Johann Sebastian Bach

Das Haussmann-Porträt des Komponisten von 1748.
Geboren	21. März (OS), 1685 Eisenach, Thuringia, Deutschland
Gestorben	28. Juli (N.S.), 1750 Leipzig, Sachsen, Deutschland

Johann Sebastian Bach ( ausgesprochen [ˈjoːhan zəˈbastjan ˈbax] ) (21. März 1685 OS – 28. Juli 1750 NS) war ein produktiver Deutsch Komponist und Organist, dessen geistliche und weltliche Werke für Chor, Orchester und Soloinstrumente die Fäden der Barockzeit zusammenführten und zu höchster Reife brachten. Obwohl er keine neuen Formen einführte, bereicherte er den vorherrschenden deutschen Stil mit einer robusten kontrapunktischen Technik, einer Beherrschung der harmonischen und motivischen Organisation von der kleinsten bis zur größten Tonleiter und der Adaption von Rhythmen und Texturen aus dem Ausland, insbesondere aus Italien und Frankreich. Er gilt als einer der größten Komponisten aller Zeiten.

Verehrt für ihre intellektuelle Tiefe, technische Beherrschung und künstlerische Schönheit, J.S. Zu Bachs Werken gehören die Brandenburgischen Konzerte, die Goldberg-Variationen , die Klaviersuiten und Partiten, die Messe in h-Moll , das Matthäuspassion , Das Musikalische Angebot , Die Kunst der Fuge , Sonaten und Partiten für Violine solo , das Sechs Suiten für unbegleitetes Cello , und eine große Anzahl von Kantaten, von denen etwa 220 erhalten sind. Ein Beispiel für einige dieser Stilmerkmale erscheint unten im Refrain Ehre sei Gott in der Höhe aus dem Weihnachtsoratorium, geschrieben 1734 in seiner Reifezeit.

• Chor ab Weihnachtsoratorium —
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Biografie

Frühe Jahre (1685–1702)

Johann Sebastian Bach was born in 1685 in Eisenach, Deutschland zu einer außergewöhnlichen Musikerfamilie – die Familie Bach hat über 200 Jahre Dutzende verdienstvoller Interpreten und Komponisten hervorgebracht, in einer Zeit, in der Kirche, Verwaltung und Adel maßgeblich das professionelle Musizieren im deutschsprachigen Raum unterstützten , insbesondere in den östlichen Kurfürstentümern Thüringen und Sachsen. Sebastians Vater, Johann Ambrosius Bach, war ein begabter Geiger und Trompeter in Eisenach, einer 6.000-Einwohner-Stadt in Thüringen, und bekleidete ein Amt, das sich mit der Organisation der weltlichen Musik und der Teilnahme an der Kirchenmusik befasste. Sebastians Onkel waren alle Berufsmusiker, von Kirchenorganisten und Hofkammermusikern bis hin zu Komponisten. Zeitgenössische Dokumente weisen darauf hin, dass der Name Bach in manchen Kreisen als Synonym für „Musiker“ verwendet wurde.

Haus in Eisenach, wo Bach geboren wurde

Sebastian war stolz auf die musikalischen Leistungen seiner Familie, und um 1735 verfasste Bach eine Genealogie „Ursprung der musikalischen Bach-Familie“ ( Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie ), die die Geschichte von Generationen erfolgreicher musikalischer Bachs nachzeichnet. Bachs Wurzeln lassen sich zurückverfolgen Ungarn und sein Vorfahre Veit (Vitus) Bach war ein Ungarn, der von den Habsburgern aus dem Land ausgebürgert wurde, weil er Lutheraner war; er war auch, wenig überraschend, ein Musiker.

Orte, an denen Bach Zeit seines Lebens verbrachte

Bachs Mutter starb 1694 und sein Vater starb im folgenden Jahr. Der 10-jährige Waise zog zu seinem ältesten Bruder, Johann Christoph Bach, dem Organisten in Ohrdruf, einer nahe gelegenen Stadt. Dort kopierte, studierte und spielte er Musik und erhielt anscheinend wertvollen Unterricht von seinem Bruder, der ihn im Clavichord unterrichtete. Er machte ihn mit der Arbeit der großen süddeutschen Komponisten der damaligen Zeit bekannt – wie z Pachelbel und Johann Jakob Froberger – und möglicherweise zur Musik norddeutscher Komponisten und Franzosen wie Lully, Louis Marchand, Marin Marais und des italienischen Clavieristen Girolamo Frescobaldi. Der Junge war wahrscheinlich Zeuge und half bei der Wartung der Orgel. Bachs Nachruf weist darauf hin, dass er Noten aus Johann Christophs Partituren kopierte, aber sein Bruder hatte ihm dies offenbar verboten, möglicherweise weil Partituren damals wertvolle und private Gebrauchsgegenstände waren.

