Musik

Musik ist eine Form von Kunst und Unterhaltung oder andere menschliche Aktivitäten, die organisiert und hörbar sind Geräusche und Stille. Sie wird in Form von Tonhöhe (einschließlich Melodie und Harmonie), Rhythmus (einschließlich Tempo und Metrum) und Klangqualität (einschließlich Klangfarbe, Artikulation, Dynamik und Textur) ausgedrückt. Musik beinhaltet auch komplexe generative Formen in der Zeit durch die Konstruktion von Mustern und Kombinationen natürlicher Stimuli, hauptsächlich Klänge. Musik darf verwendet werden künstlerisch oder ästhetisch , gesprächig , Unterhaltung oder zeremonielle Zwecke. Die Definition dessen, was Musik ausmacht, variiert je nach Kultur und sozialem Kontext.

Wenn Malerei kann als visuelle Kunstform angesehen werden, Musik kann als auditive Kunstform angesehen werden.

  Allegorie der Musik, von Filippino Lippi   Vergrößern Allegorie der Musik, von Filippino Lippi  Allegorie der Musik, von Lorenzo Lippi   Vergrößern Allegorie der Musik, von Lorenzo Lippi

Definition

Die weiteste Definition von Musik ist organisiert Klang das ist angenehm für das durchschnittliche Ohr. Es gibt beobachtbare Muster bei dem, was allgemein als Musik bezeichnet wird, und obwohl es verständliche kulturelle Unterschiede gibt, sind die Eigenschaften von Musik die Eigenschaften von Klang, wie er von Menschen wahrgenommen und verarbeitet wird. Im Wesentlichen ist Musik eine persönliche Reaktion auf mechanische Schwingungen.

Musik ist harmonischer Klang, der durch das Spielen von Instrumenten oder den Einsatz von Gesang als Ganzes oder einzeln erzeugt wird. Es ist ein direkter Ausdruck menschlicher Emotionen, der darauf abzielt, die Emotionen des Zuhörers/der Zuhörer zu manipulieren und zu transformieren. Musik ist so konzipiert, dass sie gefühlt wird, im Gegensatz zu Geräuschen, die gehört werden.

Griechische Philosophen und mittelalterliche Theoretiker definierten Musik als horizontal angeordnete Töne als Melodien und vertikal als Harmonien. Musiktheorie wird in diesem Bereich unter der Voraussetzung studiert, dass Musik geordnet und oft angenehm zu hören ist. Im 20. Jahrhundert stellten Komponisten jedoch die Vorstellung in Frage, dass Musik angenehm sein muss, indem sie Musik schufen, die rauere, dunklere Klangfarben erkundete. Die Existenz einiger moderner Genres wie Grindcore und Noise-Musik, die sich einer umfangreichen Underground-Anhängerschaft erfreuen, zeigt, dass selbst die gröbsten Geräusche als Musik betrachtet werden können, wenn der Zuhörer dazu neigt.

Der Komponist des 20. Jahrhunderts, John Cage, widersprach der Vorstellung, dass Musik aus angenehmen, erkennbaren Melodien bestehen muss. Stattdessen argumentierte er, dass alle Geräusche, die wir hören können, Musik sein können, und sagte zum Beispiel: „Es gibt kein Geräusch, nur Geräusche.“ Laut dem Musikwissenschaftler Jean-Jacques Nattiez (1990, S. 47-8, 55): „Die Grenze zwischen Musik und Lärm ist immer kulturell definiert – was impliziert, dass diese Grenze selbst innerhalb einer einzelnen Gesellschaft nicht immer durch dieselbe verläuft Platz; kurz gesagt, es gibt selten einen Konsens.... Nach allem, was man hört, gibt es kein einzelnes und interkulturelles universelles Konzept, das definiert, was Musik sein könnte.'

Der Komponist Anton Webern sagte: 'Bei mir kommt es nie so, wie ich es will, sondern nur so, wie es den Mitteln vorgeschrieben ist - ich muss', was seine Sicht auf den zugrunde liegenden Entstehungsprozess der Musik darstellt. Johann Wolfgang Goethe glaubte, dass Muster und Formen die Grundlage der Musik seien; Er erklärte, dass 'Architektur eingefrorene Musik ist'.

