Rokoko

Nordseite des Katharinenpalastes in Zarskoje Selo - Kutschenhof: Alle Stuckdetails funkelten mit Gold bis 1773, als Katharina II. die Vergoldung durch olivgrüne Farbe ersetzen ließ. Der Ballsaal des Katharinenpalastes in Zarskoje Selo Die Rokoko-Basilika in Ottobeuren (Bayern): Architekturräume fließen ineinander und wimmeln von Leben

Das Rokoko Art von Kunst eingetreten Frankreich im frühen 18. Jahrhundert als Fortsetzung der Barock- Stil. Im Gegensatz zu den schwereren Themen und dunkleren Farben des Barock zeichnete sich der Rokoko-Stil durch Opulenz, Anmut, Verspieltheit und Leichtigkeit aus. Rokoko-Motive konzentrierten sich eher auf das unbeschwerte aristokratische Leben und auf unbeschwerte Romantik als auf heroische Schlachten oder religiöse Figuren; Sie drehen sich auch stark um Natur und Außenumgebungen. In der Mitte des späten 18. Jahrhunderts wurde das Rokoko weitgehend durch die verdrängt Neoklassisch Stil.

Das Wort Rokoko wird als Kombination aus dem Französischen gesehen Steingarten , oder Schale, und der Italiener Barock , oder Barockstil. Aufgrund der Liebe des Rokoko zu muschelartigen Kurven und der Konzentration auf dekorative Kunst verwendeten einige Kritiker den Begriff, um abfällig zu implizieren, dass der Stil frivol oder nur Mode sei; Interessanterweise war der Begriff, als er um 1836 zum ersten Mal im Englischen verwendet wurde, umgangssprachlich und bedeutete „altmodisch“. Allerdings seit Mitte 19. Jahrhundert , der Begriff wurde von Kunsthistorikern akzeptiert. Während es immer noch einige Debatten über die historische Bedeutung des Stils für die Kunst im Allgemeinen gibt, wird das Rokoko heute weithin als eine wichtige Periode in der Entwicklung der europäischen Kunst anerkannt.

Historische Entwicklung

Das Rokoko entwickelte sich zunächst in der dekorativen Kunst und Innenarchitektur. Die Nachfolge Ludwigs XV. brachte eine Veränderung der Hofkünstler und der allgemeinen künstlerischen Mode. Am Ende der Regierungszeit des alten Königs wichen reiche barocke Designs leichteren Elementen mit mehr Kurven und natürlichen Mustern. Diese Elemente zeigen sich in den architektonischen Entwürfen von Nicolas Pineau. Während der Régence entfernte sich das höfische Leben von Versailles und dieser künstlerische Wandel etablierte sich zunächst im königlichen Palast und dann in der gesamten französischen High Society. Die Zartheit und Verspieltheit der Rokoko-Designs wird oft als Reaktion auf die Exzesse des Rokoko gesehen Ludwig XIV 's Regime.

Die 1730er Jahre repräsentierten den Höhepunkt der Entwicklung des Rokoko in Frankreich. Der Stil hatte sich über Architektur und Möbel hinaus auf Malerei und Skulptur ausgebreitet, beispielhaft dargestellt durch die Werke von Antoine Watteau und François Boucher. Das Rokoko behielt immer noch den barocken Geschmack für komplexe Formen und komplizierte Muster bei. Zu diesem Zeitpunkt hatte es begonnen, eine Vielzahl unterschiedlicher Merkmale zu integrieren, darunter eine Vorliebe für orientalische Designs und asymmetrische Kompositionen.

Der Stil des Rokoko verbreitete sich mit französischen Künstlern und gravierten Publikationen. Es wurde bereitwillig in den katholischen Teilen von aufgenommen Deutschland , Böhmen u Österreich , wo es mit den lebendigen deutschen Barocktraditionen verschmolzen wurde. Vor allem im Süden wurde das deutsche Rokoko mit Begeisterung auf Kirchen und Schlösser übertragen. Architekten drapierten ihre Innenräume oft in Wolken aus flauschigem weißem Stuck. Im Italien , gaben die spätbarocken Stile von Borromini und Guarini den Ton für das Rokoko in Turin, Venedig, Neapel und Sizilien an, während die Kunst in der Toskana und in Rom eher dem Barock verbunden blieb.

