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Oper

  Das Teatro alla Scala in Mailand. Die Scala wurde 1778 gegründet und ist eine der Welt's most famous opera houses.   Vergrößern Das Teatro alla Scala in Mailand . Die Scala wurde 1778 gegründet und ist eines der berühmtesten Opernhäuser der Welt.  Das Sydney Opera House ist eines der Welt's most recognizable opera houses and landmarks.   Vergrößern Das Sydney Opera House ist eines der bekanntesten Opernhäuser und Wahrzeichen der Welt.  Bolschoi-Theater.   Vergrößern Bolschoi-Theater.

Oper ist eine Form von Theater in denen das Schauspiel ganz oder überwiegend durch Musik und Gesang vermittelt wird. Oper entstand in Italien um das Jahr 1600 und wird im Allgemeinen mit der westlichen klassischen Musiktradition in Verbindung gebracht. Opera verwendet viele Elemente des gesprochenen Theater wie Kulissen, Kostüme und Schauspiel. Im Allgemeinen unterscheidet sich die Oper jedoch von anderen dramatischen Formen durch die Bedeutung des Gesangs. Begleitet werden die Sänger von einem musikalischen Ensemble, das vom kleinen Instrumentalensemble bis zum großen Symphonieorchester reicht. Die Oper kann auch Tanz beinhalten; Dies galt insbesondere für einen Großteil ihrer Geschichte für die französische Oper.

Vergleichbare Kunstformen aus verschiedenen anderen Teilen der Welt, viele von ihnen alten Ursprungs, existieren und werden manchmal auch analog als 'Oper' bezeichnet, denen normalerweise ein Adjektiv vorangestellt ist, das die Region angibt (z. B. chinesische Oper). Abgesehen von oberflächlichen Ähnlichkeiten haben sich diese anderen Kunstformen jedoch unabhängig von der Oper entwickelt und haben nichts mit ihr zu tun, sondern sind eigenständige Kunstformen und keine bloßen Derivate der Oper. Die Oper ist nicht die einzige Art des westlichen Musiktheaters: In der Antike war das griechische Drama von Gesang und Instrumentalbegleitung geprägt; und in der Neuzeit sind andere Formen wie das Musical aufgetaucht.

Opernterminologie

Die Worte einer Oper sind als Libretto (wörtlich „kleines Buch“) bekannt. Vor allem einige Komponisten Richard Wagner , haben ihre eigenen Libretti geschrieben; andere haben eng mit ihren Librettisten zusammengearbeitet, z. Mozart mit Lorenzo da Ponte. Die traditionelle Oper besteht aus zwei Gesangsarten: Rezitativ, die handlungsleitenden Passagen, die oft in einem nicht melodischen Stil gesungen werden, der für Opern charakteristisch ist, und Arie (ein 'Luft' - oder formelles Lied), in der die Charaktere ihre Emotionen strukturierter ausdrücken melodischer Stil. Duette, Trios und andere Ensembles treten oft auf, und Chöre werden verwendet, um die Handlung zu kommentieren. In einigen Opernformen wie Singspiel, Opéra Comique, Operette und Halboper wird das Rezitativ meist durch gesprochenen Dialog ersetzt. Melodische oder halbmelodische Passagen, die inmitten oder anstelle eines Rezitativs auftreten, werden auch als Arioso bezeichnet. Während des Barock und der Klassik konnte das Rezitativ in zwei Grundformen erscheinen: trocken (trockenes) Rezitativ, nur begleitet von 'Continuo', das oft nicht mehr als ein Cembalo war; oder begleitet (auch bekannt als 'Stromentato'), bei dem das Orchester die Begleitung lieferte. Bis zum 19. Jahrhundert begleitet die Oberhand gewonnen hatte, spielte das Orchester eine viel größere Rolle, und Richard Wagner revolutionierte die Oper, indem er auf seiner Suche nach dem, was er 'endlose Melodie' nannte, fast alle Unterscheidungen zwischen Arie und Rezitativ aufhob. Nachfolgende Komponisten tendierten dazu, Wagners Beispiel zu folgen, obwohl einige, wie Strawinsky in seinem Der Fortschritt des Rechens haben sich gegen den Trend gewehrt. Die Terminologie der verschiedenen Arten von Opernstimmen wird in Abschnitt 3 unten beschrieben.