Im Alter von 14 Jahren erhielt Johann Sebastian zusammen mit seinem älteren Schulfreund Georg Erdmann ein Chorstipendium, um an der renommierten Michaelerschule in Lüneburg, unweit der größten Stadt Deutschlands, der Nordseehafenstadt, zu studieren Hamburg . Dazu gehörte eine lange Reise mit seinem Freund, wahrscheinlich teils zu Fuß, teils mit der Kutsche. Seine zwei Jahre dort scheinen entscheidend dazu beigetragen zu haben, ihn einer breiteren Palette europäischer Kultur auszusetzen, als er sie in Thüringen erlebt hätte. Neben dem Singen in der die Kapelle Chor, es ist wahrscheinlich, dass er die dreimanualige Orgel der Schule und ihre Cembali spielte. Wahrscheinlich hat er es gelernt Französisch und Italienisch und erhielt eine gründliche theologische Grundausbildung, Latein , Geschichte , Erdkunde und Physik . Er wäre mit Söhnen von Adligen aus Norddeutschland in Kontakt gekommen, die auf die hochselektive Schule geschickt wurden, um sich auf Karrieren in Diplomatie, Regierung und Militär vorzubereiten. Wahrscheinlich hatte er bedeutenden Kontakt zu Organisten in Lüneburg, insbesondere zu Georg Böhm, und besuchte mehrere von ihnen in Hamburg, wie Reincken und Bruhns. Durch diese Musiker erhielt er wahrscheinlich Zugang zu den größten Instrumenten, die er bisher gespielt hatte. Vermutlich lernte er in dieser Phase die Musik norddeutscher Tradition kennen, insbesondere das Werk von Dieterich Buxtehude, sowie Musikhandschriften und musiktheoretische Abhandlungen, die sich im Besitz dieser Musiker befanden.

Arnstadt to Weimar (1703–08)

Bach als junger Mann

Im Januar 1703, kurz nach seinem Abschluss, trat Bach eine Stelle als Hofmusiker in der Kapelle des Herzogs Johann Ernst in Weimar, einer großen Stadt in Thüringen, an. Seine Rolle dort ist unklar, scheint aber niedere, nicht-musikalische Pflichten beinhaltet zu haben. Während seiner siebenmonatigen Tätigkeit in Weimar verbreitete sich sein Ruf als Keyboarder. Er wurde eingeladen, die neue Orgel der Bonifatiuskirche in Arnstadt zu besichtigen und den Antrittskonzert zu geben. Die Familie Bach hatte enge Verbindungen zu dieser ältesten Stadt Thüringens, etwa 180 km südwestlich von Weimar am Rande des Großen Waldes gelegen. Im August 1703 nahm er den Posten des Organisten an dieser Kirche an, mit leichten Pflichten, einem relativ großzügigen Gehalt und einer schönen neuen Orgel, die auf ein modernes System gestimmt war, das die Verwendung einer breiten Palette von Tonarten ermöglichte. Zu dieser Zeit begann Bach mit der ernsthaften Komposition von Orgelpräludien; Diese Werke, in der norddeutschen Tradition virtuoser, improvisatorischer Präludien, zeigten bereits eine strenge motivische Kontrolle (wo eine einzelne, kurze Musikidee konsequent durch einen Satz hindurch erforscht wird). Allerdings musste der Komponist in diesen Werken seine Fähigkeiten der großen Organisation und seiner kontrapunktischen Technik (bei der zwei oder mehr Melodien gleichzeitig interagieren) noch voll entfalten. Starke familiäre Bindungen und ein musikbegeisterter Arbeitgeber konnten Spannungen zwischen dem jungen Organisten und den Behörden nach mehreren Jahren im Amt nicht verhindern. Offenbar war er mit dem Niveau der Chorsänger unzufrieden; gravierender war seine mehrmonatige unerlaubte Abwesenheit von Arnstadt in den Jahren 1705–06, als er den großen Meister Buxtehude und seine Abendmusik in der nördlichen Stadt Lübeck besuchte. Dieser bekannte Vorfall in Bachs Leben beinhaltete, dass er etwa 400 km pro Strecke zu Fuß zurücklegte, um Zeit mit dem Mann zu verbringen, den er wahrscheinlich als die Vaterfigur der deutschen Organisten betrachtete. Die Reise stärkte Buxtehudes Stil als Grundlage für Bachs frühere Werke, und dass er seinen geplanten Besuch um mehrere Monate überschritt, deutet darauf hin, dass seine Zeit mit dem alten Mann für seine Kunst von großem Wert war.

Bonifatiuskirche in Arnstadt

Trotz seiner komfortablen Position in Arnstadt schien Bach 1706 erkannt zu haben, dass er dem familiären Milieu entfliehen und seine Karriere vorantreiben musste. Ihm wurde eine lukrativere Stelle als Organist an St. Blasius in Mühlhausen, einer großen und bedeutenden Stadt im Norden, angeboten. Im folgenden Jahr trat er diesen leitenden Posten mit deutlich verbesserter Bezahlung und Bedingungen an, einschließlich eines guten Chors. Vier Monate nach seiner Ankunft in Mühlhausen heiratete er seine Cousine zweiten Grades aus Arnstadt, Maria Barbara Bach. Sie hatten sieben Kinder, von denen vier das Erwachsenenalter erreichten. Zwei von ihnen – Wilhelm Friedemann Bach und Carl Philipp Emanuel Bach – wurden zu bedeutenden Komponisten der kunstvollen Musik Rokoko Stil, der dem Barock folgte.

Kirche und Stadtverwaltung Mühlhausen müssen stolz auf ihren neuen Musikdirektor gewesen sein. Sie stimmten bereitwillig seinem Plan einer kostspieligen Renovierung der Orgel in St. Blasius zu und waren so begeistert von der kunstvollen, festlichen Kantate, die er zur Einweihung des neuen Konzils 1708 schrieb – Gott ist mein König BWV 71, eindeutig im Stil von Buxtehude – dass sie für seine Veröffentlichung großzügig bezahlten und den Komponisten in späteren Jahren zweimal zurückkehrten, um es zu dirigieren. Im selben Jahr wurde Bach jedoch eine bessere Stelle in Weimar angeboten.

