Musik der Vereinigten Staaten

Die Vereinigten Staaten beherbergen eine Vielzahl regionaler Stile und Szenen.

Das Musik des Vereinigte Staaten spiegelt die multiethnische Bevölkerung des Landes durch eine Vielzahl von Stilen wider. Rock'n'Roll, Country, Rhythmus und Blues , Jazz , und Hip Hop gehören zu den international bekanntesten Genres des Landes. Seit Beginn des 20. Jahrhunderts ist populäre Musikaufzeichnungen aus den Vereinigten Staaten auf der ganzen Welt immer bekannter geworden, bis zu dem Punkt, an dem einige Formen von Amerikanische Popmusik werden fast überall gehört.

Die frühesten Einwohner der Vereinigten Staaten waren Indianerstämme, die die erste Musik in der Gegend spielten. Ab dem 17. Jahrhundert kamen Einwanderer aus der britische Inseln , Spanien , und Frankreich kamen in großer Zahl und brachten neue Stile und Instrumente mit. Afrikanische Sklaven brachten musikalische Traditionen mit, und jede nachfolgende Einwanderungswelle trug zu einem Schmelztiegel bei.

Ein Großteil der modernen populären Musik lässt sich auf die Entstehung des afroamerikanischen Blues Ende des 19. Jahrhunderts und das Wachstum der Gospelmusik in den 1920er Jahren zurückführen. Afroamerikanische Musik bildete eine Grundlage für populäre Musik, die Elemente aus europäischer und indigener Musik verwendete. Die Vereinigten Staaten haben auch dokumentierte Volksmusik gesehen und populäre Musik aufgenommen, die in den ethnischen Stilen der Ukraine produziert wurde. irisch , schottische, polnische, mexikanische und jüdische Gemeinden. Viele amerikanische Städte und Gemeinden haben lebendige Musikszenen, die wiederum eine Reihe regionaler Musikstile unterstützen. Abgesehen von Städten wie Detroit, New York , Chicago , Nashville und Die Engel haben viele kleinere Städte unverwechselbare Musikstile hervorgebracht. Die Cajun- und kreolischen Traditionen in der Musik von Louisiana, die Folk- und populären Stile der hawaiianischen Musik und die Blaugras und alte Musik der südöstlichen Staaten sind einige Beispiele.

Musik der Vereinigten Staaten
Geschichte
Kolonialzeit - bis zum Bürgerkrieg - Während des Bürgerkriegs - Ende des 19. Jahrhunderts - Anfang des 20. Jahrhunderts - 40er und 50er - 60er und 70er - 80er bis heute
Genres:
Auszeichnungen
Diagramme
Feste
Medien
Nationalhymne
Ethnische Musik
Indianer - Englisch: - Afroamerikaner - Irisch und Schottisch - Latein: - Cajun und Kreolisch - Hawaii - Andere Einwanderer
Lokale Musik
AK - AL - AR - AS - AZ - CA - CO - CT - DC - DE - FL - GA - GU - HALLO - IA - ID - IL - IN - KS - KY - LA - MA - MD - ME - MI - MN - MO - MP - MS - MT - NC - ND - NE - NH - NM - NV - NJ - NY - OH - OK - ODER - PA - PR - RI - SC - SD - TN - TX - UT - VA - VI - VT - WA - WI - WV - WY

Eigenschaften

Die Musik der Vereinigten Staaten kann durch die Verwendung von Synkopen und asymmetrischen Rhythmen, langen, unregelmäßigen Melodien charakterisiert werden, die angeblich „die weite offene Geographie (der amerikanischen Landschaft) widerspiegeln“ und das „Gefühl der persönlichen Freiheit, das für Amerikaner charakteristisch ist Leben'. Einige besondere Aspekte der amerikanischen Musik, wie das Call-and-Response-Format, sind von afrikanischen Techniken und Instrumenten abgeleitet.

Während der frühen Zeit der amerikanischen Geschichte und bis in die Neuzeit war die Beziehung zwischen amerikanischer und europäischer Musik ein diskutiertes Thema unter Wissenschaftlern der amerikanischen Musik. Einige haben auf die Übernahme rein europäischer Techniken und Stile gedrängt, die manchmal als raffinierter oder eleganter empfunden werden, während andere auf ein Gefühl von musikalischem Nationalismus drängen, der unverwechselbar amerikanische Stile feiert. Der Gelehrte für moderne klassische Musik, John Warthen Struble, hat Amerikanisch und Europäisch gegenübergestellt und ist zu dem Schluss gekommen, dass die Musik der Vereinigten Staaten von Natur aus unterschiedlich ist, weil die Vereinigten Staaten als Nation keine Jahrhunderte der musikalischen Entwicklung hinter sich haben. Stattdessen ist die Musik der Vereinigten Staaten die von Dutzenden oder Hunderten von indigenen und eingewanderten Gruppen, die sich alle weitgehend in regionaler Isolation entwickelt haben Amerikanischer Bürgerkrieg , als Menschen aus dem ganzen Land in Armeeeinheiten zusammengebracht wurden, um Musikstile und -praktiken auszutauschen. Struble betrachtete die Balladen des Bürgerkriegs als 'die erste amerikanische Volksmusik mit erkennbaren Merkmalen, die als einzigartig für Amerika angesehen werden können: die erste' amerikanisch 'klingende Musik, die sich von jedem regionalen Stil unterscheidet, der aus einem anderen Land stammt'.

Künste der Vereinigte Staaten

Die Architektur Kino Comic-Bücher Küche Tanzen Literatur Musik Poesie Skulptur Fernsehen Theater Bildende Kunst

Der Bürgerkrieg und die Zeit danach erlebten eine allgemeine Blüte der amerikanischen Kunst, Literatur und Musik. Amateurmusikensembles dieser Ära können als Geburtsstunde der amerikanischen Popmusik angesehen werden. Der Musikautor David Ewen beschreibt diese frühen Amateurbands als eine Kombination „der Tiefe und Dramatik der Klassiker mit anspruchsloser Technik, wobei Komplexität zugunsten des direkten Ausdrucks vermieden wird. Wenn es sich um Vokalmusik handeln würde, wären die Worte auf Englisch, trotz der Kritiker, die Englisch erklärten eine unsingbare Sprache. In gewisser Weise war es Teil des gesamten Erwachens Amerikas nach dem Bürgerkrieg, einer Zeit, in der sich amerikanische Maler, Schriftsteller und ‚ernsthafte‘ Komponisten speziell mit amerikanischen Themen befassten.“ In dieser Zeit nahmen die Wurzeln von Blues, Gospel, Jazz und Country-Musik Gestalt an; im 20. Jahrhundert wurden diese zum Kern von Amerikanische Popmusik , die sich zu Stilen wie weiterentwickelten Rhythmus und Blues , Rock'n'Roll und Hip-Hop-Musik .

Soziale Identität

Musik ist mit Aspekten der amerikanischen sozialen und kulturellen Identität verflochten, auch durch soziale Klasse, Rennen und ethnische Zugehörigkeit, Geographie, Religion, Sprache, Geschlecht und Sexualität. Die Beziehung zwischen Musik und Rasse ist vielleicht der stärkste Bestimmungsfaktor für die musikalische Bedeutung in den Vereinigten Staaten. Die Entwicklung einer afroamerikanischen musikalischen Identität aus unterschiedlichen Quellen aus Afrika und Europa war ein ständiges Thema in der Musikgeschichte der Vereinigten Staaten. Über die afroamerikanische Musik der Kolonialzeit, als sich Stile, Lieder und Instrumente aus ganz Westafrika im Schmelztiegel der Sklaverei vermischten, existiert nur wenig Dokumentation. Mitte des 19. Jahrhunderts war eine ausgesprochen afroamerikanische Volkstradition bekannt und weit verbreitet, und afroamerikanische Musiktechniken, Instrumente und Bilder wurden durch Spirituals zu einem Teil der amerikanischen Mainstream-Musik. Minnesänger-Shows und Sklavenlieder. Afroamerikanische Musikstile wurden durch den Blues zu einem festen Bestandteil der amerikanischen Popmusik. Jazz , Rhythmus und Blues , und dann Rock and Roll, Soul und Hip Hop ; Alle diese Stile wurden von Amerikanern aller Rassen konsumiert, wurden jedoch in afroamerikanischen Stilen und Redewendungen kreiert, bevor sie schließlich in Leistung und Konsum über Rassengrenzen hinweg üblich wurden. Im Gegensatz dazu entstammt die Country-Musik sowohl afrikanischen als auch europäischen sowie indianischen und hawaiianischen Traditionen und wird dennoch seit langem als eine Form der weißen Musik wahrgenommen.

Die wirtschaftliche und soziale Klasse trennt die amerikanische Musik durch die Schaffung und den Konsum von Musik, wie z. B. die Schirmherrschaft der Oberschicht durch Symphoniebesucher und die im Allgemeinen schlechten Interpreten ländlicher und ethnischer Volksmusik. Musikalische Klasseneinteilungen sind jedoch nicht absolut und werden manchmal so sehr als tatsächlich wahrgenommen; Populäre amerikanische Country-Musik zum Beispiel ist ein kommerzielles Genre, das 'an eine Identität der Arbeiterklasse appellieren soll, unabhängig davon, ob ihre Zuhörer tatsächlich der Arbeiterklasse angehören oder nicht'. Country-Musik ist auch mit der geografischen Identität verflochten und in Ursprung und Funktion spezifisch ländlich; andere Genres, wie R&B und Hip-Hop, werden als von Natur aus urban wahrgenommen. Für einen Großteil der amerikanischen Geschichte war das Musizieren eine „feminisierte Aktivität“. Im 19. Jahrhundert galten Laienklavier und -gesang als angemessen für Frauen aus der Mittel- und Oberschicht, die jedoch häufig von Orchestern und Symphonien ausgeschlossen waren. Frauen waren auch ein wichtiger Teil der frühen Aufführung populärer Musik, obwohl aufgezeichnete Traditionen schnell mehr von Männern dominiert werden. Die meisten von Männern dominierten Genres der Popmusik umfassen auch weibliche Darsteller, oft in einer Nische, die hauptsächlich Frauen anspricht. Dazu gehören Gangsta-Rap und Heavy Metal.