Geschichte

Die Geschichte der Musik geht dem geschriebenen Wort voraus und ist mit der Entwicklung jedes einzelnen Menschen verbunden Kultur . Obwohl die frühesten Aufzeichnungen des musikalischen Ausdrucks im Sama Veda zu finden sind Indien und in 4.000 Jahre alter Keilschrift aus Ur befassen sich die meisten unserer schriftlichen Aufzeichnungen und Studien mit der Geschichte der Musik in der westlichen Zivilisation. Dazu gehören Musikepochen wie Mittelalter, Renaissance, Barock, Klassik, Romantik und Musik aus dem 20. Jahrhundert. Auch die Musikgeschichte anderer Kulturen ist teilweise dokumentiert, und das Wissen um „Weltmusik“ (bzw. das Gebiet der „Ethnomusikologie“) ist in akademischen Kreisen immer gefragter geworden. Dazu gehören die dokumentierten klassischen Traditionen asiatischer Länder außerhalb des Einflusses Westeuropas sowie die Volks- oder indigene Musik verschiedener anderer Kulturen. (Der Begriff Weltmusik wurde auf ein breites Spektrum von Musik angewendet, die außerhalb Europas und unter europäischem Einfluss hergestellt wurde, obwohl seine ursprüngliche Anwendung im Kontext des Weltmusikprogramms an der Wesleyan University ein Begriff war, der alle möglichen Musikgenres einschließlich europäischer Traditionen umfasste. In akademischen Kreisen wurde der ursprüngliche Begriff für das Studium der Weltmusik, „Vergleichende Musikwissenschaft“, Mitte des 20.

Populäre Musikstile waren von Kultur zu Kultur und von Zeit zu Zeit sehr unterschiedlich. Unterschiedliche Kulturen betonten unterschiedliche Instrumente , oder Techniken oder Verwendungen für Musik. Musik wurde nicht nur zur Unterhaltung, für Zeremonien und für praktische und künstlerische Kommunikation verwendet, sondern auch ausgiebig für Propaganda .

Da die Kulturen der Welt immer mehr in Kontakt gekommen sind, haben sich ihre einheimischen Musikstile oft zu neuen Stilen verschmolzen. Zum Beispiel die Vereinigten Staaten Blaugras Der Stil enthält Elemente aus anglo-irischen, schottischen, irischen, deutschen und einigen afroamerikanischen Instrumental- und Gesangstraditionen, die in der multiethnischen 'Schmelztiegel'-Gesellschaft der USA verschmelzen konnten.

Es gibt eine Vielzahl von Musikklassifikationen, von denen viele in den Streit um die Definition von Musik verwickelt sind. Zu den größten gehört die Aufteilung zwischen klassischer Musik (oder „Kunst“-Musik) und populärer Musik (oder kommerzieller Musik – einschließlich Rock’n’Roll, Country-Musik und Popmusik). Einige Genres passen nicht genau in eine dieser „Großen Zwei“-Klassifikationen (wie z Volksmusik , Weltmusik, oder Jazz Musik).

Musikgenres werden ebenso durch Tradition und Präsentation bestimmt wie durch die eigentliche Musik. Während die meiste klassische Musik akustisch ist und von Einzelpersonen oder Gruppen aufgeführt werden soll, enthalten viele als 'klassisch' bezeichnete Werke Samples oder Tonbänder oder sind mechanisch. Einige Arbeiten, wie die von Gershwin Rhapsodie in Blau , werden sowohl vom Jazz als auch von der klassischen Musik beansprucht. Viele aktuelle Musikfestivals feiern ein bestimmtes Musikgenre.

Es gibt oft Meinungsverschiedenheiten darüber, was 'echte' Musik ausmacht: Spätzeit Beethoven Streichquartette, Strawinsky Ballettpartituren, Serialismus, Bebop-Ära Jazz , Rap , Punkrock und Electronica wurden von einigen Kritikern bei ihrer Einführung alle als Nicht-Musik angesehen.