Geschichte

Ursprünge

  Claudio Monteverdi   Vergrößern Claudio Monteverdi

Das Wort Oper bedeutet auf Italienisch „Werke“ (von Plural von Latein Opus bedeutet 'Arbeit' oder 'Arbeit'), was darauf hindeutet, dass es die Künste des Solo- und Chorgesangs, der Deklamation, des Schauspiels und des Tanzes in einem inszenierten Spektakel kombiniert. Seidelbast von Jacopo Peri war die früheste Komposition, die im heutigen Verständnis als Oper gilt. Es wurde um 1597 geschrieben, weitgehend unter der Inspiration eines elitären Kreises gebildeter florentinischer Humanisten, die sich als „Camerata“ versammelten. Bedeutend, Seidelbast war ein Versuch, das klassische griechische Drama wiederzubeleben, Teil der breiteren Wiederbelebung der Antike, die für die charakteristisch ist Renaissance . Die Mitglieder der Camerata waren der Ansicht, dass die 'Chor' -Teile griechischer Dramen ursprünglich gesungen wurden und möglicherweise sogar der gesamte Text aller Rollen; Die Oper wurde also als eine Möglichkeit konzipiert, diese Situation 'wieder herzustellen'. Seidelbast ist leider verloren. Ein späteres Werk von Peri, Eurydike , aus dem Jahr 1600, ist die erste Opernpartitur, die bis heute erhalten ist. Die Ehre, als erste Oper überhaupt noch regelmäßig aufgeführt zu werden, gebührt jedoch Claudio Monteverdi Orpheus , 1607 für den Hof von Mantua komponiert.

Italienische Oper

Barockzeit

Die Oper blieb nicht lange dem Hofpublikum vorbehalten; 1637 entstand in Venedig die Idee einer „Saison“ (Karneval) öffentlich besuchter Opern, die durch Kartenverkäufe unterstützt wurden. Monteverdi war von Mantua in die Stadt gezogen und hatte seine letzten Opern komponiert, Die Rückkehr von Odysseus in seine Heimat und Die Krönung von Poppea , für das venezianische Theater in den 1640er Jahren. Sein wichtigster Nachfolger Francesco Cavalli trug zur Verbreitung der Oper in ganz Italien bei. In diesen frühbarocken Opern wurde breite Komödie mit tragischen Elementen in einer Mischung vermischt, die einige gebildete Sensibilitäten erschütterte und die erste der vielen Reformbewegungen der Oper auslöste, die von der Arcadian Academy in Venedig gesponsert wurden, die mit dem Dichter Metastasio in Verbindung gebracht wurde, dessen Libretti zur Kristallisation beitrugen die Gattung der Opera seria, die bis zum Ende des 18. Jahrhunderts zur Leitform der italienischen Oper wurde. Nachdem sich das metastasische Ideal fest etabliert hatte, war die Komödie in der barocken Oper der sogenannten Opera buffa vorbehalten.

ernste Oper war im Ton erhöht und in der Form stark stilisiert, normalerweise bestehend aus trocken Rezitativ mit langen durchsetzt von Anfang an Arien. Diese boten große Gelegenheit für virtuosen Gesang und während des goldenen Zeitalters von ernste Oper der Sänger wurde wirklich zum Star. Die Rolle des Helden wurde normalerweise für die Kastratenstimme geschrieben; Kastraten wie Farinelli und Senesino sowie Sopranistinnen wie Faustina Bordoni wurden in ganz Europa sehr gefragt ernste Oper beherrschte die Bühne in allen Ländern außer Frankreich. Die italienische Oper setzte Maßstäbe im Barock. Italienische Libretti waren die Norm, selbst wenn ein deutscher Komponist wie Händel sich dabei wiederfand, für das Londoner Publikum zu schreiben. Italienische Libretti blieben auch in der Klassik dominant, etwa in den Opern von Mozart , der gegen Ende des Jahrhunderts in Wien schrieb. Zu den führenden in Italien geborenen Komponisten der Opera seria gehören Alessandro Scarlatti, Vivaldi und Porpora.

Reform: Gluck, der Angriff auf das metastasische Ideal und Mozart

Die Opera seria hatte ihre Schwächen und Kritiker, und die Vorliebe für Verzierungen im Namen der hervorragend ausgebildeten Sänger und die Verwendung von Spektakel als Ersatz für dramatische Reinheit und Einheit zog Angriffe nach sich. Francesco Algarottis Essay über die Oper (1755) erwies sich als Inspiration für die Reformen von Christoph Willibald Gluck. Das habe er befürwortet ernste Oper zu den Grundlagen zurückkehren musste und dass alle verschiedenen Elemente – Musik (sowohl instrumental als auch vokal), Ballett und Inszenierung – dem übergeordneten Drama untergeordnet werden müssen. Mehrere Komponisten dieser Zeit, darunter Niccolò Jommelli und Tommaso Traetta, versuchten, diese Ideale in die Praxis umzusetzen. Der erste, dem es wirklich gelang und der die Operngeschichte nachhaltig prägte, war Gluck. Gluck bemühte sich um eine „schöne Einfachheit“. Dies wird in der ersten seiner 'Reform'-Opern illustriert, Orpheus und Eurydike , wo Gesangslinien, denen es an der Virtuosität von (sagen wir) Händel-Werken mangelt, durchgehend von einfachen Harmonien und einer bemerkenswert reichhaltigeren Orchesterpräsenz als üblich unterstützt werden.