Diversität

Die Vereinigten Staaten werden oft als kultureller Schmelztiegel bezeichnet, der Einflüsse aus der ganzen Welt aufnimmt und unverwechselbar neue Methoden des kulturellen Ausdrucks schafft. Obwohl Aspekte der amerikanischen Musik auf bestimmte Ursprünge zurückgeführt werden können, ist die Behauptung einer bestimmten ursprünglichen Kultur für ein musikalisches Element von Natur aus problematisch, da sich die amerikanische Musik durch Transplantation und Hybridisierung von Techniken, Instrumenten und Genres ständig weiterentwickelt. Elemente ausländischer Musik gelangten in die Vereinigten Staaten sowohl durch das formelle Sponsoring von Bildungs- und Öffentlichkeitsveranstaltungen durch Einzelpersonen und Gruppen als auch durch informelle Prozesse, wie bei der zufälligen Transplantation westafrikanischer Musik durch Sklaverei, und Irische Musik durch Einwanderung. Die typisch amerikanische Musik ist das Ergebnis interkultureller Hybridisierung durch engen Kontakt. Sklaverei zum Beispiel, gemischte Personen aus zahlreichen Stämmen in engen Wohnvierteln, was zu einer gemeinsamen musikalischen Tradition führte, die durch weitere Hybridisierung mit Elementen indigener, lateinamerikanischer und europäischer Musik bereichert wurde. Die ethnische, religiöse und rassische Vielfalt Amerikas hat auch solche vermischten Genres hervorgebracht wie die französisch-afrikanische Musik der Louisiana-Kreolen, die indigene, mexikanische und europäische Fusionsmusik von Tejano und die gründlich hybridisierte Slack-Key-Gitarre und andere Stile moderner hawaiianischer Musik.

Der Prozess, Musik zwischen Kulturen zu verpflanzen, ist nicht ohne Kritik. Die Folk-Wiederbelebung Mitte des 20. Jahrhunderts zum Beispiel eignete sich die Musik verschiedener ländlicher Völker an, teilweise um bestimmte politische Anliegen zu fördern, was einige zu der Frage veranlasste, ob der Prozess die „kommerzielle Kommodifizierung der Lieder anderer Völker“ verursachte. . und die unvermeidliche Verdünnung des Mittelwertes' in der angeeigneten Musik. Die Frage der kulturellen Aneignung war auch ein wichtiger Bestandteil der Rassenbeziehungen in den Vereinigten Staaten. Die Verwendung afroamerikanischer Musiktechniken, Bilder und Vorstellungen in der Popmusik, hauptsächlich von und für weiße Amerikaner, ist seit mindestens den Liedern von Stephen Foster Mitte des 19. Jahrhunderts und dem Aufstieg von weit verbreitet Minnesänger-Shows . Die amerikanische Musikindustrie hat aktiv versucht, weiße Interpreten afroamerikanischer Musik populär zu machen, weil sie für Mainstream- und Mittelklasse-Amerikaner schmackhafter sind. Dieser Prozess hat so unterschiedliche Stars wie Benny Goodman, Eminem und hervorgebracht Elvis Presley , sowie beliebte Stilrichtungen wie Blue-Eyed Soul und Rockabilly.

Volksmusik

Die Volksmusik in den Vereinigten Staaten ist in den zahlreichen ethnischen Gruppen des Landes unterschiedlich. Die Indianerstämme spielen jeweils ihre eigenen Arten von Volksmusik, die meisten davon spiritueller Natur. Zur afroamerikanischen Musik gehören Blues und Gospel, Nachkommen westafrikanischer Musik, die von Sklaven nach Amerika gebracht und mit westeuropäischer Musik gemischt wurden. Während der Kolonialzeit wurden Englisch, Französisch und Spanisch Stile und Instrumente wurden nach Amerika gebracht. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren die Vereinigten Staaten zu einem wichtigen Zentrum für Volksmusik aus der ganzen Welt geworden, darunter Polka, ukrainische und polnische Geige, Ashkenazi jüdisch Klezmer und verschiedene Arten lateinamerikanischer Musik.

Die amerikanischen Ureinwohner spielten die erste Volksmusik in den heutigen Vereinigten Staaten und verwendeten dabei eine Vielzahl von Stilen und Techniken. Einige Gemeinsamkeiten sind jedoch in der traditionellen Musik der amerikanischen Ureinwohner nahezu universell, insbesondere das Fehlen von Harmonie und Polyphonie sowie die Verwendung von Vokabeln und absteigenden melodischen Figuren. Traditionelle Instrumentierungen verwenden die Flöte und viele Arten von Schlaginstrumenten, wie Trommeln, Rasseln und Shaker. Seit der Kontakt zwischen Europa und Afrika hergestellt wurde, ist die Volksmusik der amerikanischen Ureinwohner in neue Richtungen gewachsen, in Fusionen mit unterschiedlichen Stilen wie europäischen Volkstänzen und Tejano-Musik. Die moderne Musik der amerikanischen Ureinwohner ist vielleicht am besten für Powwow-Versammlungen bekannt, stammesübergreifende Versammlungen, bei denen Tänze und Musik im traditionellen Stil aufgeführt werden.

Die dreizehn Kolonien der ursprünglichen Vereinigten Staaten waren alle ehemalige englische Besitztümer, und die Anglo-Kultur wurde zu einer wichtigen Grundlage für amerikanische Folk- und Popmusik. Viele amerikanische Volkslieder sind in Arrangements identisch mit britischen Liedern, jedoch mit neuen Texten, oft als Parodien des Originalmaterials. American-Anglo-Songs zeichnen sich auch dadurch aus, dass sie weniger pentatonische Melodien, weniger prominente Begleitung (aber mit stärkerem Einsatz von Drohnen) und mehr Melodien in Dur aufweisen. Angloamerikanische traditionelle Musik umfasst auch eine Vielzahl von Breitseitenballaden, humorvollen Geschichten und Lügengeschichten sowie Katastrophenlieder über Bergbau, Schiffbruch und Mord. Legendäre Helden wie Joe Magarac, John Henry und Jesse James sind Teil vieler Songs. Zu den Volkstänzen britischen Ursprungs gehört der Square Dance, der von der Quadrille abstammt, kombiniert mit der amerikanischen Innovation a Anrufer die Tänzer anweisen. Die als Shakers bekannte religiöse Gemeinschaftsgesellschaft wanderte im 18. Jahrhundert aus England aus und entwickelte ihre eigenen Volkstanzmuster wie den Square Order Shuffle und die Quick Step Manier. Ihre frühen Songs gehen auf britische Volksliedmodelle zurück. Das bekannteste Shaker-Lied ist Simple Gifts, das 1848 als Tanzlied geschrieben wurde.

Die Vorfahren der heutigen afroamerikanischen Bevölkerung wurden als Sklaven in die Vereinigten Staaten gebracht und arbeiteten hauptsächlich auf den Plantagen des Südens. Sie stammten aus Hunderten von Stämmen in ganz Westafrika und brachten bestimmte Merkmale der westafrikanischen Musik mit, darunter Call-and-Response-Gesang und komplexe rhythmische Musik sowie synkopierte Beats und wechselnde Akzente. Der afrikanische musikalische Fokus auf rhythmisches Singen und Tanzen wurde in die Neue Welt gebracht und dort Teil einer ausgeprägten Volkskultur, die den Afrikanern half, 'durch Musik die Kontinuität mit ihrer Vergangenheit zu bewahren'. Die ersten Sklaven in den Vereinigten Staaten sangen Arbeitslieder, Feldschreie und nach der Christianisierung Hymnen. Im 19. Jahrhundert erfasste ein großes Erwachen religiöser Inbrunst die Menschen im ganzen Land, besonders im Süden. Protestantische Hymnen, die hauptsächlich von Predigern aus Neuengland geschrieben wurden, wurden zu einem festen Bestandteil von Lagertreffen, die unter frommen Christen im ganzen Süden abgehalten wurden. Als Schwarze anfingen, angepasste Versionen dieser Hymnen zu singen, wurden sie genannt Neger-Spirituals . Aus diesen Wurzeln von geistlichen Liedern, Arbeitsliedern und Feldschreien entwickelten sich Blues, Jazz und Gospel.

Blues und Spirituals

Spirituals waren in erster Linie Ausdruck des religiösen Glaubens, gesungen von Sklaven auf Plantagen im Süden. Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts breiteten sich Spirituals aus dem Süden der USA aus. 1871 wurde die Fisk University zur Heimat der Jubilee Singers, einer wegweisenden Gruppe, die Spirituals im ganzen Land bekannt machte. In Anlehnung an diese Gruppe entstanden Gospelquartette, gefolgt von einer zunehmenden Diversifizierung mit dem Aufstieg von Jackleg- und Gesangspredigern im frühen 20. Jahrhundert, aus denen der populäre Stil der Gospelmusik entstand.

Blues ist eine Kombination aus afrikanischen Arbeitsliedern, Feldgeheul und Schreien. Es entwickelte sich im ländlichen Süden im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Die wichtigsten Merkmale des Blues sind die Verwendung der blauen Tonleiter mit einer abgeflachten oder unbestimmten Terz sowie die typisch klagenden Texte; Obwohl diese beiden Elemente in der afroamerikanischen Volksmusik vor dem 20. Jahrhundert existierten, existierte die kodifizierte Form des modernen Blues (z. B. mit der AAB-Struktur) erst im frühen 20. Jahrhundert.

Andere Einwanderergemeinschaften

Die Vereinigten Staaten sind ein Schmelztiegel zahlreicher ethnischer Gruppen. Viele dieser Völker haben die Volkstraditionen ihrer Heimat am Leben erhalten und oft typisch amerikanische Stile ausländischer Musik hervorgebracht. Einige Nationalitäten haben lokale Szenen in Regionen des Landes hervorgebracht, in denen sie sich angesammelt haben, wie die kapverdische Musik in Neuengland, die armenische Musik in Kalifornien , und Italienisch und ukrainische Musik in New York City .