Aspekte

Die traditionellen oder klassischen europäischen Aspekte der Musik, die oft aufgeführt werden, sind jene Elemente, die in der europäisch beeinflussten klassischen Musik Vorrang haben: Melodie, Harmonie, Rhythmus, Klangfarbe oder Klangfarbe und Form. Eine umfassendere Liste wird durch die Angabe der Klangaspekte gegeben: Tonhöhe, Klangfarbe, Lautstärke und Dauer. Diese Aspekte verbinden sich zu sekundären Aspekten, einschließlich Struktur, Textur und Stil. Andere häufig enthaltene Aspekte sind die räumliche Lage oder die Bewegung im Raum von Klängen, Gesten und Tanz. Stille gilt seit langem als ein Aspekt der Musik, von den dramatischen Pausen in Symphonien der Romantik bis hin zum avantgardistischen Einsatz von Stille als künstlerisches Statement in Werken des 20. Jahrhunderts wie John Cage 4'33.' John Cage betrachtet die Dauer als den primären Aspekt der Musik, weil sie der einzige Aspekt ist, der sowohl „Klang“ als auch „Stille“ gemeinsam ist.

Wie oben erwähnt, variieren nicht nur die Aspekte, die als Musik enthalten sind, sondern auch ihre Bedeutung. Zum Beispiel werden Melodie und Harmonie in der klassischen Musik oft als wichtiger angesehen, auf Kosten von Rhythmus und Klangfarbe. Es wird oft diskutiert, ob es Aspekte der Musik gibt, die universell sind. Die Debatte dreht sich oft um Definitionen. Zum Beispiel erfordert die ziemlich verbreitete Behauptung, dass 'Tonalität' für alle Musik universell ist, eine umfassende Definition von Tonalität.

Ein Puls wird manchmal als universell angesehen, aber es gibt Solo-Gesangs- und Instrumentalgenres mit freien, improvisierten Rhythmen ohne regelmäßigen Puls; Ein Beispiel ist der Alap-Abschnitt einer Hindustani-Musikdarbietung. Laut Dane Harwood „müssen wir uns fragen, ob ein interkulturelles musikalisches Universalum in der Musik selbst zu finden ist (entweder in ihrer Struktur oder Funktion) oder in der Art und Weise, wie Musik gemacht wird. Mit ‚Musikmachen‘ meine ich nicht nur tatsächliche Darbietung, sondern auch, wie Musik gehört, verstanden, sogar gelernt wird.'

Produktion

Musik wird für viele Zwecke komponiert und aufgeführt, die von ästhetischem Vergnügen, religiösen oder zeremoniellen Zwecken bis hin zu Unterhaltungsprodukten für den Markt reichen. Amateurmusiker komponieren und spielen Musik zu ihrem eigenen Vergnügen und versuchen nicht, ihr Einkommen aus der Musik zu ziehen. Professionelle Musiker werden von einer Reihe von Institutionen und Organisationen beschäftigt, darunter Streitkräfte, Kirchen und Synagogen, Sinfonieorchester, Rundfunk- oder Filmproduktionsfirmen und Musikschulen. Außerdem arbeiten professionelle Musiker als Freiberufler und suchen Verträge und Engagements in einer Vielzahl von Umgebungen.

Obwohl sich Amateurmusiker von professionellen Musikern dadurch unterscheiden, dass Amateurmusiker eine nichtmusikalische Einnahmequelle haben, gibt es oft viele Verbindungen zwischen Amateur- und professionellen Musikern. Angehende Laienmusiker nehmen Unterricht bei professionellen Musikern. In Gemeinschaften treten fortgeschrittene Laienmusiker mit professionellen Musikern in einer Vielzahl von Ensembles und Orchestern auf. In einigen seltenen Fällen erreichen Amateurmusiker ein professionelles Kompetenzniveau und sind in der Lage, in professionellen Aufführungsumgebungen aufzutreten.

Häufig wird zwischen Musik, die zugunsten eines Live-Publikums aufgeführt wird, und Musik, die zum Zwecke der Aufzeichnung und Verbreitung über das Musikeinzelhandelssystem oder das Rundfunksystem aufgeführt wird, unterschieden. Es gibt jedoch auch viele Fälle, in denen eine Live-Aufführung vor Publikum aufgezeichnet und verbreitet (oder gesendet) wird.