Glucks Reformen haben in der gesamten Operngeschichte Resonanz gefunden. Vor allem Weber, Mozart und Wagner waren von seinen Idealen beeinflusst. Mozart, in vielerlei Hinsicht Glucks Nachfolger, kombinierte einen hervorragenden Sinn für Drama, Harmonie, Melodie und Kontrapunkt, um eine Reihe von Komödien zu schreiben, insbesondere Das tun sie alle , Die Hochzeit des Figaro , und Don Giovanni (in Zusammenarbeit mit Lorenzo Da Ponte), die bis heute zu den beliebtesten, beliebtesten und bekanntesten Opern gehören. Aber Mozarts Beitrag dazu ernste Oper war gemischter; zu seiner Zeit war es am Sterben, und trotz so guter Werke wie Idomeneo und Die Clemenza von Tito , würde es ihm nicht gelingen, die Kunstform wieder zum Leben zu erwecken.

Belcanto, Verdi und Verismo

  Giuseppe Verdi, von Giovanni Boldini, 1886 (Nationalgalerie für moderne Kunst, Rom)   Vergrößern Giuseppe Verdi, von Giovanni Boldini, 1886 (Nationalgalerie für moderne Kunst, Rom)

Die Belcanto-Opernbewegung blühte im frühen 19. Jahrhundert auf und wird durch die Opern von Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante und vielen anderen veranschaulicht. Wörtlich 'schönes Singen', Belcanto Die Oper leitet sich von der gleichnamigen italienischen Stilschule für Gesang ab. Belcanto-Linien sind typischerweise blumig und kompliziert und erfordern höchste Beweglichkeit und Tonhöhenkontrolle.

Nach der Belcanto-Ära wurde ein direkterer, kraftvollerer Stil schnell populär Giuseppe Verdi , beginnend mit seiner biblischen Oper Nabuk . Verdis Opern spiegelten den wachsenden Geist des italienischen Nationalismus in der Post wider. napoleonisch Ära, und er wurde schnell zu einer Ikone der patriotischen Bewegung (obwohl seine eigene Politik vielleicht nicht ganz so radikal war). In den frühen 1850er Jahren produzierte Verdi seine drei beliebtesten Opern: Rigoletto , Der Troubadour und Die Traviata . Aber er entwickelte seinen Stil weiter und komponierte die vielleicht größte französische Grand Opera. Don Carlos , und beendete seine Karriere mit zwei Shakespeare-inspiriert funktioniert, Otello und Falstaff , die zeigen, wie weit die italienische Oper seit dem frühen 19. Jahrhundert an Raffinesse gewachsen war.

Nach Verdi erschien in Italien das sentimentale „realistische“ Melodram des Verismo. Dies war ein Stil, der von Pietro Mascagni eingeführt wurde Cavalleria Rusticana und Ruggiero Leoncavallos Clowns die mit so populären Werken wie dem von Giacomo Puccini die Opernbühnen der Welt geradezu dominierten La Bohemia , Toska , und Frau Schmetterling . Spätere italienische Komponisten wie Berio und Nono haben mit der Moderne experimentiert.

  • Die Frau ist mobil -
    • Enrico Caruso singt Die Frau ist mobil, aus Giuseppe Verdi Rigoletto (1908)
  • Nein, ich bin kein Clown -
    • Aus Ruggiero Leoncavallos Pagliacci. Aufgeführt von Enrico Caruso
  • Probleme beim Abspielen der Dateien? Siehe Medienhilfe.

Französische Oper

  1875 Plakat für Bizet's Carmen   Vergrößern 1875 Plakat für Bizet's Carmen

In Konkurrenz zu importierten italienischen Opernproduktionen begründete der Italiener Jean-Baptiste Lully am Hof ​​von König Ludwig XIV. eine eigene französische Tradition. Trotz seiner ausländischen Herkunft gründete Lully ab 1672 eine Musikakademie und monopolisierte die französische Oper Cadmus und Hermine , schufen Lully und sein Librettist Quinault Tragödie in der Musik , eine Form, in der Tanzmusik und Chorsatz besonders prominent waren. Lullys Opern zeigen auch ein Interesse an ausdrucksstarken Rezitativen, die den Konturen der französischen Sprache entsprechen. Lullys wichtigster Nachfolger im 18. Jahrhundert war Rameau, der fünf komponierte Tragödien in der Musik sowie zahlreiche Werke in anderen Genres wie Opernballett, die sich alle durch ihre reiche Orchestrierung und harmonischen Wagemut auszeichnen. Nach Rameaus Tod ließ sich der Deutsche Gluck überreden, sechs Opern für die zu produzieren Pariser Bühne in den 1770er Jahren. Sie zeigen den Einfluss von Rameau, aber vereinfacht und mit größerem Fokus auf das Drama. Zur gleichen Zeit gewann Mitte des 18. Jahrhunderts in Frankreich ein anderes Genre an Popularität: komische Oper . Dies entsprach dem deutschen Singspiel, bei dem sich Arien mit gesprochenen Dialogen abwechselten. Bemerkenswerte Beispiele in diesem Stil wurden von Monsigny, Philidor und vor allem Grétry produziert. Während der Revolutionär Komponisten wie Méhul und Cherubini, die Anhänger von Gluck waren, brachten in dieser Zeit eine neue Ernsthaftigkeit in das Genre, das ohnehin nie ganz 'komisch' gewesen war.