Rokoko galt in England immer als „französischer Geschmack“. Die architektonischen Stile setzten sich nie durch, obwohl Silberarbeiten, Porzellan und Seide stark vom kontinentalen Stil beeinflusst waren. Thomas Chippendale veränderte das englische Möbeldesign durch seine Anpassung und Verfeinerung des Stils. William Hogart half bei der Entwicklung einer theoretischen Grundlage für die Schönheit des Rokoko. Obwohl er sich nicht absichtlich auf die Bewegung bezog, argumentierte er in seinem Analyse der Schönheit (1753), dass die im Rokoko vorherrschenden wellenförmigen Linien und S-Kurven die Grundlage für Anmut und Schönheit in Kunst oder Natur waren (im Gegensatz zur geraden Linie oder dem Kreis im Klassizismus). Es wird angenommen, dass die Entwicklung des Rokoko in England mit der Wiederbelebung des Interesses an gotischer Architektur im frühen 18. Jahrhundert verbunden war.

Der Anfang vom Ende des Rokoko kam in den frühen 1760er Jahren als Figuren wie Voltaire und Jacques-François Blondel begannen, ihre Kritik an der Oberflächlichkeit und Entartung der Kunst zu äußern. Blondel beklagte das „lächerliche Durcheinander von Muscheln, Drachen, Schilf, Palmen und Pflanzen“ in zeitgenössischen Innenräumen. Bis 1780 war das Rokoko in Frankreich aus der Mode gekommen und durch die Ordnung und Ernsthaftigkeit neoklassizistischer Künstler wie Jacques Louis David ersetzt worden. Es blieb in den Provinzen und in Italien beliebt, bis die zweite Phase des Neoklassizismus, der 'Empire-Stil', mit den napoleonischen Regierungen eintraf und das Rokoko hinwegfegte.

Zwischen 1820 und 1870 gab es ein erneutes Interesse am Rokoko-Stil. Die Engländer gehörten zu den ersten, die den 'Louis XIV-Stil', wie er zunächst fälschlicherweise genannt wurde, wiederbelebten, und zahlten für gebrauchte Rokoko-Luxusgüter überhöhte Preise, die kaum sein konnten in Paris verkauft. Aber auch prominente Künstler wie Delacroix und Mäzene wie Kaiserin Eugénie entdeckten den Wert von Anmut und Verspieltheit in Kunst und Design wieder.

Rokoko in verschiedenen künstlerischen Modi

Möbel und Dekorationsgegenstände

Die fröhlichen Themen und komplizierten Designs des Rokoko präsentierten sich am besten in einem kleineren Maßstab als die imposante barocke Architektur und Skulptur. Kein Wunder also, dass die Kunst des französischen Rokoko in Innenräumen zu Hause war. Metallarbeiten, Porzellanfiguren und vor allem Möbel erlangten eine neue Vorrangstellung, als die französische Oberschicht versuchte, ihre Häuser im jetzt modischen Stil auszustatten.

Der Rokoko-Stil erfreute sich an Asymmetrie, ein Geschmack, der für den europäischen Stil neu war. Diese Praxis, Elemente für den Effekt unausgeglichen zu lassen, wird als Kontrast bezeichnet. Diese Wanduhr auf ihrer Halterung, ein bekanntes Design von Charles Cressent, befindet sich in einem Gehäuse aus vergoldetem Messing, das mit 'Kontrast' in seinen Details gefüllt ist. Sein Thema: 'Liebe erobert die Zeit', mit einem Amor auf dem Uhrengehäuse und der Zeit mit seiner Sense, die unten zusammengebrochen ist.

Der Rokoko-Geschmack genoss den exotischen Charakter der chinesischen Kunst und ahmte sie in in Frankreich hergestellten Waren nach. In dem Regal (Regalkasten) links vom Kaminsims dekoratives Teegeschirr über einer sitzenden Mandarine; Sie könnten importiert worden sein, oder sie könnten europäische Chinoiserie gewesen sein. ( Breitere Aspekte phantasievoller europäischer Blicke auf den Osten werden im Beitrag Orient diskutiert. )

In einem ausgewachsenen Rokoko-Design, wie die Wohnungstisch (ca. 1730), des deutschen Designers J. A. Meissonnier, der in Paris arbeitet ( Abbildung unten ), ist jeglicher Hinweis auf tektonische Form verschwunden: Sogar die Marmorplatte ist geformt. Schürze, Beine, Trage wurden nahtlos in einen Fluss aus gegensätzlichen C-Schriftrollen und „Rocailles“ integriert. Der Knoten (noeud) des Keilrahmens zeigt den asymmetrischen 'Kontrast', der eine Innovation des Rokoko war.