Weimar (1708–17)

Nach kaum einem Jahr in Mühlhausen wechselte Bach als Hoforganist und Konzertmeister an den herzoglichen Hof nach Weimar, weit entfernt von seiner früheren Position als „Lakai“. Das großzügige Gehaltsangebot des Hofes und die Aussicht, ausschließlich mit einem großen, gut finanzierten Kontingent professioneller Musiker zu arbeiten, mögen den Umzug veranlasst haben. Nur fünf Gehminuten vom herzoglichen Schloss entfernt bezog die Familie eine Wohnung. Im folgenden Jahr kam ihr erstes Kind zur Welt und Maria Barbaras ältere, unverheiratete Schwester gesellte sich zu ihnen, die bis zu ihrem Tod 1729 im Haushalt mithalf. In Weimar lebten zwei musikalisch bedeutende Söhne geboren – WF und CPE Bach.

Bachs Aufenthalt in Weimar markierte den Beginn einer anhaltenden Periode des Komponierens von Klavier- und Orchesterwerken, in der er die technischen Fähigkeiten und das Selbstvertrauen erlangt hatte, um die vorherrschenden groß angelegten Strukturen zu erweitern und Einflüsse aus dem Ausland zu synthetisieren. Aus der Musik von Italienern wie z Vivaldi , Corelli und Torelli lernte er dramatische Eröffnungen zu schreiben und übernahm ihre sonnigen Stimmungen, dynamischen motorischen Rhythmen und entschiedenen harmonischen Schemata. Bach hat sich in diese stilistischen Aspekte weitgehend eingearbeitet, indem er die Ensemblekonzerte von Vivaldi für Cembalo und Orgel transkribiert hat; diese Werke sind immer noch Konzertfavoriten. Die Idee, die neueste italienische Modemusik zu transkribieren, mag er von Prinz Johann Ernst, einem seiner Arbeitgeber, der ein Musiker von professionellem Format war, aufgegriffen haben. 1713 kehrte der Herzog von einer Reise durch die Niederlande mit einer großen Sammlung von Partituren zurück, von denen einige möglicherweise Transkriptionen der neuesten modischen italienischen Musik des blinden Organisten Jan Jacob de Graaf waren. Besonders reizte ihn die italienische Solo-Tutti-Struktur, bei der sich ein oder mehrere Soloinstrumente während eines Satzes Abschnitt für Abschnitt mit dem gesamten Orchester abwechseln. Diese italienisch anmutenden Merkmale sind im folgenden Auszug des Präludiums zu hören Englische Suite Nr. 3 für Cembalo (1714). Der Solo-Tutti-Wechsel wird erreicht, wenn der Spieler geschickt zwischen der unteren Tastatur (mit einem volleren, etwas lauteren Ton) und der oberen Tastatur (mit einem zarteren Ton) wechselt.

In Weimar hatte er Gelegenheit, für die Orgel zu spielen und zu komponieren und mit dem Ensemble des Herzogs ein vielfältiges Repertoire an Konzertmusik aufzuführen. Als Meister der kontrapunktischen Technik begann Bachs stetiges Schaffen von Fugen in Weimar. Der größte Einzelkorpus seiner Fugenschrift ist Das wohltemperierte Clavier ('Die wohltemperierte Tastatur' - ' Klaviatur ' bedeutet Tasteninstrument). Es besteht aus 48 Präludien und Fugen, ein Paar für jede Dur- und die relative Moll-Tonart. Dies ist ein monumentales Werk wegen seiner meisterhaften Verwendung des Kontrapunkts und seiner erstmaligen Erforschung des gesamten Tonartenbereichs – und die durch ihre geringfügigen Unterschiede zueinander ermöglichten Ausdrucksmöglichkeiten – stehen Tastenspielern zur Verfügung, wenn ihre Instrumente nach Systemen wie dem von Andreas Werckmeister gestimmt sind.

Während seiner Zeit in Weimar begann Bach mit der Arbeit an Das kleine Orgelbuch für seinen ältesten Sohn Wilhelm Friedemann; Dieses enthält traditionelle lutherische Choräle (Hymnenmelodien), die in komplexen Texturen gesetzt sind, um die Ausbildung von Organisten zu unterstützen. Das Buch illustriert zwei große Themen in Bachs Leben: sein Engagement für das Unterrichten und seine Liebe zum Choral als Musikform.

• Präludium, 3. Englische Suite —
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Köthen (1717–23)

Schloss und Garten zu Köthen in einem Kupferstich von Matthäus Merian Topographie (1650) Violinsonate Nr. 1 in g-Moll (BWV 1001) in Bachs Handschrift

Bach begann erneut, sich eine stabilere Stelle zu suchen, die seinen musikalischen Interessen zuträglich war. Prinz Leopold von Anhalt-Köthen engagierte Bach als Kapellmeister. Prinz Leopold, selbst Musiker, schätzte Bachs Talent, bezahlte ihn gut und gab ihm beträchtlichen Spielraum beim Komponieren und Aufführen. Der Prinz war jedoch Calvinist und verwendete keine aufwändige Musik in seiner Anbetung; daher waren die meisten von Bachs Werken aus dieser Zeit weltlich, einschließlich der Orchestersuiten , das Sechs Suiten für Solocello und die Sonaten und Partiten für Violine solo . Dieses Foto der Eröffnungsseite der ersten Violinsonate zeigt die Handschrift des Komponisten – schnell und effizient, aber ebenso visuell kunstvoll wie die Musik, die sie kodiert. Die gut bekannten Brandenburgische Konzerte stammen aus dieser Zeit. Der Soundclip stammt von der Eröffnung des Presto aus dem vierten Brandenburgischen Konzert für Solovioline, zwei Soloblockflöten, Streicher und Continuo-Cembalo. Dies zeigt die geballte Kraft des Fugensatzes des Komponisten; Unterstützt vom Cembalo setzt jedes Instrument nacheinander mit einer flotten Melodie ein, die gegen ein komplexes Kontrapunktnetz erklingt, das von den bereits Eingetretenen gespielt wird.