In den 1820er Jahren war der Einfluss Glucks in Frankreich einer Vorliebe für italienischen Belcanto gewichen, insbesondere nach der Ankunft Rossinis in Paris. Rossinis Guillaume Tell half bei der Gründung des neuen Genres der Großen Oper, einer Form, deren berühmtester Vertreter ein anderer Ausländer, Giacomo Meyerbeer, war. Meyerbeers Werke, wie z Die Hugenotten betont virtuosen Gesang und außergewöhnliche Bühneneffekte. Feuerzeug komische Oper hatte auch großen Erfolg in den Händen von Boïeldieu, Auber, Hérold und Adolphe Adam. In diesem Klima hatten die Opern des in Frankreich geborenen Komponisten Hector Berlioz Mühe, Gehör zu finden. Berlioz' episches Meisterwerk Die Trojaner , der Höhepunkt der Gluckschen Tradition, wurde fast hundert Jahre lang nicht vollständig aufgeführt.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts schuf Jacques Offenbach die Operette mit witzigen und zynischen Werken wie z Orpheus in der Unterwelt ; Charles Gounod erzielte einen riesigen Erfolg mit Faust ; und Bizet komponiert Carmen , die, sobald das Publikum lernte, seine Mischung aus zu akzeptieren Romantik und Realismus, wurde zur beliebtesten aller Opéra Comiques. Massenet, Saint-Saëns und Delibes komponierten Werke, die noch immer zum Standardrepertoire gehören. Gleichzeitig wird der Einfluss von Richard Wagner wurde als Herausforderung an die französische Tradition empfunden. Viele französische Kritiker lehnten Wagners Musikdramen wütend ab, während viele französische Komponisten sie mit unterschiedlichem Erfolg genau nachahmten. Die vielleicht interessanteste Antwort kam von Claude Debussy. Wie in Wagners Werken spielt auch in Debussys einzigartiger Oper das Orchester eine tragende Rolle Pelléas und Mélisande ( 1902) und es gibt keine wirklichen Arien, nur Rezitative. Aber das Drama ist zurückhaltend, rätselhaft und völlig unwagnerisch.

Andere bemerkenswerte Namen des 20. Jahrhunderts sind Ravel, Dukas, Roussel und Milhaud. Francis Poulenc ist einer der ganz wenigen Nachkriegskomponisten jeglicher Nationalität, dessen Opern (darunter auch Dialoge der Karmeliter) ) haben im internationalen Repertoire Fuß gefasst. Olivier Messiaens langes geistliches Drama Der heilige Franziskus von Assisi (1983) hat ebenfalls große Aufmerksamkeit erregt.

  • Vorspiel —
    • Aus Georges Bizets Carmen. Aufgeführt vom Damrosch Orchestra (1903)

Deutschsprachige Oper

Die erste deutsche Oper war Seidelbast , komponiert von Heinrich Schütz 1627 (die Musik ist nicht erhalten). Die italienische Oper hatte bis ins späte 18. Jahrhundert einen großen Einfluss auf den deutschsprachigen Raum. Dennoch entwickelten sich auch einheimische Formen. 1644 stellte Sigmund Staden den ersten her Singspiel , eine beliebte Form der deutschsprachigen Oper, in der sich Gesang und gesprochener Dialog abwechseln. Im späten 17. und frühen 18. Jahrhundert entstand das Theater am Gänsemarkt in Hamburg präsentierte deutsche Opern von Keiser, Telemann und Händel. Doch viele der großen deutschen Komponisten der damaligen Zeit, darunter Händel selbst sowie Graun, Hasse und später Gluck, entschieden sich dafür, die meisten ihrer Opern in Fremdsprachen zu schreiben, insbesondere in Italienisch.

Mozart 's Singspiele , Die Entführung aus dem Serail (1782) u Die Zauberflöte (1791) waren ein wichtiger Durchbruch für die internationale Anerkennung der deutschen Oper. Die Tradition wurde im 19. Jahrhundert von entwickelt Beethoven mit seinem Fidelio , inspiriert vom Klima der Französische Revolution . Carl Maria von Weber etablierte die deutsche romantische Oper gegen die Dominanz des italienischen Belcanto. Seine Der Freischütz ( 1821) zeigt sein Genie für die Schaffung übernatürlicher Atmosphären. Andere Opernkomponisten der damaligen Zeit waren Marschner, Schubert, Schumann und Lortzing, aber die wichtigste Figur war zweifellos Richard Wagner .

