz findet ausführlich Erwähnung. Es arbeitet verschiedene Handgesten aus und klassifiziert solche Gesten und Bewegungen entweder als anmutig oder energisch und definiert die Lalita Tanzform - Lasja ; und die kräftige Form 'tandava'.

Tanz wird in vier Kategorien und in vier regionale Varianten eingeteilt. Natyashastra benennt diese Kategorien als weltlich, rituell, abstrakt und interpretativ. Die regionale Geographie hat sich seit der Zeit des alten Indien verändert, ebenso wie die regionalen Varianten indischer Tänze. Tänze wie 'Odra Magadhi' , die nach jahrzehntelanger Debatte auf die heutige Tanzform Odissi der Region Mithila-Orissa zurückgeführt wurde, weisen auf den Einfluss von Tänzen auf kulturelle Interaktionen zwischen verschiedenen Reichen hin.

Indische Tanzstile haben viele Male Ruhezustände und Wiederaufleben erlebt. Die Wurzeln des heutigen Kathak, Bharatanatyam, Odissi, Mohini Attam und Kuchipudi liegen in der alten indischen Zivilisation. Abstraktheit ist heute das Merkmal fast aller klassischen indischen Tanzformen.

Teufelstänze in Sri Lanka

Die Teufelstänze Sri Lankas oder 'Yakun Natima' sind ein sorgfältig ausgearbeitetes Ritual mit einer weit zurückreichenden Geschichte Sri Lanka 's vorbuddhistische Vergangenheit. Es kombiniert alte 'ayurvedische' Konzepte der Krankheitsverursachung mit geschickter psychologischer Manipulation. Der Tanz vereint viele Aspekte einschließlich der singhalesischen Kosmolgie, die Tänze haben auch einen Einfluss auf die klassischen Tänze Sri Lankas.

Klassischer indischer Tanz seit 1947

Während der Herrschaft der letzten Moguln und Nawabs verfiel der Oudh-Tanz in den Status von „Nautch“, einem sinnlichen Kurtisanentanz.

Später verband die britische Herrschaft Tanz mit unmoralischem Menschenhandel und Prostitution und verbot die öffentliche Aufführung von Tanz. Viele lehnten es ab. 1947 gewann Indien seine Freiheit und dem Tanz ein Ambiente, in dem es seinen früheren Glanz wiedererlangen konnte. Klassische Formen und regionale Unterschiede wurden wiederentdeckt, ethnische Besonderheiten wurden geehrt und durch die Synthese mit den individuellen Talenten der Meister der Linie und frischen Innovationen entstand ein Tanz mit einem neuen Gesicht, aber mit Klassizismus der Vergangenheit.

Die Archäologie liefert Spuren des Tanzes aus prähistorischen Zeiten, wie ägyptische Grabmalereien mit tanzenden Figuren aus der Zeit um 3300 v. Chr. und die Bhimbetka-Felsunterstandsmalereien in Indien.

Performance Dance in Europa und Nordamerika

Als die europäische Kultur kosmopolitischer wurde, wurden einerseits Tänze aus verschiedenen Bereichen außerhalb dieser Bereiche praktiziert und neue Tänze wurden erfunden, insbesondere in Italien. Als Tänze außerhalb ihres kulturellen Kontextes aufgeführt wurden, waren nun Bedienungsanleitungen erforderlich. Ballett, die vorherrschende Tanzform in Europa, entwickelte sich zuerst in Italien und dann in Frankreich aus verschwenderischen Hofspektakel, die Musik, Drama, Poesie, Gesang, Kostüme und Tanz kombinierten. Als Darsteller traten Angehörige des Hofadels auf. Während der Regierungszeit Ludwigs XIV., selbst Tänzer, wurde der Tanz stärker kodifiziert. Professionelle Tänzer traten an die Stelle von Hofamateuren, und Ballettmeister wurden von der französischen Regierung lizenziert. Die erste Balletttanzakademie war die Académie Royale de Danse (Königliche Tanzakademie), die 1661 in Paris eröffnet wurde. Kurz darauf wurde die erste institutionalisierte Balletttruppe gegründet, die mit der Akademie verbunden war; Diese Truppe begann als rein männliches Ensemble, wurde aber 1681 auch für Frauen geöffnet.