• Der letzte Satz von Brandenburgisches Konzert Nr. 4 in G (Audio clip) -
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Als Bach am 7. Juli 1720 mit Prinz Leopold im Ausland war, ereignete sich eine Tragödie: Seine Frau Maria Barbara starb plötzlich. Im folgenden Jahr lernte der Witwer Anna Magdalena Wilcke kennen, eine junge, hochbegabte Sopranistin, die am Hof ​​in Köthen auftrat; Sie heirateten am 3. Dezember 1721. Trotz des Altersunterschieds – sie war 17 Jahre jünger als er – scheinen sie eine glückliche Ehe geführt zu haben. Zusammen hatten sie 13 Kinder.

Leipzig (1723–50)

Stich 1723 von JG Krüger von der Thomaskirche, rechts davon links die Thomasschule

1723 wurde Bach zum Kantor der Thomasschule neben der Thomaskirche in Leipzig sowie zum Musikdirektor der Hauptkirchen der Stadt ernannt. Dies war ein angesehener Posten in der führenden Handelsstadt Sachsens, einem benachbarten Kurfürstentum von Thüringen. Abgesehen von seinen kurzen Ämtern in Arnstadt und Mülhausen war dies Bachs erstes Regierungsamt in einer Karriere, die vor allem im Dienst der Aristokratie gestanden hatte. Dieses letzte Amt, das er 27 Jahre bis zu seinem Tod bekleidete, brachte ihn in Kontakt mit den politischen Machenschaften seines Arbeitgebers, des Leipziger Rates. Der Rat bestand aus zwei Fraktionen: den Absolutisten, die dem sächsischen Monarchen in Dresden, August dem Starken, treu ergeben waren; und die City-Estate-Fraktion, die die Interessen der Handelsklasse, der Gilden und der kleinen Aristokraten vertritt. Bach war der Kandidat der Monarchisten, insbesondere des damaligen Bürgermeisters Gottlieb Lange, eines Rechtsanwalts, der zuvor am Dresdner Hof gedient hatte. Als Gegenleistung für die Zustimmung zu Bachs Ernennung wurde der City-Estate-Fraktion die Kontrolle über die Schule übertragen, und Bach musste eine Reihe von Kompromissen in Bezug auf seine Arbeitsbedingungen eingehen. Obwohl anscheinend niemand im Rat an Bachs musikalischer Genialität zweifelte, gab es ständige Spannungen zwischen dem Kantor, der sich als Führer der Kirchenmusik in der Stadt betrachtete, und der Stadtgüterfraktion, die ihn als Schulmeister sah und suchte die Betonung aufwändiger Musik sowohl in der Schule als auch in den Kirchen zu reduzieren. Der Rat löste Langes Versprechen bei Vorstellungsgesprächen über ein stattliches Gehalt von 1.000 Talern im Jahr nie ein, obwohl es Bach und seiner Familie ein geringeres Einkommen und eine gute Wohnung an einem Ende des 1732 mit großem Aufwand renovierten Schulgebäudes bescherte .

Bachs Job forderte ihn auf, die Schüler der Thomasschule im Gesang zu unterrichten und wöchentlich Musik in den beiden Leipziger Hauptkirchen St. Thomas und St. Nikolaus zu geben. Sein Amt verpflichtete ihn auch, Latein zu unterrichten, durfte dafür aber einen Stellvertreter einstellen. In einem erstaunlichen Schaffensschub schrieb er in seinen ersten sechs Jahren in Leipzig jährlich bis zu fünf Kantatenzyklen (von denen zwei offenbar verschollen sind). Die meisten dieser konzertierten Werke erläutern die Lesungen der Evangelien für jeden Sonn- und Feiertag im Lutherjahr; Viele wurden unter Verwendung traditioneller Kirchenlieder geschrieben, wie z Wachet auf! Ruft uns die Stimme und Nun komm, der Heiden Heiland , als Anregung.

Ein Foto von der Außenseite von Bachs Wohnung am Ende der Thomasschule, aufgenommen vor deren Abriss im Jahr 1902. Drei Stufen sind zu sehen, die zur Eingangstür führen.

Um diese Werke in der Thomaskirche einzustudieren und aufzuführen, saß Bach wahrscheinlich am Cembalo oder stand vor dem Chor auf der unteren Empore am Westende, mit dem Rücken zur Gemeinde und zum Altar am Ostende. Er hätte nach oben zu der Orgel geschaut, die sich etwa vier Meter über der Empore erhob. Rechts von der Orgel in einer Seitenempore wären die Bläser, Blechbläser und Pauken gewesen; Links waren die Saiten. Der Rat stellte nur etwa acht ständige Instrumentalisten zur Verfügung, was zu ständigen Reibungen mit dem Kantor führte, der den Rest der etwa 20 Spieler, die für mittlere bis große Partituren benötigt wurden, von der Universität, der Schule und dem Publikum rekrutieren musste. Die Orgel oder das Cembalo wurden wahrscheinlich vom Komponisten (wenn er nicht am Pult stand), vom hauseigenen Organisten oder einem von Bachs älteren Söhnen, Friederich oder Emmanuel, gespielt.