Entwurf für einen Tisch von Juste-Aurèle Meissonnier, Paris das 1730

Für kleine Plastikfiguren von Gips , Ton , Keks, Porzellan (Sèvres, Meißen), das fröhliche Rokoko ist nicht ungeeignet; in Holz, Eisen und königlichem Metall hat es einige wertvolle Werke geschaffen. Doch Beichtstühle, Kanzeln, Altäre und auch Fassaden führen immer mehr in das Gebiet des Architektonischen, das sich nicht so leicht mit den Rundungen des Rokoko, dem Leichten und Kleinen, mit Formen verbindet, deren Woher und Wozu die Frage verstellt.

Dynastien der Pariser Schreiner , einige von ihnen in Deutschland geboren, entwickelten einen Stil dreidimensional gekrümmter Oberflächen ( Bombe ), wo abgestimmte Furniere (Intarsien vorübergehend in der Finsternis) oder lack martin Die Lackierung wurde mühelos durch Beschläge aus vergoldeter Bronze ('Ormolu') vervollständigt: Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, François Oeben, Bernard II van Risenbergh sind die herausragenden Namen.

Französische Designer wie François de Cuvilliés, Nicholas Pineau und Bartolomeo Rastrelli exportierten Pariser Stile persönlich nach München und Sankt Petersburg , während der Deutsche Juste-Aurèle Meissonier seine Karriere in Paris fand. Die leitenden Geister des Pariser Rokoko waren eine kleine Gruppe von Mercers-Mercers , die Vorläufer der modernen Dekorateure, angeführt von Simon-Philippenis Poirier.

In Frankreich blieb der Stil etwas zurückhaltender, da die Ornamente meist aus Holz waren, oder nach Art der Holzschnitzerei weniger robust und naturalistisch und weniger üppig in der Mischung natürlicher mit künstlichen Formen aller Art (z.B. Pflanzenmotive, Stalaktitendarstellungen, Grotesken, Masken, Geräte verschiedener Berufe, Abzeichen, Gemälde, Edelsteine).

Englisch Das Rokoko war eher zurückhaltend. Die Möbeldesigns von Thomas Chippendale behielten die Kurven und das Gefühl bei, blieben aber kurz vor den französischen Höhen der Launen. Der erfolgreichste Vertreter des englischen Rokoko war wahrscheinlich Thomas Johnson, ein begabter Schnitzer und Möbeldesigner, der Mitte des 18. Jahrhunderts in London arbeitete.

Innenarchitektur

Ein Rokoko-Interieur in Gatschina.

Schloss Solitude in Stuttgart und Chinesisches Palais in Oranienbaum, die bayerische Wieskirche u Ohne Sorge in Potsdam sind Beispiele dafür, wie das Rokoko Einzug in die europäische Architektur hielt.

In jenen kontinentalen Kontexten, in denen das Rokoko die volle Kontrolle hat, werden sportliche, fantastische und skulpturale Formen mit abstrakten Ornamenten ausgedrückt, die flammende, blättrige oder muschelartige Texturen in asymmetrischen Schwüngen und Schnörkeln und gebrochenen Kurven verwenden; Intime Rokoko-Interieurs unterdrücken architektonische Trennungen von Architrav, Fries und Gesims für das Malerische, Kuriose und Skurrile, das sich in plastischen Materialien wie geschnitztem Holz und vor allem Stuck ausdrückt. Wände, Decken, Möbel, Metall- und Porzellanarbeiten bilden ein einheitliches Ensemble. Die Rokoko-Palette ist weicher und blasser als die reichen Primärfarben und dunklen Tonalitäten, die im Barockgeschmack bevorzugt werden.

Ein paar Anti-Architektur-Hinweise entwickelten sich Ende der 1720er Jahre schnell zu einem ausgewachsenen Rokoko und begannen, Innenräume und dekorative Kunst in ganz Europa zu beeinflussen. Die reichsten Formen des deutschen Rokoko finden sich im katholischen Deutschland ( Abbildung, oben ).

Rokokobewegung belebt die Fassade der Kathedrale von Càdiz

Rokoko-Stuckarbeiten von eingewanderten italienisch-schweizerischen Künstlern wie Bagutti und Artari sind ein Merkmal der Häuser von James Gibbs, und die in Irland arbeitenden Franchini-Brüder haben alles erreicht, was in England versucht wurde.

In einigen Räumen in Versailles eingeweiht, entfaltet es seine Pracht in mehreren Pariser Gebäuden (insbesondere im Hôtel Soubise). In Deutschland bewirkten französische und deutsche Künstler (Cuvilliés, Neumann, Knobelsdorff etc.) die würdige Ausstattung der Amalienburg in der Nähe München , and the castles of Würzburg, Potsdam, Charlottenburg, Brühl, Bruchsal, Solitude ( Stuttgart ), and Schönbrunn.