Während der 18. Jahrhundert , Ballette waren immer noch hauptsächlich zusammengesetzte Produktionen, die parallel aufgeführt wurden Oper oder Poesie, aber man begann mit der Idee der Tanzaufführung als getrennt von gesungenem oder gesprochenem Wort zu experimentieren. Stattdessen wurde Pantomime verwendet, um die Geschichten dieser Ballette zu erzählen. Professionelle Tänzerinnen begannen, ihren Platz auf der Bühne einzunehmen, nachdem sie zuvor durch soziale Normen behindert worden waren; Sie traten in hochhackigen Schuhen und langen, weiten Röcken auf.

Während der vorromantischen Ära im Ballett veränderte sich die Kunstform schnell. Kostümreformen wurden durchgeführt, insbesondere für Frauen; Diese Reformen waren teilweise ein Ergebnis der Französische Revolution . Straßenschuhe mit Absatz wurden durch Pantoffeln ersetzt, und Korsetts und schwere Petticoats wurden verworfen und Strumpfhosen wurden erfunden. Einfache Spitzenarbeiten wurden von Ballerinas wie Fanny Elssler und Marie Taglioni eingeführt, die ihre Pantoffeln stark stopften, um sich kurz auf die Zehenspitzen stellen zu können. Die sieben Tanzbewegungen (sich beugen, heben, strecken, gleiten, springen, drehen und schießen) wurden 1796 kodifiziert.

Der Zeitraum zwischen 1830 und 1870 wird der romantischen Ära des Balletts zugeordnet. Ein Format, das für Ballette dieser Zeit entwickelt wurde: Der erste Akt spielte in der realen Welt und der zweite in einer übernatürlichen oder anderen Welt. Die meisten Ballerinas stellten Kreaturen wie Wilis, Sylphen und Nymphen dar, die lange weiße Röcke trugen, die heute als romantische Tutus bezeichnet werden. Zu den Balletten, die in dieser Zeit choreografiert wurden, gehörten Giselle im Jahr 1841, La Sylphide im Jahr 1832 und Coppelia im Jahr 1870. Die Ära der Romantik ging zu Ende, als das Ballett im Westen an Popularität verlor Europa aufgrund der Konkurrenz durch Musikhallen und des Mangels an starken männlichen Tänzern und Choreografien.

St. Petersburg wurde in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zum Zentrum des Balletts; Die Kunstform wurde durch die Schirmherrschaft der Zaren und den Erfolg des kaiserlichen Balletts, seiner Schule (Vorläufer des Kirow-Balletts) und des Talents von Marius Petipa unterstützt. In dieser Zeit wurden harte oder blockierte Spitzenschuhe eingeführt, ebenso wie kurze Tutus (heute bekannt als klassische Tutus, diese Röcke haben ihren Namen von dieser Ära, der russischen Klassik). In dieser Zeit entstanden viele Handlungsballette (Der Nussknacker, Don Quijote, Schwanensee, Dornröschen, Le Corsaire). Obwohl das Kommen der Russischen Revolution nichts Gutes für die Kunstform verhieß, schmuggelte Nicholas Sergeyev, letzter Régisseur des Kaiserlichen Balletts, die choreografische Notation, die das Repertoire des Kaiserlichen Balletts dokumentiert, aus Russland in den Westen. Daher überlebten viele der Ballette und werden noch heute aufgeführt.

Der russische Impresario Serge Diaghilev war maßgeblich daran beteiligt, das Ballett nach Westeuropa zurückzubringen und seine Entwicklung zu einer Kunstform des 20. Jahrhunderts zu ermöglichen. Obwohl weder Tänzer noch Choreograf, war Diaghilev ein begeisterter Förderer von Tanz und Musik. Er stellte eine Truppe russischer Komponisten, Tänzer, Choreografen und Designer zusammen; Als Diaghilev Ballet Russes tourte diese Truppe durch Europa und die Vereinigten Staaten. Diaghilev war einer der wichtigsten Einflüsse auf das Ballett im neuen Jahrhundert und half unter anderem, die Karrieren von Künstlern wie Anna Pavlova, Michel Fokine, Vaslav Nijinsky und George Balanchine zu starten. Nach Diaghilevs Tod löste sich das Unternehmen auf. Viele seiner Tänzer ließen sich in Westeuropa und den Vereinigten Staaten nieder. Michel Fokine kam 1940 als Hauschoreograf zum American Ballet Theatre; Auch George Balanchine kam nach Amerika und gründete 1934 das New York City Ballet. Es war Balanchine, der den heute als „neo-klassischen“ Ballettstil bezeichneten Stil entwickelte.