Bach holte die Sopran- und Altchorsänger aus der Schule und die Tenöre und Bässe aus der Schule und anderswo in Leipzig. Auftritte bei Hochzeiten und Beerdigungen brachten diesen Gruppen ein zusätzliches Einkommen; wahrscheinlich zu diesem Zweck und zur schulischen Ausbildung schrieb er mindestens sechs Motetten, meist für Doppelchor. Im Rahmen seiner regelmäßigen Kirchenarbeit spielte er Motetten der venezianischen Schule und deutscher wie Heinrich Schütz, die als formale Vorbilder für seine eigenen Motetten gedient hätten. Der Audio-Ausschnitt stammt von der Eröffnung Kurz dem Herrn ( Singet dem Herrn ), die die reichen, energischen Texturen zeigt, die Bach mit zwei Chören erzeugen konnte, jeder in vier Stimmen. In dieser Aufnahme gibt es drei Sänger für jeden Teil.

• Öffnen von Kurz dem Herrn (Audio clip) -
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Nachdem er einen Großteil der 1720er Jahre damit verbracht hatte, Kantaten zu komponieren, hatte Bach ein riesiges Repertoire an Kirchenmusik für die beiden Leipziger Hauptkirchen zusammengestellt. Er wollte nun sein Komponieren und Aufführen über die Liturgie hinaus erweitern. Im März 1729 übernahm er die Leitung des Collegium Musicum, einer weltlichen Aufführungskapelle, die 1701 von seinem alten Freund, dem Komponisten Georg Philipp Telemann, gegründet worden war. Dies war einer von Dutzenden privaten Vereinen in den deutschsprachigen Großstädten, die von musikalisch aktiven Universitätsstudenten gegründet worden waren; Diese Gesellschaften spielten eine immer wichtigere Rolle im öffentlichen Musikleben und wurden in der Regel von den prominentesten Fachleuten einer Stadt geleitet. Nach den Worten von Christoph Wolff war die Übernahme der Leitung ein kluger Schachzug, der „Bachs festen Einfluss auf Leipzigs wichtigste Musikinstitutionen festigte“. Während eines Großteils des Jahres gab das Leipziger Collegium Musicum zweimal wöchentlich zweistündige Aufführungen in Zimmermans Kaffeehaus in der Katharinenstraße, gleich neben dem Hauptmarktplatz. Dafür stellte der Besitzer einen großen Saal zur Verfügung und erwarb mehrere Musikinstrumente. Viele von Bachs Werken der 1730er, 40er und 50er Jahre wurden wahrscheinlich für das Collegium Musicum geschrieben und von ihm aufgeführt; darunter befanden sich mit ziemlicher Sicherheit Teile der Clavier-Übung ( Keyboard-Übungen ) und viele der Violin- und Cembalokonzerte.

Die Titelseite des dritten Teils der Tastaturübung , eines der wenigen Werke Bachs, das zu seinen Lebzeiten veröffentlicht wurde

In dieser Zeit komponierte er das Kyrie und Gloria der Messe in h-Moll , und 1735 überreichte er das Manuskript dem Kurfürsten von Sachsen in einem letztlich erfolgreichen Versuch, den Monarchen davon zu überzeugen, ihn zum Königlichen Hofkomponisten zu ernennen. Später erweiterte er dieses Werk zu einer vollständigen katholischen Messe, indem er ein Credo, Sanctus und Agnus Dei hinzufügte, deren Musik fast vollständig einigen seiner besten Kantatensätze entnommen war. Bachs Ernennung zum Hofkomponisten scheint Teil seines langjährigen Ringens um mehr Verhandlungsmacht gegenüber dem Leipziger Rat gewesen zu sein. Der Audio-Ausschnitt aus einem der Sätze, der dem Monarchen vorgelegt wurde, zeigt seinen Einsatz festlicher Trompeten und Pauken. Obwohl die Messe wahrscheinlich zu Lebzeiten des Komponisten nie aufgeführt wurde, gilt sie als eines der größten Chorwerke aller Zeiten.

• Gloria aus Messe in h-Moll (Audio clip) -
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1747 ging Bach an den Hof von Friedrich II. von Preußen in Potsdam, wo der König ein Thema für Bach spielte und ihn aufforderte, eine Fuge auf der Grundlage seines Themas zu improvisieren. Bach improvisierte eine dreistimmige Fuge auf Friedrichs Pianoforte, damals eine Neuheit, und schenkte dem König später eine Musikalisches Angebot bestehend aus Fugen, Kanons und einem Trio, das auf dem vom Monarchen nominierten „Königsthema“ basiert. Seine sechsstimmige Fuge enthält ein leicht verändertes Thema, das sich besser für eine ausführliche Ausarbeitung eignet.

Der Beginn der sechsstimmigen Fuge aus Das Musikalische Angebot , in Bachs Hand

Die Kunst der Fuge , posthum veröffentlicht, aber wahrscheinlich Jahre vor Bachs Tod geschrieben, ist unvollendet. Es besteht aus 18 komplexen Fugen und Kanons, die auf einem einfachen Thema basieren. Dieses Werk ist ein Magnum Opus thematischer Transformationen und kontrapunktischer Mittel und wird oft als die Summe polyphoner Techniken bezeichnet.