  Illustration inspiriert von Wagner's music drama Das Rheingold   Vergrößern Illustration inspiriert von Wagners Musikdrama Das Rheingold

Wagner war einer der revolutionärsten und umstrittensten Komponisten der Musikgeschichte. Beginnend unter dem Einfluss von Weber und Meyerbeer entwickelte er nach und nach einen neuen Begriff der Oper als Oper Gesamtkunstwerk (ein 'Gesamtkunstwerk'), eine Verschmelzung von Musik, Poesie und Malerei. In seinen reifen Musikdramen Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen und Parzival , hob er die Unterscheidung zwischen Arie und Rezitativ zugunsten eines nahtlosen Flusses 'endloser Melodie' auf. Er erhöhte die Rolle und Kraft des Orchesters erheblich und schuf Partituren mit einem komplexen Netz von Leitmotiven, wiederkehrenden Themen, die oft mit den Charakteren und Konzepten verbunden sind des Dramas; und er war bereit, auf seiner Suche nach größerer Ausdruckskraft gegen anerkannte musikalische Konventionen wie die Tonalität zu verstoßen. Wagner brachte in seinen Werken, die meist auf Geschichten aus der germanischen oder Artussage basierten, auch eine neue philosophische Dimension in die Oper. Schließlich baute Wagner in Bayreuth sein eigenes Opernhaus, das ausschließlich der Aufführung seiner eigenen Werke in dem von ihm gewünschten Stil gewidmet war.

Die Oper würde nach Wagner nie mehr dieselbe sein, und für viele Komponisten erwies sich sein Vermächtnis als schwere Bürde. Auf der anderen Seite akzeptierte Richard Strauss Wagnersche Ideen, führte sie aber in völlig neue Richtungen. Berühmtheit erlangte er zunächst mit dem Skandal Salome und die dunkle Tragödie Elektra , in der die Tonalität an ihre Grenzen getrieben wurde. Dann änderte Strauss bei seinem größten Erfolg den Kurs, Der Rosenkavalier , wo Mozart u Wiener Walzer wurden zu einem ebenso wichtigen Einfluss wie Wagner. Strauss produzierte bis dahin ein sehr vielfältiges Opernwerk, oft mit Libretti des Dichters Hugo von Hofmannsthal Laune im Jahr 1942. Andere Komponisten, die im frühen 20. Jahrhundert individuelle Beiträge zur deutschen Oper geleistet haben, sind Zemlinsky, Hindemith, Kurt Weill und der in Italien geborene Ferruccio Busoni. Die Opernerneuerungen von Arnold Schönberg und seinen Nachfolgern werden im Abschnitt über die Moderne besprochen.

  • Ritt der Walküren -
    • Walkürenritt, aus Wagners Oper, Die Walküre

Englischsprachige Oper

Englands erster bemerkenswerter Komponist, der in Opernformaten arbeitete, war John Blow, der Komponist von Venus und Adonis , die oft als die erste echte englischsprachige Oper angesehen wird. Blows unmittelbarer Nachfolger war der weitaus bekanntere Henry Purcell . Trotz des Erfolges seines Meisterwerkes Dido und Äneas , in der die Handlung durch die Verwendung eines Rezitativs im italienischen Stil gefördert wird, war ein Großteil von Purcells besten Werken nicht an der Komposition typischer Opern beteiligt, sondern er arbeitete normalerweise innerhalb der Beschränkungen des Halbopernformats, in dem isolierte Szenen und Maskenspiele entstanden sind in der Struktur eines Sprechspiels enthalten. Die Hauptfiguren des Stücks sind in der Regel nicht in die musikalischen Szenen involviert, was bedeutet, dass Purcell seine Figuren selten durch Gesang entwickeln konnte. Trotz dieser Hindernisse war es sein Ziel (und das seines Mitarbeiters John Dryden), eine ernsthafte Oper in England zu etablieren, aber diese Hoffnungen endeten mit Purcells frühem Tod im Alter von 36 Jahren.

Nach Purcell war Großbritannien viele Jahre lang im Wesentlichen ein Außenposten der italienischen Oper. Händels Oper ernst dominierten jahrzehntelang die Londoner Opernbühnen, und selbst einheimische Komponisten wie Thomas Arne schrieben nach italienischen Vorbildern. Diese Situation setzte sich im 18. und 19. Jahrhundert fort, einschließlich Michael Balfe, mit Ausnahme von Balladenopern wie der von John Gay Die Oper des Bettlers , die Opernkonventionen und insbesondere leichte Opern aus der späten viktorianischen Ära fälschte Arthur Sullivan 's Savoyer Opern. In den 1870er Jahren war in London auch häufig französische Operette zu hören.