Leistung

  Chinesische Naxi-Musiker   Vergrößern Chinesische Naxi-Musiker

Jemand, der Musik aufführt, komponiert oder dirigiert, ist ein Musiker. Musiker spielen aus verschiedenen Gründen Musik. Manche Künstler drücken ihre Gefühle in der Musik aus. Das Aufführen von Musik ist eine unterhaltsame Aktivität für Amateur- und Berufsmusiker und wird oft zum Wohle eines Publikums durchgeführt, das einen ästhetischen, sozialen, religiösen oder zeremoniellen Wert aus der Aufführung zieht. Ein Teil der Motivation für professionelle Interpreten besteht darin, dass sie ihr Einkommen aus dem Musizieren beziehen. Es ist nicht nur eine einkommensabhängige Motivation, Musik ist zu einem Teil des Lebens und der Gesellschaft geworden. Man kann sich auch durch selbst intrinsische Motivationen motivieren lassen, wie ein Sprichwort sagt 'aus Liebe zur Musik'. Außerdem wird Musik im Kontext des Übens aufgeführt, um musikalische Fähigkeiten zu entwickeln.

Solo und Ensemble

Viele Kulturen beinhalten starke Traditionen der Solo- oder solistischen Aufführung, wie in der klassischen indischen Musik und in der Tradition der westlichen Kunstmusik. Andere Kulturen, wie beispielsweise in Bali, beinhalten starke Traditionen der Gruppenaufführung. Alle Kulturen beinhalten eine Mischung aus beidem, und Aufführungen können von improvisiertem Solospiel zum eigenen Vergnügen bis hin zu hochgradig geplanten und organisierten Aufführungsritualen wie dem modernen klassischen Konzert oder religiöse Prozessionen .

Kammermusik, also Musik für ein kleines Ensemble mit nicht mehr als einem Instrument jeder Art, wird oft als intimer angesehen als symphonische Werke. Ein Darsteller wird Musiker oder Sänger genannt und kann Teil eines Musikensembles wie einer Rockband oder eines Symphonieorchesters sein.

Mündliche Überlieferung und Notation

  Musikalische Notation   Vergrößern Musikalische Notation

Musik wird oft nur in Erinnerung und Aufführung aufbewahrt, mündlich oder aural ('nach Gehör') weitergegeben. Wenn der Komponist von Musik nicht mehr bekannt ist, wird diese Musik oft als 'traditionell' eingestuft. Verschiedene musikalische Traditionen haben unterschiedliche Einstellungen dazu, wie und wo Änderungen am ursprünglichen Quellenmaterial vorgenommen werden können, von ziemlich streng bis hin zu solchen, die Improvisation oder Modifikation der Musik erfordern. In Gambia, Westafrika, wird die Geschichte des Landes durch Lieder akustisch weitergegeben.

Wenn Musik niedergeschrieben wird, wird sie im Allgemeinen so notiert, dass es Anweisungen gibt, was von den Zuhörern gehört werden sollte und was der Musiker tun sollte, um die Musik aufzuführen. Dies wird als musikalische Notation bezeichnet, und das Studium, wie man Notation liest, beinhaltet Musiktheorie, Harmonielehre, das Studium der Aufführungspraxis und in einigen Fällen ein Verständnis historischer Aufführungsmethoden.

Die schriftliche Notation variiert je nach Stil und Musikperiode. In der westlichen Kunstmusik sind die gebräuchlichsten Arten der schriftlichen Notation Partituren, die alle Musikteile eines Ensemblestücks enthalten, und Teile, die die Musiknotation für die einzelnen Interpreten oder Sänger darstellen. In der Popmusik, im Jazz und im Blues ist die Standardmusiknotation das Lead Sheet, das die Melodie, Akkorde, Texte (wenn es sich um ein Gesangsstück handelt) und die Struktur der Musik notiert. Nichtsdestotrotz werden Partituren und Stimmen auch in der populären Musik und im Jazz verwendet, insbesondere in großen Ensembles wie Jazz-Bigbands.

In der Popmusik lesen Gitarristen und E-Bassisten oft in Tabulatur notierte Musik, die die Position der auf dem Instrument zu spielenden Noten anhand eines Diagramms des Gitarren- oder Bassgriffbretts angibt. Tabulatur wurde auch im Barock verwendet, um Musik für die Laute, ein Saiteninstrument mit Bund, zu notieren.

In der Regel wird Musik, die aufgeführt werden soll, als Notenblatt produziert. Musik aus Notation aufzuführen erfordert ein Verständnis sowohl des musikalischen Stils als auch der Aufführungspraxis, die mit einem Musikstück oder Genre verbunden ist. Das explizit in der Musiknotation enthaltene Detail variiert zwischen Genres und historischen Perioden. Im Allgemeinen erforderte die Notation von Kunstmusik vom 17. bis zum 19. Jahrhundert von den Interpreten ein hohes Maß an kontextbezogenem Wissen über Aufführungsstile.