Die Kreolen sind eine Gemeinschaft mit unterschiedlicher nicht-angloischer Abstammung, meist Nachkommen von Menschen, die in Louisiana lebten, bevor es von den USA gekauft wurde. Die Cajuns sind eine Gruppe von Frankophonen, die in Louisiana ankamen, nachdem sie Acadia in Kanada verlassen hatten. Die Stadt New Orleans, Louisiana, ist als wichtiger Hafen ein Schmelztiegel für Menschen aus dem gesamten karibischen Becken. Das Ergebnis ist eine vielfältige und synkretistische Reihe von Stilen der Cajun- und kreolischen Musik.

Mexiko kontrollierte bis zum mexikanisch-amerikanischen Krieg einen Großteil des heutigen Westens der Vereinigten Staaten, einschließlich des gesamten Bundesstaates Texas. Nachdem Texas den Vereinigten Staaten beigetreten war, wurden die im Bundesstaat lebenden Mexikaner ( Jeans ) begannen sich kulturell getrennt von ihren Nachbarn im Süden zu entwickeln und blieben kulturell von anderen Texanern verschieden. Von zentraler Bedeutung für die Entwicklung der frühen Tejano-Musik war die Mischung aus traditionellen mexikanischen Formen wie dem Corrido und kontinentaleuropäischen Stilen, die Ende des 19. Jahrhunderts von deutschen und tschechischen Siedlern eingeführt wurden. Insbesondere das Akkordeon wurde um die Wende des 20. Jahrhunderts von Tejano-Volksmusikern übernommen und wurde zu einem beliebten Instrument für Amateurmusiker in Texas und Nordmexiko.

Klassische Musik

Die europäische klassische Musiktradition wurde mit einigen der ersten Kolonisten in die Vereinigten Staaten gebracht. Die europäische klassische Musik wurzelt in den Traditionen der europäischen Kunst-, Kirchen- und Konzertmusik. Die zentralen Normen dieser Tradition entwickelten sich zwischen 1550 und 1825 und konzentrierten sich auf die sogenannte gemeinsame Praxisperiode. Die meisten amerikanischen klassischen Komponisten versuchten bis zum 19. Jahrhundert, vollständig nach europäischen Vorbildern zu arbeiten. Wann Antonin Dworak , ein prominenter tschechischer Komponist, der von 1892 bis 1895 die Vereinigten Staaten besuchte, wiederholte er die Idee, dass die amerikanische klassische Musik ihre eigenen Modelle brauchte, anstatt europäische Komponisten zu imitieren; Er half, nachfolgende Komponisten zu inspirieren, einen deutlich amerikanischen Stil der klassischen Musik zu machen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts integrierten viele amerikanische Komponisten unterschiedliche Elemente in ihre Werke, die von Jazz und Blues bis hin zu Musik der amerikanischen Ureinwohner reichten.

Frühe klassische Musik

Während der Kolonialzeit gab es zwei unterschiedliche Bereiche dessen, was heute als klassische Musik gilt. Einer war mit Amateurkomponisten und -pädagogen verbunden, deren Stil auf einfachen Hymnen basierte, die im Laufe der Zeit immer raffinierter vorgetragen wurden. Die andere koloniale Tradition war die der mittelatlantischen Städte wie Philadelphia und Baltimore, die eine Reihe prominenter Komponisten hervorbrachte, die fast ausschließlich nach europäischem Vorbild arbeiteten; Diese Komponisten waren größtenteils englischen Ursprungs und arbeiteten speziell im Stil prominenter englischer Komponisten des Tages.

Europäische klassische Musik wurde während der Kolonialzeit in die Vereinigten Staaten gebracht. Viele amerikanische Komponisten dieser Zeit arbeiteten ausschließlich mit europäischen Vorbildern, während andere, wie William Billings, Supply Belcher und Justin Morgan, auch bekannt als die Erste New England School , entwickelte einen von europäischen Vorbildern nahezu völlig unabhängigen Stil. Von diesen Komponisten ist Billings am besten in Erinnerung; er war auch einflussreich 'als Gründer des amerikanischen Kirchenchors, als erster Musiker, der eine Stimmpfeife benutzte, und als erster, der ein Violoncello in den Gottesdienst einführte'. Viele dieser Komponisten waren Amateursänger, die neue Formen geistlicher Musik entwickelten, die für die Aufführung durch Amateure geeignet waren, und häufig harmonische Methoden verwendeten, die nach zeitgenössischen europäischen Maßstäben als bizarr angesehen worden wären. Die Stile dieser Komponisten blieben unberührt vom 'Einfluss ihrer hochentwickelten europäischen Zeitgenossen', verwendeten modale oder pentatonische Tonleitern oder Melodien und verzichteten auf die europäischen Harmonieregeln.

Im frühen 19. Jahrhundert brachte Amerika verschiedene Komponisten wie Anthony Philip Heinrich hervor, der einen einzigartigen amerikanischen Stil schuf und als erster amerikanischer Komponist für eine Symphonie schrieb. Viele andere Komponisten, allen voran William Henry Fry und George Frederick Bristow, unterstützten die Idee eines amerikanischen klassischen Stils, obwohl ihre Werke sehr europäisch orientiert waren. Es war jedoch John Knowles Paine, der als erster amerikanischer Komponist in Europa akzeptiert wurde. Paines Beispiel inspirierte die Komponisten der Zweite New England School , darunter Persönlichkeiten wie Amy Beach, Edward MacDowell und Horatio Parker.

Louis Moreau Gottschalk ist vielleicht der bekannteste amerikanische Komponist des 19. Jahrhunderts, der laut Musikhistoriker Richard Crawford dafür bekannt ist, 'indigene oder volkstümliche Themen und Rhythmen in Musik für den Konzertsaal zu bringen'. Gottschalks Musik spiegelte die kulturelle Mischung seiner Heimatstadt New Orleans, Louisiana, wider, in der eine Vielzahl lateinamerikanischer, karibischer, afroamerikanischer, Cajun- und kreolischer Musik zu Hause war. Er war zu seinen Lebzeiten als talentierter Pianist anerkannt und war auch ein bekannter Komponist, der immer noch bewundert wird, obwohl er wenig aufgeführt wird.

20. Jahrhundert

Zur New Yorker klassischen Musikszene gehörte Charles Griffes, ursprünglich aus Elmira, New York, der 1914 begann, sein innovativstes Material zu veröffentlichen. Seine frühen Kollaborationen waren Versuche, nicht-westliche Musikthemen zu verwenden. Der bekannteste New Yorker Komponist, ja der bekannteste amerikanische klassische Komponist überhaupt, war George Gershwin. Gershwin war Songwriter bei Tin Pan Alley und den Broadway-Theatern, und seine Werke waren stark beeinflusst von Jazz , oder besser gesagt die Vorläufer des Jazz, die zu seiner Zeit existierten. Gershwins Arbeit hat die amerikanische klassische Musik fokussierter gemacht und eine beispiellose Menge internationaler Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Der erste große Komponist nach Gershwin war Aaron Copland aus Brooklyn, der Elemente der amerikanischen Volksmusik verwendete, obwohl sie in Technik und Form europäisch blieb. Später wandte er sich dem Ballett und dann der seriellen Musik zu. Charles Ives war einer der frühesten klassischen amerikanischen Komponisten von anhaltender internationaler Bedeutung und produzierte Musik in einem einzigartigen amerikanischen Stil, obwohl seine Musik bis zu seinem Tod im Jahr 1954 weitgehend unbekannt war.

Viele der späteren Komponisten des 20. Jahrhunderts, wie John Cage, John Corigliano, John Adams und Steve Reich, verwendeten modernistische und minimalistische Techniken. Reich erfand eine als Phasing bekannte Technik, bei der zwei musikalische Aktivitäten gleichzeitig beginnen und wiederholt werden, wobei sie allmählich aus dem Takt geraten und ein natürliches Entwicklungsgefühl erzeugen. Reich interessierte sich auch sehr für nicht-westliche Musik und integrierte afrikanische Rhythmustechniken in seine Kompositionen. Neuere Komponisten und Interpreten sind stark beeinflusst von den minimalistischen Werken von Philip Glass, einem in New York lebenden Baltimore, Meredith Monk und anderen.

Mit dem Aufstieg der Amerikanische Filmindustrie , Filmmusik wurde auch zu einem bemerkenswerten Bereich der symphonischen Komposition und behauptete eine zunehmende Position in der populären Anerkennung von Orchesterwerken; eine Auswahl aus Film-Soundtracks wurde schließlich Teil der Programmierung populärer Konzertreihen.

Populäre Musik

Die Vereinigten Staaten haben viele der beliebtesten Musiker und Komponisten der modernen Welt hervorgebracht. Beginnend mit der Geburt der aufgenommenen Musik haben amerikanische Interpreten weiterhin das Feld der Popmusik angeführt, die von 'allen Beiträgen der Amerikaner zur Weltkultur ... von der ganzen Welt zu Herzen genommen wurde'. Die meisten Geschichten der populären Musik beginnen mit Amerikanisch Ragtime oder Tin Pan Alley; andere jedoch verfolgen populäre Musik zurück zum Europäer Renaissance und durch Broadsheets, Balladen und andere populäre Traditionen. Andere Autoren schauen sich typischerweise populäre Notenblätter an und verfolgen sie Amerikanische Popmusik zu Spiritualität, Minnesänger-Shows und Vaudeville oder die patriotischen Lieder des Bürgerkriegs.