Das letzte Werk, das Bach vollendete, war ein Choralvorspiel für Orgel, das er seinem Schwiegersohn Altnikol auf dem Sterbebett diktiert hatte. Berechtigt Vor deinen Thron tret ich hiermit ( Vor deinem Thron erscheine ich nun ); wenn die Töne der Schlusskadenz gezählt und auf das lateinische Alphabet abgebildet werden, findet sich wieder das Wort „BACH“. Der Choral wird oft nach der unvollendeten 14. Fuge zum Abschluss von Aufführungen gespielt Die Kunst der Fuge .

Bach starb 1750 im Alter von 65 Jahren in Leipzig. In seinem Leben hatte er mehr als 1.000 Werke komponiert.

In Leipzig scheint Bach aktive Beziehungen zu mehreren Mitgliedern der Fakultät der Universität unterhalten zu haben. Eine besonders fruchtbare Beziehung hatte er zu dem Dichter Picander. Sebastian und Anna Magdalena begrüßten Freunde, Familie und Musikerkollegen aus ganz Deutschland in ihrem Haus. Hofmusiker in Dresden und Berlin und Musiker wie Georg Philipp Telemann (einer der Paten von CPE) besuchten häufig Bachs Wohnung und standen möglicherweise in regelmäßigem Kontakt mit ihm. Interessanterweise unternahm Georg Friedrich Händel, der im selben Jahr wie Bach in Halle, nur 50 km von Leipzig entfernt, geboren wurde, mehrere Reisen nach Deutschland, aber Bach konnte ihn nicht treffen, was Bach offenbar zutiefst bedauerte.

Stil

Bachs Musikstil entstand aus seiner außergewöhnlichen Gewandtheit in kontrapunktischen Erfindungen und motivischer Beherrschung, seinem Gespür für Improvisation am Klavier, seinem Kontakt mit süddeutscher, norddeutscher, italienischer und französischer Musik und seiner offensichtlichen Hingabe an die lutherische Liturgie. Sein Zugang zu Musikern, Partituren und Instrumenten als Kind und junger Mann, kombiniert mit seinem aufkommenden Talent, engmaschige Musik von kraftvoller Klangfülle zu schreiben, scheinen ihn auf den Weg gebracht zu haben, einen eklektischen, energischen Musikstil zu entwickeln, in dem ausländische Einflüsse zu finden waren in eine intensivierte Version der bereits existierenden deutschen Musiksprache injiziert. Während seiner Teenager- und Zwanzigerjahre zeigte sein Schaffen zunehmende Fähigkeiten in der groß angelegten Organisation musikalischer Ideen und der Verbesserung des Buxtehuschen Modells improvisatorischer Präludien und Kontrapunkts von begrenzter Komplexität. Ein Wendepunkt war die Zeit von 1713–14, als der Weimarer Hofkapelle ein großes Repertoire italienischer Musik zur Verfügung stand. Von diesem Zeitpunkt an scheint er die dramatischen Eröffnungen der Italiener, klare melodische Konturen, die scharfen Umrisse ihrer Basslinien, größere motorische und rhythmische Prägnanz, einheitlichere motivische Behandlung und klarer artikulierte Modulationsschemata in seinen Stil aufgenommen zu haben.

Es gibt mehrere spezifischere Merkmale von Bachs Stil. Die Notation barocker Melodielinien ging davon aus, dass Komponisten nur das Grundgerüst ausschreiben würden und dass Interpreten dieses Gerüst verschönern würden, indem sie Ziernoten einfügen und es anderweitig ausarbeiten. Obwohl diese Praxis zwischen den Schulen der europäischen Musik sehr unterschiedlich war, wurde Bach damals als am äußersten Ende des Spektrums angesehen und notierte die meisten oder alle Details seiner melodischen Linien – insbesondere in seinen schnellen Sätzen – und ließ daher wenig übrig Darsteller zu interpolieren. (Ein Beispiel für diese verschnörkelte, inklusive Notation ist der Auszug aus seiner Violinsonate Nr. 1 in G im vorherigen Abschnitt.) Dies mag seine Kontrolle über die von ihm bevorzugten dichten kontrapunktischen Texturen unterstützt haben, die weniger Spielraum lassen die spontane Variation musikalischer Linien. Bachs kontrapunktische Texturen sind in der Regel kumulativer als die von Händel und den meisten anderen Komponisten der Zeit, die normalerweise eine Zeile ausfallen ließen, nachdem zwei oder drei andere dazugekommen waren. Bachs Harmonik zeichnet sich durch die Tendenz aus, kurze Tonisierungen einzusetzen – subtile Verweise auf eine andere Tonart, insbesondere die Supertonik, die höchstens ein paar Schläge andauern –, um seinen Texturen Farbe zu verleihen.

Gleichzeitig ließ Bach, anders als spätere Komponisten, die Besetzung von Hauptwerken wie „Die Kunst der Fuge“ und „Ein musikalisches Opfer“ offen. Es ist wahrscheinlich, dass seine detaillierte Notation weniger eine absolute Forderung an den Interpreten war, als vielmehr eine Antwort auf eine Kultur des 17. Jahrhunderts, in der die Grenze zwischen dem, was der Interpret verschönern konnte, und den Anforderungen des Komponisten ausgehandelt wurde.

Bachs scheinbar fromme, persönliche Beziehung zum christlichen Gott in der lutherischen Tradition und der hohe Bedarf an religiöser Musik seiner Zeit rückten die Kirchenmusik zwangsläufig in den Mittelpunkt seines Repertoires; Genauer gesagt war der lutherische Choral (Hymnenmelodie), der wichtigste musikalische Aspekt des lutherischen Gottesdienstes, die Grundlage für einen Großteil seines Schaffens. Er verlieh dem Choralvorspiel, bereits ein Standardsatz lutherischer Formen, eine überzeugendere, eng integrierte Architektur, in der die Intervallmuster und melodischen Konturen der Melodie typischerweise in einem dichten, kontrapunktischen Gitter gegen relativ langsame, übergreifende Bewegungen behandelt wurden Aussagen der Melodie.