Zum Beispiel zeigte im 17. und 18. Jahrhundert Musik, die für Solisten notiert wurde, typischerweise eine einfache, schmucklose Melodie. Es wurde jedoch erwartet, dass die Interpreten wissen würden, wie man stilistisch angemessene Verzierungen wie Triller und Wendungen hinzufügt.

Im 19. Jahrhundert kann Kunstmusik für Solodarsteller eine allgemeine Anweisung geben, wie die Musik ausdrucksvoll aufgeführt werden soll, ohne im Detail zu beschreiben, wie der Interpret dies tun sollte. Es wurde erwartet, dass der Interpret Tempoänderungen, Betonungen und Pausen (neben anderen Mitteln) verwenden kann, um diesen 'ausdrucksstarken' Aufführungsstil zu erreichen.

Im 20. Jahrhundert wurde die Kunstmusiknotation oft expliziter und verwendete eine Reihe von Markierungen und Anmerkungen, um den Interpreten anzuzeigen, wie sie das Stück spielen oder singen sollten. In der populären Musik und im Jazz zeigt die Musiknotation fast immer nur das Grundgerüst des Melodie-, Harmonie- oder Aufführungsansatzes an; Von Musikern und Sängern wird erwartet, dass sie die Aufführungskonventionen und -stile kennen, die mit bestimmten Genres und Stücken verbunden sind.

Zum Beispiel kann das 'Leadsheet' für eine Jazzmelodie nur die Melodie und die Akkordwechsel anzeigen. Von den Interpreten des Jazz-Ensembles wird erwartet, dass sie diese Grundstruktur durch Hinzufügen von Ornamenten, improvisierter Musik und akkordischer Begleitung „ausarbeiten“.

Improvisation, Interpretation, Komposition

Die meisten Kulturen verwenden zumindest einen Teil des Konzepts, musikalisches Material oder Komposition vorab zu konzipieren, wie es in der westlichen klassischen Musik vertreten wird. Auch wenn Musik präzise notiert ist, gibt es immer noch viele Entscheidungen, die ein Interpret treffen muss. Der Prozess, bei dem ein Interpret entscheidet, wie er zuvor komponierte und notierte Musik aufführen soll, wird als Interpretation bezeichnet.

In einigen Musikrichtungen wie Jazz und Blues wird dem Interpreten sogar noch mehr Freiheit eingeräumt, sich auf ein grundlegendes melodisches, harmonisches oder rhythmisches Gerüst zu improvisieren. Der größte Spielraum wird dem Interpreten in einem Aufführungsstil eingeräumt, der als freie Improvisation bezeichnet wird, bei dem es sich um Material handelt, an das während der Aufführung spontan 'gedacht' (imaginiert) wird. nicht vorgefasst. Nach der Analyse von Georgiana Costescu folgt improvisierte Musik normalerweise stilistischen oder Genre-Konventionen und sogar 'vollständig komponiert' enthält einige frei gewählte Materialien (siehe Präkomposition). Komposition bedeutet nicht immer die Verwendung von Notationen oder die bekannte alleinige Urheberschaft einer Person.

Musik kann auch bestimmt werden, indem ein 'Prozess' beschrieben wird, der musikalische Klänge erzeugen kann, Beispiele hierfür reichen von Windspielen bis hin zu Computerprogrammen, die Klänge auswählen. Musik, die zufällig ausgewählte Elemente enthält, wird als aleatorische Musik bezeichnet und oft mit John Cage und Witold Lutosławski in Verbindung gebracht.

Komposition

Musikalische Komposition ist ein Begriff, der die Komposition eines Musikstücks beschreibt. Kompositionsmethoden sind sehr unterschiedlich, aber bei der Analyse von Musik werden alle Formen – spontan, trainiert oder ungeübt – aus Elementen aufgebaut, die ein Musikstück ausmachen. Musik kann für wiederholte Aufführungen komponiert oder improvisiert werden; vor Ort komponiert. Die Musik kann vollständig aus dem Gedächtnis, aus einem schriftlichen Notensystem oder einer Kombination aus beidem aufgeführt werden. Das Studium der Komposition wurde traditionell von der Untersuchung der Methoden und der Praxis westlicher klassischer Musik dominiert, aber die Definition von Komposition ist breit genug, um spontan improvisierte Werke wie die von Free-Jazz-Künstlern und afrikanischen Schlagzeugern einzuschließen.