Frühes Volkslied

Die patriotischen Laienlieder der amerikanischen Revolution bildeten die erste Art von Mainstream-Popmusik. Dazu gehörte „The Liberty Tree“ von Thomas Paine. Billig als Flugblätter gedruckt, verbreiteten sich frühe patriotische Lieder über die Kolonien und wurden zu Hause und bei öffentlichen Versammlungen aufgeführt. Fünf Lieder wurden besonders gefeiert und während der amerikanischen Revolution auf Schlachtfeldern aufgeführt. Der langlebigste dieser fünf Songs ist „Yankee Doodle“, noch heute bekannt. Die Melodie stammt aus dem Jahr 1755 und wurde sowohl von amerikanischen als auch von britischen Truppen gesungen. Patriotische Lieder basierten hauptsächlich auf englischen Melodien, wobei neue Texte hinzugefügt wurden, um den britischen Kolonialismus anzuprangern. andere verwendeten jedoch Melodien aus Irland, Schottland oder anderswo oder verwendeten keine vertraute Melodie. Das Lied „Hail Columbia“ war ein Hauptwerk, das bis zur Verabschiedung von „The Star-Spangled Banner“ eine inoffizielle Nationalhymne blieb. Ein Großteil dieser frühen amerikanischen Musik ist in Sacred Harp noch erhalten.

Noten für „Dixie“

Während des Bürgerkriegs, als Soldaten aus dem ganzen Land zusammenkamen, begannen sich die vielfältigen Stränge der amerikanischen Musik gegenseitig zu befruchten, ein Prozess, der durch die aufkeimende Eisenbahnindustrie und andere technologische Entwicklungen unterstützt wurde, die das Reisen und die Kommunikation erleichterten. Zu den Armeeeinheiten gehörten Einzelpersonen aus dem ganzen Land, und sie tauschten schnell Melodien, Instrumente und Techniken aus. Der Krieg war ein Anstoß für die Schaffung eindeutig amerikanischer Lieder, die sehr populär wurden und blieben. Zu den beliebtesten Liedern der Bürgerkriegszeit gehörte „Dixie“, geschrieben von Daniel Decatur Emmett. Das Lied mit dem ursprünglichen Titel 'Dixie's Land' wurde für die Schließung von a gemacht Minnesänger-Show ; es verbreitete sich zuerst nach New Orleans, wo es veröffentlicht wurde und 'einer der großen Song-Erfolge der Zeit vor dem Bürgerkrieg' wurde. Neben populären patriotischen Liedern brachte die Ära des Bürgerkriegs auch eine große Anzahl von Blasmusikstücken hervor.

Songkomponist Stephen Foster aus dem 19. Jahrhundert

Nach dem Bürgerkrieg wurden Minstrel-Shows zur ersten unverwechselbar amerikanischen Form des musikalischen Ausdrucks. Die Minstrel-Show war eine indigene Form der amerikanischen Unterhaltung, die aus Comic-Sketches, Varieté-Acts, Tanz und Musik bestand und normalerweise von Weißen mit schwarzem Gesicht aufgeführt wurde. Minstrel Shows verwendeten afroamerikanische Elemente in musikalischen Darbietungen, jedoch nur auf vereinfachte Weise; Handlungsstränge in den Shows zeigten Schwarze als von Natur aus geborene Sklaven und Narren, bevor sie schließlich mit dem Abolitionismus in Verbindung gebracht wurden. Die Minstrel Show wurde von Dan Emmett und den Virginia Minstrels erfunden. Minstrel-Shows brachten die ersten wohlbekannten populären Songwriter der amerikanischen Musikgeschichte hervor: Thomas D. Rice, Dan Emmett und, am bekanntesten, Stephen Foster. Der Komponist John Philip Sousa ist eng mit dem populärsten Trend der amerikanischen Popmusik kurz vor der Jahrhundertwende verbunden. Als ehemaliger Kapellmeister der United States Marine Band schrieb Sousa Militärmärsche wie „The Stars and Stripes Forever“, die seine „Nostalgie für [seine] Heimat und sein Land“ widerspiegelten und der Melodie einen „mitreißenden männlichen Charakter“ verliehen.

Im frühen 20. Jahrhundert war das amerikanische Musiktheater eine wichtige Quelle für populäre Lieder, von denen viele Blues, Jazz, Country und andere bestehende Stile der populären Musik beeinflussten. Das Zentrum der Entwicklung dieses Stils lag in New York City, wo die Broadway-Theater zu den renommiertesten Veranstaltungsorten der Stadt wurden. Theaterkomponisten und Texter wie die Brüder George und Ira Gershwin schufen einen einzigartigen amerikanischen Theaterstil, der amerikanische Umgangssprache und Musik verwendete. Musicals enthielten beliebte Lieder und rasante Handlungen, die sich oft um Liebe und Romantik drehten.

Blues und Gospel

Der Blues ist ein Genre der afroamerikanischen Volksmusik, das die Grundlage für einen Großteil der modernen amerikanischen Popmusik bildet. Blues kann als Teil eines Kontinuums von Musikstilen wie Country, Jazz, Ragtime und Gospel angesehen werden; Obwohl sich jedes Genre zu unterschiedlichen Formen entwickelte, waren ihre Ursprünge oft undeutlich. Frühe Formen des Blues entwickelten sich im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert im und um das Mississippi-Delta. Die früheste Blues-ähnliche Musik war hauptsächlich Call-and-Response-Vokalmusik ohne Harmonie oder Begleitung und ohne formale musikalische Struktur. Sklaven und ihre Nachkommen schufen den Blues, indem sie die Feldschreie und -brülle adaptierten und sie in leidenschaftliche Sololieder verwandelten. Vermischt mit den christlich-geistlichen Liedern der afroamerikanischen Kirchen und Erweckungsversammlungen wurde der Blues zur Grundlage der Gospelmusik. Modernes Gospel begann in den 1920er Jahren in afroamerikanischen Kirchen in Form von Gläubigen, die ihren Glauben auf improvisierte, oft musikalische Weise verkündeten ( bezeugen ). Komponisten wie Thomas A. Dorsey komponierten Gospelwerke, die Elemente des Blues und Jazz in traditionellen Hymnen und spirituellen Liedern verwendeten.

Ragtime war ein Musikstil, der auf dem Klavier basierte und synkopierte Rhythmen und Chromatik verwendete. Es ist in erster Linie eine Form der Tanzmusik, die den Walking Bass verwendet, und wird im Allgemeinen in Sonatenform komponiert. Ragtime ist eine verfeinerte und weiterentwickelte Form des afroamerikanischen Cakewalk-Tanzes, gemischt mit Stilen, die von europäischen Märschen und populären Liedern bis hin zu Jigs und anderen Tänzen reichen, die Ende des 19. Jahrhunderts von großen afroamerikanischen Bands in nördlichen Städten gespielt wurden. Der berühmteste Ragtime-Interpret und -Komponist war Scott Joplin, bekannt für Werke wie „Maple Leaf Rag“.

Blues-Sängerin Bessie Smith

Blues wurde in den 1920er Jahren zu einem Teil der amerikanischen Popmusik klassischer weiblicher Blues Sängerinnen wie Bessie Smith wurden immer beliebter. Zur gleichen Zeit starteten Plattenfirmen den Bereich der Rennmusik , das hauptsächlich Blues war, der auf ein afroamerikanisches Publikum abzielte. Die berühmtesten dieser Acts inspirierten einen Großteil der späteren populären Entwicklung des Blues und der vom Blues abgeleiteten Genres, einschließlich des legendären Robert Johnson. Bis Ende der 1940er Jahre war der reine Blues jedoch nur noch ein kleiner Teil der populären Musik, nachdem er von Ablegern wie Rhythm & Blues und dem aufkommenden Rock'n'Roll-Stil subsumiert worden war. Einige Stile des elektrischen, klaviergetriebenen Blues, wie der Boogie-Woogie, hielten ein großes Publikum. Ein bluesiger Gospel-Stil wurde in den 1950er Jahren auch im amerikanischen Mainstream populär, angeführt von der Sängerin Mahalia Jackson.

Jazz

Jazz ist eine Musikrichtung, die sich durch Swing- und Blue-Notes, Call-and-Response-Gesang, Polyrhythmen und Improvisation auszeichnet. Obwohl Jazz ursprünglich eine Art Tanzmusik war, war er ein wichtiger Bestandteil der Popmusik und wurde auch zu einem wichtigen Element der westlichen klassischen Musik. Jazz hat Wurzeln im westafrikanischen kulturellen und musikalischen Ausdruck und in afroamerikanischen Musiktraditionen wie Blues und Ragtime sowie europäischer Militärmusik. Früher Jazz war eng mit Ragtime verwandt, von dem er sich durch die Verwendung komplizierterer rhythmischer Improvisation auszeichnete. Die frühesten Jazzbands übernahmen einen Großteil des Vokabulars des Blues, einschließlich gebogener und blauer Noten und instrumentaler 'Growls' und Abstriche, die sonst auf europäischen Instrumenten nicht verwendet werden. Die Wurzeln des Jazz liegen in der von Cajuns und schwarzen Kreolen bevölkerten Stadt New Orleans, Louisiana, die im 19. Jahrhundert die französisch-kanadische Kultur der Cajuns mit ihren eigenen Musikstilen verbanden. Große kreolische Bands, die für Beerdigungen und Paraden spielten, wurden zu einer wichtigen Grundlage für den frühen Jazz, der sich von New Orleans nach Chicago und in andere nördliche urbane Zentren ausbreitete.

Obwohl Jazz schon seit langem eine begrenzte Popularität erlangt hatte, war er es Louis Armstrong der einer der ersten populären Stars und eine wichtige Kraft in der Entwicklung des Jazz wurde. Armstrong war ein Improvisator, der zahlreiche Variationen einer einzigen Melodie kreieren konnte; er machte auch den Scat-Gesang populär, eine improvisierte Gesangstechnik, bei der unsinnige Silben (vocables) gesungen werden. Er war maßgeblich am Aufstieg einer Art Pop-Big-Band-Jazz genannt schwingen . Swing zeichnet sich durch eine starke Rhythmusgruppe aus, meist bestehend aus Kontrabass und Schlagzeug, mittleres bis schnelles Tempo und rhythmische Mittel wie die geschwungene Note, die den meisten Jazzarten gemeinsam ist. Swing ist in erster Linie eine Fusion des Jazz der 1930er Jahre, verschmolzen mit Elementen des Blues und der Tin Pan Alley. Swing verwendete größere Bands als andere Arten von Jazz, was dazu führte, dass Bandleader das Material streng arrangierten, was von Improvisation abhielt, die früher ein wesentlicher Bestandteil des Jazz war. Swing wurde zu einem wichtigen Bestandteil des afroamerikanischen Tanzes und wurde von einem beliebten Tanz namens Swing Dance begleitet.