Bachs tiefes Wissen und Interesse an der Liturgie führten dazu, dass er komplizierte Beziehungen zwischen Musik und sprachlichem Text entwickelte. Dies zeigte sich von der kleinsten bis zur größten Stufe seiner Kompositionstechnik. Viele seiner geistlichen Werke enthalten auf der kleinsten Ebene kurze Motive, die durch wiederkehrende Assoziationen als Bildsymbolik und Artikulationen liturgischer Konzepte angesehen werden können. Beispielsweise stellt der Oktavsprung, normalerweise in einer Basslinie, die Beziehung zwischen Himmel und Erde dar (z. B. der Soundclip von Kurz dem Herrn , Oben); die langsamen, wiederholten Töne der Basslinie im Eröffnungssatz von Kantate 106 ( Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit ) stellen das mühselige Trampeln Jesu dar, als er gezwungen war, das Kreuz aus der Stadt zum Ort der Kreuzigung zu schleppen.

Auf der größten Ebene zeugt die groß angelegte Struktur einiger seiner geistlichen Vokalwerke von subtiler, ausgefeilter Planung: So veranschaulicht die Gesamtform der Matthäus-Passion den liturgischen und dramatischen Ablauf der Ostergeschichte an mehreren Stellen Ebenen gleichzeitig; der Text, Tonarten und Variationen der instrumentalen und vokalen Kräfte, die in den Sätzen der Kantate 11 verwendet werden ( Lobet Gott in allen Landen ) kann eine Struktur bilden, die dem Kreuz ähnelt.

Jenseits dieser musikalischen Besonderheiten, die sich aus Bachs religiöser Zugehörigkeit ergeben, ist die Tatsache, dass er in der Lage war, Musik für ein Publikum zu produzieren, das einer ernsthaften, regelmäßigen Anbetung verpflichtet war, für die eine konzentrierte Dichte und Komplexität akzeptiert wurde. Seine natürliche Neigung mag darin bestanden haben, bestehende Formen neu zu beleben, anstatt sie zu verwerfen und dramatischere musikalische Innovationen zu verfolgen. Daher war Bachs erfinderischer Genius fast ausschließlich darauf ausgerichtet, innerhalb der von ihm geerbten Strukturen zu arbeiten, so die meisten Kritiker und Historiker.

Bachs persönlicher Drang, seine musikalischen Leistungen zur Schau zu stellen, zeigte sich in vielerlei Hinsicht. Am offensichtlichsten war sein erfolgreiches Streben, der führende Virtuose und Improvisator der Zeit auf der Orgel zu werden. Die Tastenmusik nahm zeitlebens eine zentrale Stellung in seinem Schaffen ein, und er leistete Pionierarbeit bei der Erhebung des Tasteninstruments vom Continuo zum Soloinstrument in seinen zahlreichen Cembalokonzerten und Kammersätzen mit obligatem Tasteninstrument, in denen er wahrscheinlich selbst den Solopart spielte. Viele seiner Klavierpräludien sind Vehikel für eine freie improvisatorische Virtuosität in deutscher Tradition, obwohl ihre interne Organisation mit zunehmender Reife immer überzeugender wurde. Virtuosität ist ein Schlüsselelement in anderen Formen, wie zum Beispiel der Fugenbewegung, aus Brandenburgisches Konzert Nr. 4 (deren Eröffnung oben in einem Audioclip festgehalten ist), in dem Bach selbst möglicherweise als erster die schnellen Soloviolinpassagen gespielt hat. Ein weiteres Beispiel ist die Orgelfuge aus BWV547, einem Spätwerk aus Leipzig, in der virtuose Passagen auf den italienischen Solo-Tutti-Wechsel innerhalb der Fugenentwicklung abgebildet werden.

Verbunden mit seiner geschätzten Rolle als Lehrer war sein Bestreben, ganze Genres zu umfassen, indem er Sammlungen von Sätzen produzierte, die die Bandbreite der künstlerischen und technischen Möglichkeiten, die diesen Genres innewohnen, gründlich ausloten. Die bekanntesten Beispiele sind die beiden Bücher des Wohltemperierten Klaviers, die jeweils ein Präludium und eine Fuge in allen Dur- und Moll-Tonarten präsentieren, in denen alle erdenklichen kontrapunktischen Techniken gezeigt werden. Die Englische und die Französische Suite sowie die Partiten, allesamt Klavierwerke aus der Köthener Zeit, erforschen systematisch eine Reihe von Metren und Kreuz- und B-Tonarten. Dieser Drang, sozusagen enzyklopädisch zu sein, zieht sich durch sein ganzes Leben: Die Goldberg-Variationen (1746?) präsentieren eine Folge von Kanons, die jedes verfügbare Intervall und jede verfügbare Distanz abarbeiten, als würden Punkte einer Liste nacheinander abgehakt eines. In ähnlicher Weise ist die Kunst der Fuge (1749) ein Manifest der Fugentechniken.