Um die Komposition eines Stücks zu verstehen, ist es wichtig, seine Elemente herauszuarbeiten. Ein Verständnis der formalen Elemente der Musik kann hilfreich sein, um genau zu entschlüsseln, wie ein Stück aufgebaut ist. Ein universelles Element der Musik ist, wie Klänge entstehen Zeit , der als Rhythmus eines Musikstücks bezeichnet wird.

Wenn ein Stück eine Änderung zu haben scheint Zeit -fühlen, wird es als im Rubato-Takt betrachtet, ein italienischer Ausdruck, der darauf hinweist, dass sich das Tempo des Stücks ändert, um der Ausdrucksabsicht des Interpreten zu entsprechen. Sogar die zufällige Platzierung zufälliger Klänge, die in der musikalischen Montage auftritt, tritt in irgendeiner Form auf Zeit , und damit beschäftigt Zeit als musikalisches Element.

Empfang und Vorsprechen

  Concert in the Mozarteum, Salzburg   Vergrößern Concert in the Mozarteum, Salzburg

Das Gebiet der Musikkognition umfasst das Studium vieler Aspekte der Musik, einschließlich der Art und Weise, wie sie von Zuhörern verarbeitet wird.

Musik wird von Einzelpersonen in einer Reihe von sozialen Umgebungen erlebt, die vom Alleinsein bis zum Besuch eines großen Konzerts reichen. Musikalische Darbietungen nehmen in unterschiedlichen Kulturen und sozioökonomischen Milieus unterschiedliche Formen an. In Europa und Nordamerika gibt es oft eine Kluft zwischen den Arten von Musik, die als 'Hochkultur' und 'Niedrigkultur' angesehen werden. Musikarten der 'Hochkultur' umfassen typischerweise westliche Kunstmusik wie barocke, klassische, romantische und moderne Symphonien, Konzerte und Solowerke und werden normalerweise in formellen Konzerten in Konzertsälen und Kirchen gehört, wobei das Publikum ruhig sitzt auf Sitzen.

Andererseits werden andere Arten von Musik wie Jazz, Blues, Soul und Country oft in Bars, Nachtclubs und Theatern aufgeführt, wo das Publikum möglicherweise trinken, tanzen und sich durch Jubel ausdrücken kann. Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts wurde die Trennung zwischen 'hohen' und 'niedrigen' Musikformen weithin als gültige Unterscheidung akzeptiert, die eine bessere Qualität und fortgeschrittenere 'Kunstmusik' von den populären Musikstilen trennte, die in Bars und Tanzlokalen zu hören sind.

In den 1980er und 1990er Jahren argumentierten Musikwissenschaftler, die diese wahrgenommene Kluft zwischen 'hohen' und 'niedrigen' Musikgenres untersuchten, jedoch, dass diese Unterscheidung nicht auf dem musikalischen Wert oder der Qualität der verschiedenen Musikarten beruhe. Sie argumentierten vielmehr, dass diese Unterscheidung weitgehend auf dem sozioökonomischen Status oder der sozialen Klasse der Interpreten oder des Publikums der verschiedenen Musikarten beruhe.

Während zum Beispiel das Publikum klassischer Symphoniekonzerte typischerweise überdurchschnittliche Einkommen hat, kann das Publikum eines Hip-Hop-Konzerts in einem innerstädtischen Bereich ein unterdurchschnittliches Einkommen haben. Auch wenn die Interpreten, das Publikum oder der Ort, an dem Nicht-„Kunst“-Musik aufgeführt wird, möglicherweise einen niedrigeren sozioökonomischen Status haben, kann die aufgeführte Musik wie Blues, Hip-Hop, Punk, Funk oder Ska sehr komplex sein und anspruchsvoll.

Gehörlose Menschen können Musik erleben, indem sie die Vibrationen in ihrem Körper spüren, ein Prozess, der verstärkt werden kann, wenn die Person ein resonantes, hohles Objekt hält. Ein bekannter gehörloser Musiker ist der Komponist Ludwig van Beethoven , der viele berühmte Werke komponierte, selbst nachdem er sein Gehör vollständig verloren hatte. Zu den jüngsten Beispielen für gehörlose Musiker gehören Evelyn Glennie, eine hochgelobte Schlagzeugerin, die seit ihrem zwölften Lebensjahr taub ist, und Chris Buck, ein virtuoser Geiger, der sein Gehör verloren hat.