Bebop-Pionier Dizzy Gillespie

Jazz beeinflusste viele Interpreten aller großen Stile der späteren Popmusik, obwohl Jazz selbst nie wieder ein so wichtiger Bestandteil der amerikanischen Popmusik wurde wie während der Swing-Ära. Die amerikanische Jazzszene des späten 20. Jahrhunderts brachte jedoch einige beliebte Crossover-Stars hervor, wie z Meilen davis . Mitte des 20. Jahrhunderts entwickelte sich der Jazz zu einer Vielzahl von Subgenres, beginnend mit Bebop. Bebop ist eine Form des Jazz, die sich durch schnelle Tempi, Improvisation, die eher auf einer harmonischen Struktur als auf einer Melodie basiert, und die Verwendung der abgeflachten Quinte auszeichnet. Bebop wurde Anfang und Mitte der 1940er Jahre entwickelt und entwickelte sich später zu Stilen wie Hard Bop und Free Jazz. Zu den Innovatoren des Stils gehörten Charlie Parker und Dizzy Gillespie, die aus kleinen Jazzclubs in New York City hervorgingen.

Land musik

Country-Musik ist in erster Linie eine Verschmelzung von afroamerikanischem Blues und Spirituals mit Appalachen-Volksmusik, die für das Poppublikum angepasst und ab den 1920er Jahren populär gemacht wurde. Die Ursprünge des Country liegen in der ländlichen südlichen Volksmusik, die hauptsächlich irisch und britisch war, mit afrikanischer und kontinentaleuropäischer Musik. Anglo-keltische Melodien, Tanzmusik und Balladen waren die frühesten Vorläufer des modernen Country, damals bekannt als Hillbilly-Musik . Der frühe Hillbilly entlehnte auch Elemente des Blues und stützte sich auf weitere Aspekte der Popsongs des 19. Jahrhunderts, als sich die Hillbilly-Musik zu einem kommerziellen Genre entwickelte, das schließlich als bekannt wurde Country und Western und dann einfach Land . Die früheste Country-Instrumentierung drehte sich um die aus Europa stammende Geige und das aus Afrika stammende Banjo, später wurde die Gitarre hinzugefügt. Streichinstrumente wie die Ukulele und Stahlgitarre wurden aufgrund der Popularität von alltäglich Hawaiianisches Musical Gruppen im frühen 20. Jahrhundert.

Die Wurzeln der kommerziellen Country-Musik gehen im Allgemeinen auf das Jahr 1927 zurück, als der Musiktalentscout Ralph Peer Jimmie Rodgers und The Carter Family aufnahm. Der populäre Erfolg war sehr begrenzt, obwohl eine kleine Nachfrage einige kommerzielle Aufnahmen anspornte. Nach dem Zweiten Weltkrieg wuchs das Interesse an Spezialstilen wie Country-Musik, was einige große Popstars hervorbrachte. Der einflussreichste Country-Musiker der Ära war Hank Williams, ein Blues-Country-Sänger aus Alabama. Er ist nach wie vor als einer der größten Songwriter und Interpreten der Country-Musik bekannt und gilt als „Volksdichter“ mit „Honky-Tonk-Prahlerei“ und „Sympathien für die Arbeiterklasse“. Im Laufe des Jahrzehnts erodierte die Rauheit des Honky Tonk allmählich, als der Nashville-Sound poporientierter wurde. Produzenten wie Chet Atkins schufen den Nashville-Sound, indem sie die Hinterwäldler-Elemente der Instrumentierung entfernten und eine glatte Instrumentierung und fortschrittliche Produktionstechniken verwendeten. Schließlich waren die meisten Platten aus Nashville in diesem Stil, der begann, Streicher und Vokalchöre zu integrieren.

Country-Sänger Randy Travis, ein neuer Traditionalist

Zu Beginn der 1960er Jahre wurde der Nashville-Sound jedoch von vielen traditionelleren Künstlern und Fans als zu verwässert empfunden, was zu einer Reihe lokaler Szenen wie dem Lubbock-Sound und dem Bakersfield-Sound führte. Einige Künstler behielten jedoch ihre Popularität, wie die langjährige kulturelle Ikone Johnny Cash. Der Bakersfield-Sound begann Mitte bis Ende der 1950er Jahre, als Künstler wie Wynn Stewart und Buck Owens anfingen, Elemente des westlichen Swing und Rock wie Breakbeat in ihrer Musik zu verwenden. In den 60er Jahren machten Künstler wie Merle Haggard den Sound populär. In den frühen 1970er Jahren war Haggard neben Singer-Songwritern wie Willie Nelson und Waylon Jennings auch Teil des Outlaw Country. Outlaw Country war rockorientiert und konzentrierte sich lyrisch auf die kriminellen Possen der Darsteller, im Gegensatz zu den sauberen Country-Sängern des Nashville-Sounds. Mitte der 1980er Jahre wurden die Country-Musik-Charts von Popsängern dominiert, zusammen mit einer aufkeimenden Wiederbelebung des Country im Honky-Tonk-Stil mit dem Aufstieg von Künstlern wie Dwight Yoakam. In den 1980er Jahren entwickelten sich auch alternative Country-Künstler wie Uncle Tupelo, die sich gegen den eher poporientierten Stil des Mainstream-Country aussprachen. Zu Beginn der 2000er Jahre gehörten poporientierte Country-Acts weiterhin zu den meistverkauften Künstlern in den Vereinigten Staaten, insbesondere Garth Brooks.

R&B und Soul

R&B, eine Abkürzung für Rhythmus und Blues , ist ein Stil, der in den 1930er und 1940er Jahren entstand. Früher R & B bestand aus großen Rhythmuseinheiten, 'die hinter schreienden Bluessängern (die) schreien mussten, um über dem Klirren und Klimpern der verschiedenen elektrifizierten Instrumente und den aufgewühlten Rhythmussektionen gehört zu werden' wegschlugen. R&B wurde nicht umfassend aufgenommen und beworben, da die Plattenfirmen der Meinung waren, dass es aufgrund der suggestiven Texte und treibenden Rhythmen nicht für die meisten Zuschauer geeignet war, insbesondere für weiße Mittelklasse. Bandleader mögen Ludwig Jordan erneuerte den Sound des frühen R&B, indem er eine Band mit einer kleinen Bläsersektion und prominenter Rhythmusinstrumentierung verwendete. Bis Ende der 1940er hatte er mehrere Hits und half Zeitgenossen wie Wynonie Harris und John Lee Hooker den Weg zu ebnen. Viele der beliebtesten R&B-Songs wurden nicht im ausgelassenen Stil von Jordan und seinen Zeitgenossen aufgeführt; Stattdessen wurden sie von weißen Musikern wie Pat Boone in einem schmackhafteren Mainstream-Stil aufgeführt, der zu Pop-Hits wurde. Ende der 1950er Jahre gab es jedoch eine Welle populärer schwarzer Bluesrock- und Country-beeinflusster R&B-Künstler wie Chuck Berry, die unter weißen Zuhörern beispiellosen Ruhm erlangten.

Soul-Musik ist eine Kombination aus Rhythm and Blues und Gospel, die in den späten 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten entstand. Es zeichnet sich durch die Verwendung von Instrumenten der Gospelmusik aus, wobei der Schwerpunkt auf Sängern und der Verwendung weltlicher Themen liegt. Die Aufnahmen von Ray Charles, Sam Cooke und James Brown aus den 1950er Jahren gelten allgemein als die Anfänge des Souls. Die Motown Record Corporation von Detroit, Michigan wurde in den frühen und mittleren 1960er Jahren sehr erfolgreich, indem sie Soul-Aufnahmen mit starken Pop-Einflüssen veröffentlichte, um sie für das weiße Publikum schmackhaft zu machen, sodass schwarze Künstler leichter zum weißen Publikum wechseln konnten.

Pure Soul wurde von Otis Redding und den anderen Künstlern von Stax Records in Memphis, Tennessee populär gemacht. In den späten 1960er Jahren hatte sich die Atlantic-Aufnahmekünstlerin Aretha Franklin zum beliebtesten weiblichen Soulstar des Landes entwickelt. Auch zu dieser Zeit war Soul in mehrere Genres zersplittert, beeinflusst von Psychedelic Rock und anderen Stilen. Die soziale und politische Gärung der 1960er Jahre inspirierte Künstler wie Marvin Gaye und Curtis Mayfield, um Alben mit knallharten sozialen Kommentaren zu veröffentlichen, während eine andere Spielart mehr tanzorientierte Musik wurde und sich zu Funk entwickelte. In den 70er Jahren erzielten einige sehr raffinierte und kommerzielle Bands wie The O'Jays und Hall & Oates Mainstream-Erfolge mit Stilen wie Philly Soul und Blue-Eyed Soul. Ende der 70er Jahre wurden Soul, Funk, Rock und die meisten anderen Genres von Tracks dominiert, die von Disco beeinflusst waren, einer Art populärer Tanzmusik. Mit der Einführung von Einflüssen aus Elektromusik und Funk in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren wurde die Soul-Musik weniger roh und raffinierter produziert, was zu einem Musikgenre führte, das erneut genannt wurde R&B , normalerweise vom früheren Rhythm and Blues unterschieden, indem es als identifiziert wird zeitgenössischer R&B .

R&B-Sängerin Mariah Carey.