In England bildet eines von Hogarths Gemälden eine melodramatische Moralgeschichte mit dem Titel Modische Hochzeit , gestochen im Jahr 1745, zeigt die Paraderäume eines stilvollen Londoner Hauses, in dem das einzige Rokoko in Stuckarbeiten an der Decke des Salons zu sehen ist. Die palladianische Architektur hat die Kontrolle. Hier, auf dem kentischen Kaminsims, wird die Menge chinesischer Vasen und Mandarinen satirisch als abscheuliche kleine Monstrositäten dargestellt, und die Rokoko-Wanduhr ist ein Durcheinander aus belaubten Zweigen.

Malerei

Pilgerfahrt nach Cythera von Jean-Antoine Watteau, fängt die Frivolität und Sinnlichkeit der Rokoko-Malerei ein. (1721, Louvre)

Obwohl das Rokoko aus der rein dekorativen Kunst stammt, zeigte sich der Stil deutlich in der Malerei. Diese Maler verwendeten zarte Farben und geschwungene Formen und schmückten ihre Leinwände mit Putten und Liebesmythen. Porträtmalerei war auch bei Rokoko-Malern beliebt. Einige Werke zeigen eine Art Frechheit oder Unreinheit im Verhalten ihrer Subjekte und zeigen den historischen Trend, sich von der kirchlich-staatlichen Orientierung des Barocks zu entfernen. Landschaften waren pastoral und zeigten oft die gemächlichen Ausflüge aristokratischer Paare.

Jean-Antoine Watteau (1684–1721) gilt allgemein als der erste große Maler des Rokoko. Er hatte großen Einfluss auf spätere Maler, darunter François Boucher (1703–1770) und Jean-Honoré Fragonard (1732–1806), zwei Meister der Spätzeit. Eben Thomas Gainsborough s (1727–1788) zarte Berührung und Sensibilität spiegeln den Geist des Rokoko wider.

Skulptur

Skulptur war ein weiterer Bereich, in den sich Rokoko-Künstler verzweigten. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) gilt weithin als einer der besten Vertreter des französischen Rokoko. Im Allgemeinen drückte sich dieser Stil am besten durch zarte Porzellanskulpturen aus und nicht durch imposante Marmorstatuen. Falconet selbst war Direktor einer berühmten Porzellanfabrik in Sèvres. Die Themen Liebe und Fröhlichkeit fanden sich ebenso in der Skulptur wieder wie Elemente der Natur, geschwungene Linien und Asymmetrie.

Der Bildhauer Bouchardon stellte Amor dar, der damit beschäftigt war, seine Liebespfeile aus der Keule des Herkules zu schnitzen; Dies dient als hervorragendes Symbol des Rokoko-Stils – der Halbgott verwandelt sich in das weiche Kind, die knochenbrechende Keule wird zu herzzerreißenden Pfeilen, genauso wie Marmor so freizügig durch Stuck ersetzt wird. Am Rande seien in diesem Zusammenhang die französischen Bildhauer Robert le Lorrain, Michel Clodion und Pigalle genannt.

Musik

Der Galante-Stil war auch in der Musikgeschichte das Äquivalent zum Rokoko zwischen Barock und Klassik und ist mit Worten nicht leicht zu definieren. Der Musikstil des Rokoko selbst entwickelte sich aus der Barockmusik, insbesondere in Frankreich. Es kann als intime Musik mit äußerst raffinierten Dekorationsformen charakterisiert werden. Beispiele sind Jean Philippe Rameau und Louis-Claude Daquin.

Bouchers Gemälde (oben) gibt einen Einblick in die Gesellschaft, die das Rokoko widerspiegelte. „Höflich“ wäre in diesem großbürgerlichen Kreis prätentiös, doch die Geste des Mannes ist galant. Das stilvolle, aber gemütliche Interieur, die informelle, schmucke Intimität der Umgangsformen, die kuriosen und entzückenden Details, wo immer man hinschaut, der Luxus, Schokolade zu schlürfen: alles ist 'galante'.

„Weltlichkeit“ des Rokoko und die römisch-katholische Kirche

Eine kritische Sicht auf die Untauglichkeit des Rokoko in kirchlichen Kontexten wurde von der aufgenommen Katholische Enzyklopädie :

Hinweise auf das Rokoko sind in den Kirchen des brasilianischen Meisters Aleijadinho zu erkennen.