Ausbildung

Professionelle Musiker in einigen Kulturen und Musikgenres komponieren, spielen und improvisieren Musik ohne formale Ausbildung. Zu den Musikgenres, bei denen professionelle Musiker normalerweise Autodidakten sind oder bei denen sie durch informelles Mentoring und kreativen Austausch lernen, gehören Blues, Punk und populäre Musikgenres wie Rock und Pop.

Grundlegende Universitätsabschlüsse in Musik, einschließlich des Bachelor of Music, des Bachelor of Music Education und des Bachelor of Arts mit Hauptfach Musik, dauern in der Regel drei bis fünf Jahre. Diese Abschlüsse vermitteln den Studierenden eine Grundlage in Musiktheorie und Musikgeschichte, und viele Studierende lernen im Rahmen ihres Programms auch ein Instrument oder Gesangstechnik.

Absolventen von Bachelor-Musikprogrammen können ein weiterführendes Studium in Musik-Graduiertenprogrammen fortsetzen. Zu den Graduiertenabschlüssen gehören der Master of Music, der Master of Arts, der PhD und in jüngerer Zeit der Doctor of Musical Arts oder DMA. Der Master of Music-Abschluss, der ein bis zwei Jahre dauert, wird in der Regel an Studierende verliehen, die die Darbietung eines Instruments, Pädagogik, Gesang oder Komposition studieren. Der Master of Arts, der ein bis zwei Jahre dauert und häufig eine Abschlussarbeit erfordert, wird in der Regel an Studierende der Musikwissenschaft, Musikgeschichte oder Musiktheorie vergeben.

Die Promotion, die für Studenten erforderlich ist, die als Universitätsprofessoren in Musikwissenschaft, Musikgeschichte oder Musiktheorie arbeiten möchten, dauert drei bis fünf Jahre Studium nach dem Master-Abschluss, in denen der Student weiterführende Kurse absolvieren und forschen wird eine Dissertation. Der Doctor of Musical Arts oder DMA ist ein relativ neuer Abschluss, der geschaffen wurde, um professionellen Interpreten oder Komponisten, die als Universitätsprofessoren für musikalische Darbietung oder Komposition arbeiten möchten, einen Berechtigungsnachweis zu erteilen. Das DMA dauert drei bis fünf Jahre nach einem Master-Abschluss und umfasst fortgeschrittene Kurse, Projekte und Aufführungen.

Musik als Teil der Allgemeinbildung

Die Einbeziehung der Musikausbildung von der Vorschule bis zur postsekundären Bildung ist in Nordamerika und Europa üblich, da angenommen wird, dass die Beschäftigung mit Musik grundlegende Fähigkeiten wie Konzentration, Zählen, Zuhören und Zusammenarbeit vermittelt und gleichzeitig das Verständnis fördert Sprache , Verbesserung der Fähigkeit, sich an Informationen zu erinnern, und Schaffung einer Umgebung, die für das Lernen in anderen Bereichen förderlicher ist. In Grundschulen lernen Kinder oft Instrumente wie Blockflöte spielen, singen in kleinen Chören und lernen die Geschichte der westlichen Kunstmusik kennen. In Sekundarschulen haben die Schüler möglicherweise die Möglichkeit, eine Art von Musikensembles aufzuführen, wie Chöre, Blaskapellen, Jazzbands oder Orchester, und in einigen Schulsystemen kann Musikunterricht angeboten werden.

Bei der Universität können Studierende in den meisten Kunst- und Geisteswissenschaften die Teilnahme an Musikkursen anrechnen lassen, die in der Regel die Form eines Überblickskurses zur Musikgeschichte oder eines Musikverständniskurses haben, der sich auf das Hören von Musik und das Erlernen verschiedener Musikstile konzentriert. Darüber hinaus haben die meisten nordamerikanischen und europäischen Universitäten eine Art von Musikensembles, an denen Nicht-Musikstudenten teilnehmen können, wie Chöre, Blaskapellen oder Orchester.