Die ersten zeitgenössischen R&B-Stars entstanden in den 1980er Jahren mit dem Funk-beeinflussten Sänger Prince, dem Dance-Pop-Star Michael Jackson und einer Welle von Sängerinnen wie Tina Turner und Whitney Houston. Später in den 80er Jahren beeinflusste Hip Hop den zeitgenössischen R&B, zuerst in einem Stil namens New Jack Swing und dann in einer verwandten Reihe von Subgenres namens Hip Hop Soul und Neo Soul. New Jack Swing war eine Art Vokalmusik, oft mit gerappten Strophen und Drumcomputern. Hip-Hop-Soul und Neo-Soul entwickelten sich später, in den 90er Jahren, wobei Ersteres eine Mischung aus R&B mit Hip-Hop-Beats und den Bildern und Themen von Gangsta-Rap war, während Letzteres eine experimentellere, kantigere und im Allgemeinen weniger Mainstream-Kombination von ' Soul-Vocals im Stil der 60er und 70er mit Hip-Hop-Beats und gelegentlichen Rap-Strophen. In den 2000er Jahren hat zeitgenössischer R&B viele der größten Popstars des Landes hervorgebracht, darunter Mariah Carey, Usher und Justin Timberlake. R&B hat seine ursprüngliche Bedeutung verloren und dient jetzt nur noch als Variation des Marketinglabels „Pop“.

Rock, Metal und Punk

Rock and Roll ist eine Art populäre Musik, die sich aus Country, Blues und R&B entwickelt hat. Die genauen Ursprünge und frühen Einflüsse des Rock wurden heiß diskutiert und sind Gegenstand vieler Forschungen. Obwohl Rock ganz in der Blues-Tradition steht, nahm er Elemente aus afro-karibischen und lateinamerikanischen Musiktechniken auf. Rock war ein urbaner Stil, der in Gebieten entstand, in denen verschiedene Bevölkerungsgruppen zu einer Mischung aus afroamerikanischen, lateinamerikanischen und europäischen Genres führten, die von Blues und Country bis Polka und Zydeco reichten. Rock and Roll trat zuerst durch einen Stil namens in die Popmusik ein Rockabilly , die den entstehenden Sound mit Elementen der Country-Musik verschmolzen. Schwarz aufgeführter Rock'n'Roll hatte zuvor nur begrenzten Mainstream-Erfolg, aber es war der weiße Künstler Elvis Presley der zuerst das Mainstream-Publikum mit einem schwarzen Musikstil ansprach, zu einem der meistverkauften Musiker der Geschichte wurde und Rock and Roll dem Publikum auf der ganzen Welt brachte.

Folksänger Pete Seeger

In den 1960er Jahren gab es mehrere wichtige Veränderungen in der Popmusik, insbesondere im Rock. Viele dieser Veränderungen fanden während der British Invasion statt, wo Bands wie z Die Beatles , Die Rolling Stones und später Led Zeppelin und Black Sabbath waren und sind immer noch immens beliebt und hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die amerikanische Kultur und Musik. Diese Veränderungen beinhalteten den Wechsel von professionell komponierten Songs zum Singer-Songwriter und das Verständnis von Popmusik als einer Kunst , eher als eine Form des Handels oder der reinen Unterhaltung. Diese Veränderungen führten zum Aufstieg musikalischer Bewegungen, die mit politischen Zielen wie Bürgerrechten und der Opposition gegen den Vietnamkrieg verbunden waren. Rock war an der Spitze dieser Veränderung. In den frühen 60er Jahren brachte Rock mehrere Subgenres hervor, beginnend mit Surf. Surf war ein instrumentales Gitarrengenre, das durch einen verzerrten Sound gekennzeichnet war und mit der südkalifornischen Surfjugendkultur in Verbindung gebracht wurde. Inspiriert vom lyrischen Fokus des Surfens begannen The Beach Boys 1961 mit den Aufnahmen mit einem ausgefeilten, popfreundlichen und harmonischen Sound. Als ihr Ruhm wuchs, experimentierte der Songwriter der Beach Boys, Brian Wilson, mit neuen Studiotechniken und wurde mit der Gegenkultur in Verbindung gebracht. Die Gegenkultur war eine Bewegung, die politischen Aktivismus umfasste und eng mit der Hippie-Subkultur verbunden war. Die Hippies wurden mit zwei Arten von Musik in Verbindung gebracht, Folk Rock und Country Rock und Psychedelic Rock. Folk und Country Rock wurden mit dem Aufstieg der politisierten Volksmusik in Verbindung gebracht, angeführt von Pete Seeger und anderen, insbesondere in der Musikszene von Greenwich Village in New York. Folkrock betrat Mitte der 1960er Jahre den Mainstream, als der Singer-Songwriter Bob Dylan begann seine Karriere. Ihm folgten eine Reihe von Country-Rock-Bands und sanfte, folkige Singer-Songwriter. Psychedelic Rock war eine harte Art von gitarrenbasiertem Rock, der eng mit der Stadt verbunden war San Francisco . Obwohl Jefferson Airplane die einzige lokale Band war, die einen großen nationalen Hit hatte, wurden The Grateful Dead, eine Jam-Band mit Country- und Bluegrass-Geschmack, zu einem ikonischen Teil der psychedelischen Gegenkultur, die mit Hippies, LSD und anderen Symbolen dieser Zeit in Verbindung gebracht wurde.

Die Folk-Rock-Singer-Songwriter Joan Baez and Bob Dylan

Nach den turbulenten politischen, sozialen und musikalischen Veränderungen der 1960er und frühen 1970er Jahre diversifizierte sich die Rockmusik. Was früher ein diskretes Genre war, das als bekannt war Rock'n'Roll hat sich zu einer Sammelkategorie entwickelt, die einfach genannt wird Rockmusik , die verschiedene Stile wie Heavy Metal und Punkrock umfasste. In den 70er Jahren entwickelten sich die meisten dieser Stile in der Underground-Musikszene, während das Mainstream-Publikum das Jahrzehnt mit einer Welle von Singer-Songwritern begann, die sich auf die zutiefst emotionalen und persönlichen Texte des Folk-Rock der 1960er Jahre stützten. In derselben Zeit entstanden bombastische Arena-Rockbands, bluesige Southern-Rock-Gruppen und sanfte Soft-Rock-Stars. Ab den späten 1970er Jahren war der Rocksänger und Songwriter Bruce Springsteen wurde zu einem großen Star mit hymnischen Liedern und dichten, unergründlichen Texten, die die Armen und die Arbeiterklasse feierten.

Punk war eine Form des rebellischen Rocks, die in den 1970er Jahren begann und laut, aggressiv und oft sehr einfach war. Punk begann als Reaktion auf die populäre Musik dieser Zeit, insbesondere Disco- und Arena-Rock. Zu den amerikanischen Bands in diesem Bereich gehörten vor allem The Ramones und Talking Heads, wobei letztere einen eher avantgardistischen Stil spielten, der eng mit Punk verbunden war, bevor sie sich zum New Wave-Mainstream entwickelten. In den 1980er Jahren wurden einige Punk-Fans und Bands von der wachsenden Popularität des Stils desillusioniert, was zu einem noch aggressiveren Stil namens Hardcore-Punk führte. Hardcore war eine Form von spärlichem Punk, bestehend aus kurzen, schnellen und intensiven Songs, die eine unzufriedene Jugend ansprachen. Hardcore begann in Metropolen wie Washington, D.C. , obwohl die meisten großen amerikanischen Städte in den 1980er Jahren ihre eigenen lokalen Szenen hatten. Hardcore, Punk und Garage Rock waren die Wurzeln von alternativer Rock , eine vielfältige Gruppierung von Rock-Subgenres, die der Mainstream-Musik ausdrücklich entgegengesetzt waren und aus den Stilen Punk und Post-Punk hervorgegangen sind. In den Vereinigten Staaten entwickelten viele Städte lokale alternative Rockszenen, darunter Minneapolis und Seattle. Die lokale Szene von Seattle produzierte Grunge-Musik, einen dunklen und grüblerischen Stil, der von Hardcore, Psychedelia und Alternative Rock inspiriert war. Mit der Hinzufügung eines melodischeren Elements zum Sound von Bands wie Nirwana und Pearl Jam wurde Grunge in den Vereinigten Staaten ab Ende der 1980er Jahre sehr beliebt und erreichte Anfang der 90er Jahre seinen Höhepunkt.

Aerosmith trat 2003 auf

Heavy Metal zeichnet sich durch aggressive, treibende Rhythmen, verstärkte und verzerrte Gitarren, grandiose Texte und virtuose Instrumentierung aus. Die Ursprünge des Heavy Metal liegen in den Hardrock-Bands, die Blues und Rock nahmen und einen schweren Sound kreierten, der sich um Gitarre und Schlagzeug drehte. Die meisten Pioniere auf diesem Gebiet waren Briten; Die ersten großen amerikanischen Bands kamen in den frühen 1970er Jahren, wie Blue Öyster Cult und Aerosmith. Heavy Metal blieb jedoch ein weitgehend unterirdisches Phänomen. In den 1980er Jahren entstand der erste große Pop-Metal-Stil und dominierte mehrere Jahre lang die Charts. das war Hair Metal, eine Hardrock- und Pop-Fusion mit einem rauen Geist und einer glamourösen visuellen Ästhetik. Einige dieser Bands, wie Bon Jovi, wurden zu internationalen Stars. Die Band Guns N' Roses wurde gegen Ende des Jahrzehnts mit einem Image berühmt, das eine Reaktion auf die Hair-Metal-Ästhetik war. Mitte der 1980er Jahre hatte sich Heavy Metal in so viele verschiedene Richtungen verzweigt, dass Fans, Plattenfirmen und Fanzines zahlreiche Subgenres schufen. Die Vereinigten Staaten waren besonders bekannt für eines dieser Subgenres, Thrash Metal, das von Bands wie Anthrax, Megadeth, Metallica und Slayer innoviert wurde.