Zu Beginn des 20. Jahrhundert , gab es eine Explosion von Innovationen im Tanzstil, die durch die Erforschung freierer Techniken gekennzeichnet war. Zu den frühen Pionieren dessen, was als moderner Tanz bekannt wurde, gehören Loie Fuller, Isadora Duncan, Mary Wigman und Ruth St. Denis. Die Beziehung zwischen Musik und Tanz dient als Grundlage für die von Emile Jaques-Dalcroze entwickelte Eurythmie, die durch Künstler wie Marie Rambert Einfluss auf die Entwicklung des modernen Tanzes und des modernen Balletts hatte.

Eurythmie, entwickelt von Rudolf Steiner und Lori Maier-Smits, kombiniert formale Elemente, die an traditionellen Tanz erinnern, mit dem neuen, freieren Stil und führte ein komplexes neues Vokabular in den Tanz ein. In den 1920er Jahren begannen wichtige Begründer des neuen Stils wie Martha Graham und Doris Humphrey ihre Arbeit. Seit dieser Zeit haben sich verschiedenste Tanzstile entwickelt; siehe Modern Dance.

Tanzstudium

In den frühen 1920er Jahren Tanzstudien (Tanzpraxis, Kritische Theorie, Musikalische Analyse u Geschichte ) begann, als akademische Disziplin betrachtet zu werden. Heute sind diese Studien ein fester Bestandteil des Kunst- und Kunstunterrichts vieler Universitäten Geisteswissenschaften Programme. Bis spät 20. Jahrhundert Die Anerkennung von praktischem Wissen als gleichwertig mit akademischem Wissen führte zur Entstehung von praxisorientierte Forschung und Praxis als Forschung . Eine große Auswahl an Tanzkursen ist verfügbar, darunter:

• Berufspraxis: Leistung und technische Fähigkeiten
• Praxisbasierte Forschung: Choreografie und Performance
• Ethnochoreologie, die die tänzerischen Aspekte umfasst Anthropologie , Cultural Studies, Gender Studies, Area Studies, Postkoloniale Theorie, Ethnographie etc.
• Tanz-Bewegungstherapie.
• Tanz und Technologie: Neue Medien und Performance-Technologien.
• Laban Bewegungsanalyse und somatische Studien

Eine vollständige Palette akademischer Abschlüsse ist verfügbar, von BA (Hons) bis PhD und anderen Postdoc-Stipendien, wobei viele Tanzwissenschaftler ihr Studium als aufnehmen reife Schüler nach einer professionellen Tanzkarriere.

Kategorien des Tanzes

Tanz kann in zwei Hauptkategorien unterteilt werden, die jeweils mehrere Unterkategorien haben, in die die meisten Tanzstile eingeordnet werden können. Sie sind:

• Konzerttanz / Performancetanz
  • Konzerttanz des 20. Jahrhunderts
  • Wettkampftanz

• Gesellschaftstanz / Partizipationstanz
  • Zeremonieller Tanz
  • Traditioneller Tanz

Siehe auch: Liste der Tanzstilkategorien

Tanzen als Beruf

In den USA sind viele professionelle Tänzer Mitglieder von Gewerkschaften wie der American Guild of Musical Artists, der Screen Actors Guild und der Actors' Equity Association. Die Gewerkschaften wirken bei der Festlegung der Arbeitsbedingungen und Mindestlöhne für ihre Mitglieder mit.

Tänzer können andere Vorteile aus ihrer Arbeit erhalten, wie z. B. Unterkunft und Verpflegung (für Tourproduktionen). Auch professionelle Tänzer haben oft die Möglichkeit zu unterrichten.