Das Studium westlicher Kunstmusik wird zunehmend außerhalb von Nordamerika und Europa verbreitet, wie z. B. STSI in Bali oder die Programme für klassische Musik, die in asiatischen Ländern wie Südkorea, Japan und China angeboten werden. Gleichzeitig erweitern westliche Universitäten und Hochschulen ihr Curriculum um Musik nicht-westlicher Kulturen, wie die Musik Afrikas oder Balis (z. B. Gamelan-Musik).

Sowohl Amateur- als auch Berufsmusiker nehmen normalerweise Musikunterricht, kurze private Sitzungen mit einem einzelnen Lehrer. Amateurmusiker nehmen in der Regel Unterricht, um musikalische Grundlagen und musikalische Techniken für Anfänger bis Fortgeschrittene zu erlernen.

Lernen

Viele Menschen studieren auch um Musik im Bereich Musikwissenschaft. Die frühesten Definitionen der Musikwissenschaft definierten drei Unterdisziplinen: Systematische Musikwissenschaft, Historische Musikwissenschaft und Vergleichende Musikwissenschaft. In der zeitgenössischen Wissenschaft trifft man eher auf eine Aufteilung der Disziplin in Musiktheorie, Musikgeschichte und Musikethnologie. Die musikwissenschaftliche Forschung wurde oft durch fächerübergreifende Arbeiten bereichert, beispielsweise auf dem Gebiet der Psychoakustik. Das Studium der Musik nicht-westlicher Kulturen und das kulturelle Studium der Musik wird Ethnomusikologie genannt.

Im Mittelalter war das Studium der Musik eines der Quadrivium der sieben freien Künste und galt als wesentlich für die Hochschulbildung. Innerhalb des quantitativen Quadriviums war die Musik oder genauer gesagt die Harmonik das Studium rationaler Proportionen.

Zoomusikologie ist das Studium der Musik nichtmenschlicher Tiere oder der musikalischen Aspekte von Klängen, die von nichtmenschlichen Tieren erzeugt werden. Wie George Herzog (1941) fragte: 'Haben Tiere Musik?' François-Bernard Mâche Musik, Mythos, Natur oder die Delfine von Arion (1983), eine Studie über 'Ornitho-Musikologie' unter Verwendung einer Technik von Ruwet Sprache, Musik, Poesie (1972) paradigmatische Segmentierungsanalyse, zeigt, dass Vogelgesänge nach einem Wiederholungs-Transformations-Prinzip organisiert sind. Nach Meinung von Jean-Jacques Nattiez (1990) „ist es letztlich ein Mensch, der entscheidet, was musikalisch ist und was nicht, auch wenn der Klang nicht menschlichen Ursprungs ist. Wenn wir anerkennen, dass Klang nicht organisiert ist und konzeptualisiert (d. h. zu Musik gemacht) nur von ihrem Produzenten, sondern von dem Geist, der sie wahrnimmt, dann ist Musik einzigartig menschlich.

Musiktheorie ist das Studium der Musik, im Allgemeinen auf sehr technische Weise außerhalb anderer Disziplinen. Im weiteren Sinne bezieht es sich auf jedes Musikstudium, das normalerweise in irgendeiner Form mit kompositorischen Belangen zusammenhängt, und kann Folgendes umfassen Mathematik , Physik , und Anthropologie . Was am häufigsten im Musiktheorie-Unterricht gelehrt wird, sind Richtlinien zum Schreiben im Stil der gemeinsamen Übungszeit oder der tonalen Musik. Theorie, selbst die, die die Musik der gewöhnlichen Übungszeit studiert, kann viele andere Formen annehmen. Musikalische Mengenlehre ist die Anwendung der mathematischen Mengenlehre auf Musik, zuerst angewandt auf atonale Musik. Die spekulative Musiktheorie widmet sich im Gegensatz zur analytischen Musiktheorie der Analyse und Synthese von Musikmaterialien, beispielsweise Stimmsystemen, im Allgemeinen als Vorbereitung auf die Komposition.

Einsatz in der Therapie

Robert Burton schrieb im 16. Jahrhundert in seinem klassischen Werk: Die Anatomie der Melancholie , dass Musik und Tanz bei der Behandlung von Geisteskrankheiten, insbesondere Melancholie, von entscheidender Bedeutung sind.

Im November 2006 stellten Dr. Michael J. Crawford und seine Kollegen erneut fest, dass Musiktherapie die Ergebnisse von Schizophrene Patienten.