Im 20. Jahrhundert begann die englische Oper jedoch, insbesondere mit Werken von Ralph Vaughn Williams, mehr Unabhängigkeit zu behaupten Benjamin Britt , der in einer Reihe von feinen Werken, die bis heute zum Standardrepertoire gehören, ein ausgezeichnetes Gespür für Dramatik und hervorragende Musikalität offenbarte. Heute exportieren Komponisten wie Thomas Adès weiterhin englische Opern ins Ausland.

  • Bleib, Prinz, und höre –
    • Eine Szene aus Purcells Meisterwerk der Oper, Dido und Äneas . Der Bote der Hexen, in Form von Merkur selbst, versucht, Aeneas zu überzeugen, Karthago zu verlassen. Beachten Sie die Verwendung eines Rezitativs im italienischen Stil, eine Seltenheit in der englischen Oper zu dieser Zeit.

Ebenfalls im 20. Jahrhundert begannen amerikanische Komponisten wie Gershwin, Gian Carlo Menotti und Carlisle Floyd, englischsprachige Opern mit einem Hauch populärer Musikstile beizusteuern. Ihnen folgten Modernisten wie Philip Glass, Mark Adamo, John Coolidge Adams und Jake Heggie.

Russische Oper

  Feodor Chaliapin als Ivan Susanin in Glinka's A Life for the Tsar   Vergrößern Feodor Chaliapin als Ivan Susanin in Glinkas Ein Leben für den Zaren

Oper wurde gebracht Russland in den 1730er Jahren von den italienischen Operntruppen und wurde bald zu einem wichtigen Bestandteil der Unterhaltung für den russischen Kaiserhof und die Aristokratie. Viele ausländische Komponisten wie Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti und Domenico Cimarosa (sowie verschiedene andere) wurden nach Russland eingeladen, um neue Opern zu komponieren, hauptsächlich in italienischer Sprache. Gleichzeitig wurden einige einheimische Musiker wie Maksym Berezovsky und Dmytro Bortniansky ins Ausland geschickt, um das Schreiben von Opern zu lernen. Die erste Oper geschrieben in Russisch war Cefalus und Procris des italienischen Komponisten Francesco Araja (1755). Die Entwicklung der russischsprachigen Oper wurde von den russischen Komponisten Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin und Alexey Verstovsky unterstützt.

Die eigentliche Geburtsstunde der russischen Oper kam jedoch mit Mikhail Glinka und seinen beiden großen Opern Ein Leben für den Zaren , (1836) und Ruslan und Ljudmila (1842). Nach ihm in der 19. Jahrhundert in Russland wurden solche Meisterwerke der Oper geschrieben wie Undine und Der steinerne Gast von Alexander Dargomyzhsky, Boris Godunow und Chowanschtschina von Modest Mussorgsky, Prinz Igor von Alexander Borodin, Eugen Onegin und Die Pik-Dame durch Pjotr ​​Tschaikowsky , und Das Schneewittchen und Ich bin traurig durch Nikolai Rimski-Korsakow . Diese Entwicklungen spiegelten das Wachstum des Russischen wider Nationalismus im gesamten künstlerischen Spektrum als Teil der allgemeineren Slawophilismus-Bewegung.

In dem 20. Jahrhundert Die Traditionen der russischen Oper wurden von vielen Komponisten, darunter Sergei Rachmaninov, in seinen Werken weiterentwickelt Der geizige Ritter und Francesca aus Rimini , Igor Strawinsky in Die Nachtigall , Moor , Oedipus rex , und Der Fortschritt des Rechens , Sergej Prokofjew in Der Spieler , Die Liebe zu drei Orangen , Der feurige Engel , Verlobung in einem Kloster , und Krieg und Frieden ; sowie Dmitri Schostakowitsch in Die Nase und Lady Macbeth aus dem Distrikt Mzensk , Edison Denisov in Der Schaum der Tage , und Alfred Schnittke in Leben mit einem Idioten , und Geschichte von D. Johann Fausten .

Andere nationale Opern

Spanien produzierte auch eine eigene unverwechselbare Opernform, die als Zarzuela bekannt ist und zwei getrennte Blütezeiten hatte: eine im 17. Jahrhundert und eine andere, die Mitte des 19. Jahrhunderts begann. Während des 18. Jahrhunderts war die italienische Oper in Spanien sehr beliebt und verdrängte die einheimische Form.

Auch tschechische Komponisten entwickelten im 19. Jahrhundert eine blühende nationale Opernbewegung, beginnend mit Bedřich Smetana, der acht Opern schrieb, darunter die international beliebte Die verkaufte Braut . Antonin Dworak , am bekanntesten für Undine , schrieb 13 Opern; und Leoš Janáček erlangten im 20. Jahrhundert internationale Anerkennung für seine innovativen Arbeiten, darunter Jennóf , Das schlaue Füchslein , und Katja Kabanova .