Hip-Hop-Musik

Hip Hop ist eine kulturelle Bewegung, zu der auch die Musik gehört. Hip-Hop-Musik besteht selbst aus zwei Teilen: rappen , die Lieferung von schnellen, hochrhythmischen und lyrischen Vocals; und DJing, die Produktion von Instrumenten entweder durch Sampling, Instrumentierung , Turntablism oder Beatboxing. Hip Hop entstand in den frühen 1970er Jahren in der Bronx, New York City . Der jamaikanische Einwanderer DJ Kool Herc gilt weithin als der Urvater des Hip-Hop; Er brachte aus Jamaika die Praxis mit, auf die Rhythmen populärer Lieder anzustoßen. Moderatoren entstanden ursprünglich, um die Soul-, Funk- und R&B-Songs vorzustellen, die die DJs spielten, und um die Menge zu begeistern und zu tanzen; Im Laufe der Zeit begannen die DJs, die Percussion-Pause von Songs (wenn der Rhythmus ihren Höhepunkt erreicht) zu isolieren und einen wiederholten Beat zu erzeugen, über den die Moderatoren klopften. Anfang der 1980er Jahre gab es populäre Hip-Hop-Songs, und die Prominenten der Szene, wie LL Cool J, erlangten Mainstream-Berühmtheit. Andere Künstler experimentierten mit politisierten Texten und sozialem Bewusstsein oder verschmolzen Hip-Hop mit Jazz, Heavy Metal, Techno, Funk und Soul. In der zweiten Hälfte der 1980er Jahre tauchten neue Stile auf, wie alternativer Hip-Hop und der eng verwandte Jazz-Rap-Fusion, der von Rappern wie De La Soul entwickelt wurde.

Die Crews Public Enemy und N.W.A. hat ab den späten 1980er Jahren am meisten getan, um Hip Hop landesweit bekannt zu machen; Ersteres tat dies mit aufrührerischen und politisch aufgeladenen Texten, während Letzteres zum ersten prominenten Beispiel für Gangsta-Rap wurde. Gangsta-Rap ist eine Art Hip-Hop, der sich vor allem durch einen lyrischen Fokus auf Macho-Sexualität, Körperlichkeit und ein gefährliches kriminelles Image auszeichnet. Obwohl die Ursprünge des Gangsta-Rap bis in die Mitte der 1980er Jahre zurückverfolgt werden können, rappt Schoolly D aus Philadelphia und Ice-T an der Westküste, aber der Stil soll normalerweise in der Gegend von Los Angeles und Oakland begonnen haben, wo Too $hort, N.W.A und andere fanden ihren Ruhm. Diese Rap-Szene an der Westküste brachte den G-Funk-Sound der frühen 1990er Jahre hervor, der Gangsta-Rap-Texte mit einem dicken und verschwommenen Sound verband, oft aus Funk-Samples der 1970er Jahre; die bekanntesten Befürworter waren die Rapper Dr. Dre und Snoop Dogg. Gangsta-Rap übte bis Ende der 1990er und bis ins 21. Jahrhundert hinein weiterhin eine große Präsenz in der amerikanischen Popmusik aus, insbesondere nach dem Durchbruch des weißen Rapper Eminem. Hip-Hop wurde Mitte der 2000er Jahre zum dominierenden Sound der Popmusik und beeinflusste alles von Jazz und Rock bis hin zu Country und Punk.

Andere Nischenstile

Die amerikanische Musikindustrie wird von großen Unternehmen dominiert, die bestimmte Arten von Musik produzieren, vermarkten und vertreiben. Im Allgemeinen produzieren diese Unternehmen keine Aufnahmen in Stilen, die ein sehr großes Publikum nicht ansprechen, oder produzieren nur in sehr begrenzten Mengen. Kleinere Unternehmen füllen oft die Lücke und bieten eine große Auswahl an Aufnahmen in Stilrichtungen von Polka bis hin an Soße . Viele kleine Musikindustrien sind um eine Kern-Fangemeinde herum aufgebaut, die größtenteils in einer Region ansässig sein kann, wie z. B. Tejano oder Hawaiianische Musik , oder sie können weit verstreut sein, wie das Publikum für jüdischen Klezmer.

Latin-Musik in den Vereinigten Staaten

Die größte einzelne Nischenindustrie basiert auf lateinamerikanischer Musik. Lateinamerikanische Musik hat die amerikanische Popmusik lange Zeit beeinflusst und war ein besonders wichtiger Teil der Entwicklung des Jazz. Moderne Pop-Latin-Stile umfassen eine breite Palette von Genres, die aus ganz Lateinamerika importiert wurden, einschließlich kolumbianischer Cumbia und Puerto Rican Reggaeton und der mexikanische Corrido. Die lateinamerikanische Popmusik in den Vereinigten Staaten begann mit einer Welle von Tanzbands in den 1930er und 50er Jahren. Zu den beliebtesten Stilen gehörten Conga, Rumba und Mambo. In den 50er Jahren machte Perez Prado den Cha-Cha-Cha berühmt, und der Aufstieg des afrokubanischen Jazz öffnete viele Ohren für die harmonischen, melodischen und rhythmischen Möglichkeiten der lateinamerikanischen Musik. Die bekannteste amerikanische Form der lateinamerikanischen Musik ist jedoch Soße . Salsa beinhaltet viele Stile und Variationen; Der Begriff kann verwendet werden, um die meisten Formen populärer kubanischer Genres zu beschreiben. Vor allem aber Soße bezieht sich auf einen bestimmten Stil, der Mitte der 1970er Jahre von Gruppen kubanischer und puertoricanischer Einwanderer aus der Gegend von New York City und stilistischen Nachkommen wie Salsa Romantica aus den 1980er Jahren entwickelt wurde. Salsa-Rhythmen sind kompliziert, da mehrere Muster gleichzeitig gespielt werden. Der Clave-Rhythmus bildet die Grundlage von Salsa-Songs und wird von den Interpreten als gemeinsame rhythmische Grundlage für ihre eigenen Phrasen verwendet.

Regierung, Politik und Recht

Die Regierung der Vereinigten Staaten reguliert die Musikindustrie, setzt Gesetze zum geistigen Eigentum durch und fördert und sammelt bestimmte Arten von Musik. Nach amerikanischem Urheberrecht sind Musikwerke, einschließlich Aufnahmen und Kompositionen, als geistiges Eigentum geschützt, sobald sie in körperlicher Form fixiert sind. Urheberrechtsinhaber registrieren ihre Werke häufig bei der Kongressbibliothek , die eine Sammlung des Materials unterhält. Darüber hinaus hat die Library of Congress seit dem frühen 20. Jahrhundert aktiv nach kulturell und musikwissenschaftlich bedeutenden Materialien gesucht, beispielsweise indem sie Forscher entsandte, um Volksmusik aufzunehmen. Zu diesen Forschern gehört der bahnbrechende amerikanische Volksliedsammler Alan Lomax, dessen Arbeit dazu beigetragen hat, die Wiederbelebung der Wurzeln Mitte des 20. Jahrhunderts zu inspirieren. Die Bundesregierung finanziert auch die National Endowments for the Arts and Humanities, die Stipendien an Musiker und andere Künstler vergeben, die Smithsonian Institution, die Forschungs- und Bildungsprogramme durchführt, und die Corporation for Public Broadcasting, die gemeinnützige und Fernsehsender finanziert.

Musik beeinflusst seit langem die Politik der Vereinigten Staaten. Politische Parteien und Bewegungen verwenden häufig Musik und Gesang, um ihre Ideale und Werte zu kommunizieren und bei politischen Veranstaltungen Unterhaltung zu bieten. Der Präsidentschaftswahlkampf von William Henry Harrison war der erste, der stark von Musik profitierte, woraufhin es für große Kandidaten zur Standardpraxis wurde, Lieder zu verwenden, um öffentliche Begeisterung zu erzeugen. In den letzten Jahrzehnten wählten Politiker oft Titellieder, von denen einige zu Ikonen geworden sind; Das Lied 'Happy Days Are Here Again' zum Beispiel wird seit dem Wahlkampf von 1932 mit der Demokratischen Partei in Verbindung gebracht Franklin D. Roosevelt . Seit den 1950er Jahren hat Musik jedoch an Bedeutung in der Politik abgenommen und wurde durch Fernsehkampagnen mit wenig oder keiner Musik ersetzt. Bestimmte Musikformen wurden insbesondere in den 1960er Jahren enger mit politischem Protest in Verbindung gebracht. Gospelstars wie Mahalia Jackson wurden zu wichtigen Persönlichkeiten der Bürgerrechtsbewegung, während das amerikanische Folk-Revival dazu beitrug, die Gegenkultur der 1960er und die Opposition gegen den Vietnamkrieg zu verbreiten.

Musikindustrie

Die amerikanische Musikindustrie umfasst eine Reihe von Bereichen, die von Plattenfirmen über Radiosender bis hin zu Gemeindeorchestern reichen. Der Gesamtumsatz der Branche beträgt weltweit etwa 40 Milliarden US-Dollar und in den Vereinigten Staaten etwa 12 Milliarden US-Dollar. Die meisten großen Plattenfirmen der Welt haben ihren Sitz in den Vereinigten Staaten; sie werden von der Recording Industry Association of America (RIAA) vertreten. Die großen Plattenfirmen produzieren Material von Künstlern, die bei einem ihrer Plattenlabels unterschrieben haben, einem Markennamen, der oft mit einem bestimmten Genre oder Plattenproduzenten in Verbindung gebracht wird. Plattenfirmen können ihre Künstler auch durch Werbung, öffentliche Auftritte und Konzerte sowie Fernsehauftritte fördern und vermarkten. Plattenfirmen können mit anderen Musikmedienfirmen verbunden sein, die ein Produkt produzieren, das sich auf populäre Tonträger bezieht. Dazu gehören Fernsehsender wie MTV, Zeitschriften wie Rollender Stein und Radiosender. In den letzten Jahren war die Musikindustrie wegen des Anstiegs des Internet-Downloads von urheberrechtlich geschützter Musik in Aufruhr verwickelt; Viele Musiker und die RIAA haben versucht, Fans zu bestrafen, die illegal urheberrechtlich geschützte Musik herunterladen.