Für die Kirche ist der Stil des Rokoko im Allgemeinen mit weltlicher Kirchenmusik zu vergleichen. Sein Mangel an Einfachheit, Ernsthaftigkeit und Ruhe ist offensichtlich, während seine aufdringliche Künstlichkeit, Unnatürlichkeit und Trivialität ablenkend wirken. Seine Weichheit und Schönheit wird ebenfalls nicht zum Haus Gottes. Von seinen schlimmsten Auswüchsen beraubt, mag es in seiner eigentlichen Epoche weniger störend gewesen sein, da es damals mit dem Zeitgeist harmonierte.

Als Weiterentwicklung des Barocks findet es sich als kongruenter Schmuck für barocke Kirchen wieder.

Überhaupt macht es einen großen Unterschied, ob der Stil in der feineren und genialeren Form der französischen Meister maßvoll verwendet oder mit der Konsequenz der deutschen auf die Spitze getrieben wird. Die französischen Künstler scheinen immer die Schönheit der ganzen Komposition als das Hauptziel angesehen zu haben, während die deutschen den größten Nachdruck auf die kühne Kraft der Linien legten; daher war der Mangel an Symmetrie in den Werken des ersteren nie so übertrieben.

In der Kirche darf das Rokoko zuweilen den Charme der Hübschheit haben und durch seine ausgeklügelte Technik gefallen, vorausgesetzt die Gegenstände sind klein und unterordnen sich einem Kredenztisch mit Kännchen und Teller, einer Vase, einem Chorpult, Lampen, Schlüssel und Schloss, Geländer oder Geländer, fordern das Auge nicht zu kühn heraus und erfüllen alle Anforderungen der bloßen Formschönheit.

Rokoko ist in der Tat wirklich leer, nur ein angenehmes Spiel der Phantasie. In der Sakristei (für Pressen etc.) und Vorzimmern ist es besser geeignet als in der Kirche selbst – zumindest was seinen Einsatz an auffälligen Stellen betrifft.

Der Stil des Rokoko verträgt sich sehr schlecht mit dem feierlichen Amt der Monstranz, des Tabernakels und des Altars und sogar der Kanzel. Der Naturalismus des Bestimmten Belgier Kanzeln wirken trotz oder gerade wegen ihres künstlerischen Charakters wie ausgesprochene Rokoko-Kreationen.

Auch der Zweck des Beichtstuhls und der Taufkapelle scheint ernstere Formen zu verlangen.

Bei den größeren Objekten wirkt die Skulptur der Rokoko-Formen entweder hübsch oder, wenn man diese Hübschheit vermeidet, barock. Die Phantasien dieses Stils vertragen sich schlecht mit den hohen und breiten Mauern der Kirche. Es muss jedoch alles nach dem Gegenstand und den Umständen entschieden werden; das Gestühl im Mainzer Dom erregt nicht nur unsere Zustimmung, sondern auch unsere Bewunderung, während uns der berühmte privilegierte Altar von Vierzehnheiligen sowohl durch seine Formen als auch durch seinen plastischen Schmuck abstößt.

Es gibt gewisse Rokoko-Kelche (wie im Kloster Einsiedeln), die sozusagen festlich geschmückt sind; es gibt andere, die aufgrund ihrer wulstigen Kurven oder Figuren mehr oder weniger unförmig sind. Kronleuchter und Lampen können auch durch aufdringliche Muscheln oder fehlende Symmetrie entstellt oder bei großer Zierlichkeit in vernünftigen Grenzen gehalten werden.

Material und Technik sind auch im Rokoko von Bedeutung. Gewebte Stoffe, Holzschnitzereien und Gipsarbeiten sind offensichtlich weniger aufdringlich als Arbeiten aus anderen Materialien, wenn sie sich des sportlichen Rokoko bedienen. Eisen (besonders in Geländern) und Bronze verlieren ihre Kälte und Härte, wenn sie vom Rokoko-Stil belebt werden; im letzteren Fall kann mit Vorteil eine Vergoldung verwendet werden. Vergoldung und Bemalung gehören zu den regelmäßigen Mitteln, durch die dieser Stil unter Umständen Auge und Phantasie verzaubert. Alles in allem können wir vom Rokoko-Stil sagen, dass er – wie nicht ohne Grund vom Barock und von der Renaissance gesagt wurde – sehr geeignet ist, einen weltlichen Geist in die Kirche einzuführen, auch wenn wir die figürlichen Accessoires übersehen, die es sind oft nicht förderlich für Gefühle der Andacht und unvereinbar mit der Nüchternheit und Größe der Architektur und mit dem Ernst sakraler Funktionen.