Die Schlüsselfigur der ungarischen Nationaloper im 19. Jahrhundert war Ferenc Erkel, dessen Werke sich hauptsächlich mit historischen Themen befassten. Zu seinen meistgespielten Opern gehören László Hunyadi und Entschuldigung . Die berühmteste moderne ungarische Oper ist die von Béla Bartók Herzog Blaubarts Schloss . Erkels polnisches Äquivalent war Stanislaw Moniuszko, der am meisten für die Oper gefeiert wurde Gruseliges Herrenhaus .

Zeitgenössische, aktuelle und modernistische Trends

Modernismus

Die vielleicht offensichtlichste stilistische Manifestation der Moderne in der Oper ist die Entwicklung von Atonalität . Die Abkehr von der traditionellen Tonalität in der Oper hatte mit begonnen Wagner , und insbesondere den Tristan-Akkord, aber nach seinem Tod wurden für längere Zeit keine weiteren Stilinnovationen eingeführt. Komponisten wie Richard Strauss, Giacomo Puccini, Paul Hindemith und Hans Pfitzner adaptierten und arbeiteten innerhalb Wagnerscher Parameter, gingen aber nicht sehr weit darüber hinaus.

Die Opernmoderne begann wirklich in den Opern zweier Wiener Komponisten, Arnold Schönberg und seines Gehilfen Alban Berg, beide Komponisten und Verfechter der Atonalität und ihrer späteren Entwicklung (wie von Schönberg ausgearbeitet), der Dodekaphonie. Schönbergs musikdramatische Frühwerke, Erwartung (1909, uraufgeführt 1924) und Die glückliche Hand zeigen einen starken Gebrauch von chromatischer Harmonie und Dissonanz im Allgemeinen. Schönberg verwendete gelegentlich auch Sprechstimme, die er wie folgt beschrieb: 'Die Stimme steigt und fällt relativ zu den angegebenen Intervallen, und alles ist mit der Zeit und dem Rhythmus der Musik verbunden, außer wo eine Pause angezeigt wird'.

Die beiden Opern des Schönberg-Schülers Alban Berg, Wozzeck und Lulu (bei seinem Tod unvollendet geblieben) weisen viele der oben beschriebenen Merkmale auf, obwohl Berg seine sehr persönliche Interpretation von Schönbergs Zwölftontechnik mit melodischen Passagen traditioneller tonaler Natur (von ganz Mahler-Charakter) kombinierte, was vielleicht teilweise erklärt, warum Seine Opern sind trotz ihrer kontroversen Musik und Handlung im Standardrepertoire geblieben. Seitdem haben Schönbergs Theorien (direkt oder indirekt) eine beträchtliche Anzahl von Opernkomponisten beeinflusst, auch wenn sie selbst nicht mit seinen Techniken komponiert haben. Zu den so beeinflussten Komponisten gehört der Engländer Benjamin Britt , der Deutsche Hans Werner Henze und der Russe Dmitri Schostakowitsch. (Philip Glass bedient sich auch der Atonalität, obwohl sein Stil allgemein als minimalistisch beschrieben wird und normalerweise als eine weitere Entwicklung des 20. Jahrhunderts angesehen wird.)

Die Verwendung der Dodekaphonie in der Opernmoderne löste jedoch bei mehreren führenden Komponisten eine Gegenreaktion aus. Unter den Vorreitern war der Russe hervorragend Igor Strawinsky . Nachdem er offensichtlich modernistische Musik für die von Diaghilev produzierten Ballette komponiert hatte Petersilie und Das Frühlingsritual , wandte sich Strawinsky in den 1920er Jahren dem Neoklassizismus zu und gipfelte in seinem Opern-Oratorium Oedipus rex . Als er eine abendfüllende Oper komponierte, die ohne Zweifel eine Oper war (nach seinen von Rimsky-Korsakov inspirierten Werken Die Nachtigall (1914) und Moor (1922)), im Der Fortschritt des Rechens Er ignorierte weiterhin serialistische Techniken und schrieb eine 'Zahlen' -Oper im Stil des 18. Jahrhunderts mit Diatonik. Sein Widerstand gegen den Serialismus erwies sich als Inspiration für viele andere Komponisten.

Andere Tendenzen

Ein allgemeiner Trend im gesamten 20. Jahrhundert, sowohl im Opern- als auch im allgemeinen Orchesterrepertoire, ist die Verkleinerung der Orchesterbesetzung. Da die Förderung der Künste abnimmt, werden neue Werke in Auftrag gegeben und mit kleineren Budgets aufgeführt, was sehr oft zu kammergroßen Werken und Einakter-Opern führt. Viele von Benjamin Britt 's Opern sind für nur 13 Instrumentalisten besetzt; Mark Adamos Zwei-Akt-Realisierung von Kleine Frau ist für 18 Instrumentalisten besetzt.