Radiosender in den Vereinigten Staaten strahlen oft populäre Musik aus. Jeder Musiksender hat ein Format oder eine Kategorie von abzuspielenden Liedern; Diese ähneln im Allgemeinen der gewöhnlichen generischen Klassifizierung, sind jedoch nicht mit dieser identisch. Viele Radiosender in den Vereinigten Staaten sind in lokalem Besitz und werden von Einheimischen betrieben und bieten möglicherweise eine vielseitige Auswahl an Aufnahmen. Viele andere Sender gehören großen Unternehmen wie Clear Channel und basieren im Allgemeinen auf einer kleinen, sich wiederholenden Wiedergabeliste. Kommerzielle Verkäufe von Aufnahmen werden von verfolgt Werbetafel Magazin, das eine Reihe von Musikcharts für verschiedene Bereiche des Verkaufs von Tonträgern zusammenstellt. Die Billboard Hot 100 sind die Top-Popmusik-Charts für Singles, eine Aufnahme, die aus einer Handvoll Songs besteht; längere Pop-Aufnahmen sind Alben und werden vom Billboard 200 verfolgt. Obwohl aufgezeichnete Musik in amerikanischen Haushalten alltäglich ist, stammen viele Einnahmen der Musikindustrie von einer kleinen Anzahl von Anhängern; Beispielsweise kommen 62 % der Albumverkäufe von weniger als 25 % der musikkaufenden Zielgruppe. Die Gesamtverkäufe von CDs in den Vereinigten Staaten überstiegen 2005 705 Millionen verkaufte Einheiten und die Verkäufe von Singles knapp unter drei Millionen.

Obwohl die großen Plattenfirmen die amerikanische Musikindustrie dominieren, ist eine unabhängige Musikindustrie ( Indie Musik ) existiert. Indie-Musik basiert hauptsächlich auf lokalen Plattenlabels mit begrenztem Einzelhandelsvertrieb, wenn überhaupt, außerhalb einer kleinen Region. Künstler nehmen manchmal für ein Indie-Label auf und erhalten genug Anerkennung, um bei einem Major-Label unter Vertrag genommen zu werden. andere entscheiden sich dafür, ihre gesamte Karriere bei einem Indie-Label zu bleiben. Indie-Musik kann in Stilrichtungen im Allgemeinen ähnlich wie Mainstream-Musik sein, ist aber für viele Menschen oft unzugänglich, ungewöhnlich oder auf andere Weise unattraktiv. Indie-Musiker veröffentlichen oft einige oder alle ihrer Songs über das Internet, damit Fans und andere sie herunterladen und anhören können. Neben Aufnahmekünstlern vieler Art gibt es in den Vereinigten Staaten zahlreiche Bereiche professioneller Musik, von denen viele selten aufnehmen, darunter Gemeindeorchester, Hochzeitssänger und -bands, Loungesänger und Nachtclub-DJs. Die American Federation of Musicians ist die größte amerikanische Gewerkschaft für Berufsmusiker. Allerdings haben nur 15 % der Mitglieder des Verbands eine feste Musikbeschäftigung.

Musikalische Bildung

Musik ist ein wichtiger Bestandteil Bildung in den Vereinigten Staaten , und ist ein Teil der meisten oder aller Schulsysteme des Landes. Der Musikunterricht ist an öffentlichen Grundschulen im Allgemeinen obligatorisch und in späteren Jahren ein Wahlfach. Gymnasien bieten in der Regel Unterricht in Gesang, meist Chor, und Instrumentalunterricht in Form einer großen Schulband an. Musik kann auch ein Teil von Theaterproduktionen sein, die von der Schauspielabteilung einer Schule aufgeführt werden. Viele öffentliche und private Schulen haben Musikclubs und -gruppen gesponsert, am häufigsten einschließlich der Blaskapelle, die bei Highschool-Sportspielen auftritt, ein Trend, der mit der großen Popularität von Sousas Bands in den 1880er und 1890er Jahren begann.

Die Hochschulbildung auf dem Gebiet der Musik in den Vereinigten Staaten basiert hauptsächlich auf großen Universitäten, obwohl es wichtige kleine Musikakademien und Konservatorien gibt. Die Musikabteilungen der Universitäten können Bands sponsern, die von Blaskapellen, die ein wichtiger Bestandteil von College-Sportveranstaltungen sind und an prominenter Stelle Kampflieder enthalten, bis hin zu Barbershop-Gruppen, Glee-Clubs und Symphonien reichen, und können zusätzlich musikalische Outreach-Programme sponsern, z. B. durch das Einbringen ausländischer Künstler der Bereich für Konzerte. Universitäten haben möglicherweise auch eine musikwissenschaftliche Abteilung und forschen zu vielen Musikstilen.

Musikalisches Stipendium

Das wissenschaftliche Studium der Musik in den Vereinigten Staaten umfasst Arbeiten, die Musik mit sozialer Klasse, rassischer, ethnischer und religiöser Identität, Geschlecht und Sexualität in Verbindung bringen, sowie Studien zur Musikgeschichte, Musikwissenschaft und anderen Themen. Die akademische Erforschung amerikanischer Musik lässt sich bis ins späte 19. Jahrhundert zurückverfolgen, als Forscher wie Alice Fletcher und Francis La Flesche die Musik der Omaha-Völker untersuchten und für das Bureau of American Ethnology und das Peabody Museum of Archaeology and Ethnology arbeiteten. In den 1890er Jahren und bis ins frühe 20. Jahrhundert wurden musikwissenschaftliche Aufnahmen unter indigenen, hispanischen, afroamerikanischen und angloamerikanischen Völkern der Vereinigten Staaten gemacht. Viele arbeiteten für die Kongressbibliothek , zunächst unter der Leitung von Oscar Sonneck, Leiter der Musikabteilung der Bibliothek. Zu diesen Forschern gehörten Robert W. Gordon, Gründer des Archive of American Folk Song, sowie John und Alan Lomax; Alan Lomax war der prominenteste von mehreren Volksliedsammlern, die dazu beigetragen haben, die Wiederbelebung der Wurzeln der amerikanischen Volkskultur im 20. Jahrhundert zu inspirieren.

Die wissenschaftliche Analyse der amerikanischen Musik des frühen 20. Jahrhunderts tendierte dazu, aus Europa stammende klassische Traditionen als die würdigsten des Studiums zu interpretieren, wobei die volkstümliche, religiöse und traditionelle Musik des einfachen Volkes als minderwertig und von geringem künstlerischem oder sozialem Wert verunglimpft wurde. Die amerikanische Musikgeschichte wurde mit den viel längeren historischen Aufzeichnungen der europäischen Nationen verglichen und als mangelhaft befunden, was Schriftsteller wie den Komponisten Arthur Farwell dazu veranlasste, darüber nachzudenken, welche Art von Musiktraditionen sich aus der amerikanischen Kultur in seinem Jahr 1915 ergeben könnten Musik in Amerika . 1930 John Tasker Howards Unsere amerikanische Musik wurde zu einer Standardanalyse, die sich weitgehend auf in den Vereinigten Staaten komponierte Konzertmusik konzentrierte. Seit der Analyse des Musikwissenschaftlers Charles Seeger Mitte des 20. Jahrhunderts wird die amerikanische Musikgeschichte oft als eng mit der Wahrnehmung von Rasse und Abstammung verbunden beschrieben. Aus dieser Sicht hat der vielfältige rassische und ethnische Hintergrund der Vereinigten Staaten sowohl ein Gefühl der musikalischen Trennung zwischen den Rassen gefördert als auch eine ständige Akkulturation gefördert, da sich Elemente europäischer, afrikanischer und indigener Musik zwischen den Bereichen verschoben haben. Gilbert Chases Amerikas Musik, von den Pilgern bis zur Gegenwart , war das erste große Werk, das die Musik der gesamten Vereinigten Staaten untersuchte und Volkstraditionen als kulturell bedeutsamer ansah als Musik für den Konzertsaal. Chases Analyse einer vielfältigen amerikanischen musikalischen Identität ist nach wie vor die vorherrschende Sichtweise im akademischen Establishment. Bis in die 1960er und 70er Jahre beschäftigten sich die meisten Musikwissenschaftler in den Vereinigten Staaten jedoch weiterhin mit europäischer Musik und beschränkten sich nur auf bestimmte Bereiche amerikanischer Musik, insbesondere auf aus Europa stammende klassische und Opernstile und manchmal auf afroamerikanischen Jazz. Modernere Musikwissenschaftler und Ethnomusikologen haben Themen untersucht, die von der nationalen musikalischen Identität bis zu den individuellen Stilen und Techniken bestimmter Gemeinschaften in einer bestimmten Zeit der amerikanischen Geschichte reichen. Zu den prominentesten neueren Studien amerikanischer Musik gehört die von Charles Hamm Musik in der Neuen Welt von 1983 und Richard Crawfords Amerikas Musikleben ab 2001.

Feiertage und Feste

Musik ist ein wichtiger Bestandteil mehrerer amerikanischer Feiertage, insbesondere spielt sie eine wichtige Rolle bei der Weihnachtsfeier im Winter. Die Musik des Feiertags umfasst sowohl religiöse Lieder wie „O Holy Night“ als auch weltliche Lieder wie „Jingle Bells“. Patriotische Lieder wie die Nationalhymne „The Star-Spangled Banner“ sind ein wichtiger Bestandteil der Feierlichkeiten zum Unabhängigkeitstag. Musik spielt auch an vielen regionalen Feiertagen eine Rolle, die nicht landesweit gefeiert werden, am bekanntesten ist Mardi Gras, eine Musik- und Tanzparade und ein Festival in New Orleans, Louisiana.

In den Vereinigten Staaten finden zahlreiche Musikfestivals statt, die Stilrichtungen von Blues und Jazz bis hin zu Indie-Rock und Heavy Metal präsentieren. Einige Musikfestivals sind ausschließlich lokal ausgerichtet, umfassen wenige oder keine Interpreten mit nationalem Ruf und werden im Allgemeinen von lokalen Veranstaltern betrieben. Die großen Plattenfirmen betreiben ihre eigenen Musikfestivals wie Lollapalooza und Ozzfest, die riesige Menschenmengen anziehen.