Ein weiteres Merkmal der Oper des 20. Jahrhunderts ist die Entstehung zeitgenössischer historischer Opern. Der Tod von Klinghoffer und Nixon in China von John Adams und Gehender toter Mann von Jake Heggie veranschaulichen die Dramatisierung von Ereignissen in jüngster Zeit auf der Bühne, bei denen die in der Oper dargestellten Charaktere zum Zeitpunkt der Uraufführung lebten. Frühere Opernmodelle hielten sich im Allgemeinen an eine weiter entfernte Geschichte und erzählten zeitgenössische fiktive Geschichten (Überarbeitungen populärer Stücke) oder mythische/legendäre Geschichten.

Die Metropolitan Opera berichtet, dass das Durchschnittsalter ihrer Gäste jetzt 60 Jahre beträgt. Viele Opernhäuser haben einen ähnlichen Trend erlebt, und die Websites der Opernhäuser sind voll von Versuchen, ein jüngeres Publikum anzulocken. Dieser Trend ist Teil des größeren Trends des alternden Publikums für klassische Musik seit den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts.

Vom Musical zurück zur Oper

Ebenfalls in den späten 1930er Jahren wurden einige Musicals mit einer eher opernhaften Struktur geschrieben. Diese Werke beinhalten komplexe polyphone Ensembles und spiegeln musikalische Entwicklungen ihrer Zeit wider. Porgy und bess , beeinflusst von Jazzstilen, und Kandid , mit ihren mitreißenden, lyrischen Passagen und absurden Opernparodien, wurden beide am Broadway eröffnet, aber als Teil des Opernrepertoires akzeptiert. Boot zeigen , Westside-Story , Brigade , Sweeney Todd , vermeiden und andere erzählen dramatische Geschichten durch komplexe Musik und sind jetzt manchmal in Opernhäusern zu sehen. Einige Musicals, beginnend mit Tommy (1969) und Jesus Christus Superstar (1971), sind durchkomponiert, mit Rezitativen statt Dialogen geschrieben, erzählen ihre emotionalen Geschichten überwiegend durch die Musik und sind Rockopern.

Opernstimmen

Sänger und die von ihnen gespielten Rollen werden zunächst nach ihrem Stimmumfang eingeteilt. Männliche Sänger werden nach Stimmumfang als Bass, Bassbariton, Bariton, Tenor und Countertenor klassifiziert. Sängerinnen werden nach Stimmumfang in Alt, Mezzosopran und Sopran eingeteilt. Darüber hinaus werden die Stimmen von Sängern lose durch andere Merkmale als den Tonumfang identifiziert, wie z. B. Klangfarbe oder Farbe, Stimmqualität, Beweglichkeit, Kraft und Stimmlage. So kann ein Sopran als lyrischer Sopran, Koloratur, soubrette , geschoben , oder dramatischer Sopran; Obwohl diese Begriffe eine Singstimme nicht vollständig beschreiben, verbinden sie die Stimme des Sängers mit den Rollen, die für die Stimmeigenschaften des Sängers am besten geeignet sind. Das deutsche Fachsystem ist ein besonders organisiertes System der Vokalklassifikation. Die Stimme eines bestimmten Sängers kann sich im Laufe seines Lebens drastisch ändern und erreicht selten vor dem dritten Jahrzehnt und manchmal erst im mittleren Alter die Stimmreife.

Geschichten

Die Sopranstimme wurde in der gesamten Operngeschichte typischerweise als Stimme der Wahl für die weibliche Protagonistin der betreffenden Oper verwendet. Die derzeitige Betonung eines breiten Stimmumfangs war in erster Linie eine Erfindung der Klassik. Davor stand die vokale Virtuosität im Vordergrund, nicht der Umfang, wobei die Sopranpartien selten über ein hohes A hinausgingen (Händel beispielsweise schrieb nur eine Rolle, die bis zu einem hohen C reichte), obwohl der Kastrat Farinelli angeblich eine Decke besaß F. Das Altregister erfreut sich nur eines begrenzten Opernrepertoires; daher der Spruch, dass Altisten nur „Witches, Bitches, and Britches“ singen und in den letzten Jahren viele der Hosenrollen aus der Barockzeit an Countertenöre vergeben wurden.

Der Tenorstimme wird seit der Klassik traditionell die Rolle des männlichen Protagonisten zugeschrieben. Viele der herausforderndsten Tenorrollen im Repertoire wurden während der geschrieben Belcanto Ära, wie Donizettis Sequenz von 9 Cs über dem mittleren C während Tochter des Regiments . Mit Wagner kam eine Betonung des stimmlichen Gewichts für seine Protagonistenrollen, deren stimmliche Kategorie mit dem Begriff beschrieben wird heldentenor . Bassrollen haben eine lange Geschichte in der Oper, da sie verwendet wurden ernste Oper zur komischen Erleichterung (und als Kontrast zum Übergewicht hoher Stimmen in diesem Genre). Das Bassrepertoire ist breit und vielfältig und reicht von der komisch Komödie von Leporello in Don Giovanni an den Adel Wotans in Wagners Ring-Zyklus. Zwischen Bass und Tenor steht der Bariton.