Funktioniert

JS Bachs Werke sind mit BWV-Nummern, einem Initialismus für, indiziert Bach Werke Verzeichnis (Bach-Werkverzeichnis). Der 1950 erschienene Katalog wurde von Wolfgang Schmieder zusammengestellt. Der Katalog ist eher thematisch als chronologisch geordnet: BWV 1–224 sind Kantaten, BWV 225–249 die großen Chorwerke, BWV 250–524 Choräle und geistliche Lieder, BWV 525–748 Orgelwerke, BWV 772–994 andere Tasteninstrumente Werke, BWV 995–1000 Lautenmusik, BWV 1001–40 Kammermusik, BWV 1041–71 Orchestermusik und BWV 1072–1126 Kanons und Fugen. Bei der Zusammenstellung des Katalogs orientierte sich Schmieder weitgehend an der Ausgabe der Bach Gesellschaft, einer umfassenden Ausgabe der Werke des Komponisten, die zwischen 1850 und 1905 entstand. Eine nach BWV-Nummern katalogisierte Liste der Werke finden Sie unter Liste der Kompositionen von Johann Sebastian Bach.

Orgel funktioniert

Eine Statue von Bach in Eisenach, Deutschland

Bach war zu seinen Lebzeiten vor allem als Organist, Orgelberater und Komponist von Orgelwerken sowohl in den traditionellen deutschen freien Gattungen wie Präludien, Fantasien und Toccaten als auch in strengeren Formen wie Choralvorspielen und Fugen bekannt. Schon in jungen Jahren machte er sich einen Namen für seine große Kreativität und seine Fähigkeit, Aspekte verschiedener nationaler Stile in seine Orgelwerke zu integrieren. Einen dezidiert norddeutschen Einfluss hatten Georg Böhm, mit dem Bach in Lüneburg in Kontakt kam, und Dieterich Buxtehude in Lübeck, den der junge Organist 1704 während einer längeren Beurlaubung von seiner Anstellung in Arnstadt besuchte. Um diese Zeit kopierte Bach auch die Werke zahlreicher französischer und italienischer Komponisten, um Einblicke in deren Kompositionssprachen zu gewinnen, und arrangierte später sogar mehrere Violinkonzerte nach Vivaldi und andere für Orgel. In seiner produktivsten Zeit (1708–14) entstanden nicht nur mehrere Paare von Präludien und Fugen, Toccaten und Fugen, sondern auch die Orgelbüchlein ('Little Orgel Book'), eine unvollendete Sammlung von neunundvierzig kurzen Choralvorspielen, die verschiedene Kompositionstechniken demonstrieren sollen, die beim Vertonen von Choralmelodien verwendet werden könnten. Nachdem er Weimar verlassen hatte, ging Bachs Schaffen für Orgel zurück, obwohl seine bekanntesten Werke (die sechs Triosonaten, die Tastaturübung III von 1739 und die „Great Eighteen“-Choräle, die sehr spät in seinem Leben revidiert wurden) wurden alle nach dieser Zeit komponiert. Bach war auch später in seinem Leben ausgiebig damit beschäftigt, bei verschiedenen Orgelprojekten zu beraten, neu gebaute Orgeln zu testen und Orgeln in Nachmittagskonzerten einzuweihen.

Andere Tastatur funktioniert

Bach schrieb viele Werke für das Cembalo, von denen einige möglicherweise auch auf dem Clavichord gespielt wurden. Viele seiner Werke für Tasteninstrumente sind Anthologien, die den Eifer zeigen, ganze theoretische Systeme gleichsam enzyklopädisch zu erfassen.

• Das Wohltemperierte Klavier , Bücher 1 und 2 (BWV 846–893). Jedes Buch umfasst ein Präludium und eine Fuge in jeder der 24 Dur- und Moll-Tonarten (daher wird die gesamte Sammlung oft als „die 48“ bezeichnet). „Wohltemperiert“ im Titel bezieht sich auf die Stimmung (Stimmungssystem); Viele Temperamente vor Bachs Zeit waren nicht flexibel genug, um Kompositionen zu erlauben, sich durch mehr als nur ein paar Tonarten zu bewegen.
• Die 15 Inventionen und 15 Sinfonien (BWV 772–801). Dies sind kurze zwei- und dreistimmige kontrapunktische Werke, die in der Reihenfolge der Tonartvorzeichnungen mit zunehmenden Kreuzen und Bs angeordnet sind, wobei einige der weniger verwendeten weggelassen werden. Die Stücke waren von Bach für Unterrichtszwecke bestimmt.
• Drei Sammlungen von Tanzsuiten: die Englischen Suiten (BWV 806–811), die Französischen Suiten (BWV 812–817) und die Partiten für Tasteninstrumente (BWV 825–830). Jede Sammlung enthält sechs Suiten, die auf dem Standardmodell aufgebaut sind ( Allemande – Courante – Sarabande – (optionaler Satz) – Gigue). Die Englischen Suiten folgen eng dem traditionellen Modell, fügen vor der Allemande ein Präludium hinzu und enthalten einen einzigen Satz zwischen der Sarabande und der Gigue. Die französischen Suiten verzichten auf Präludien, haben aber mehrere Sätze zwischen der Sarabande und der Gigue. Die Partiten erweitern das Modell weiter mit ausgefeilten Einführungsbewegungen und verschiedenen Bewegungen zwischen den Grundelementen des Modells.
• Das Goldberg-Variationen (BWV 988), eine Arie mit dreißig Variationen. Die Sammlung hat eine komplexe und unkonventionelle Struktur: Die Variationen bauen auf der Basslinie der Arie statt auf ihrer Melodie auf, und musikalische Kanons werden nach einem großen Plan interpoliert. Es gibt neun Kanons innerhalb der 30 Variationen, wobei einer alle drei Variationen zwischen den Variationen 3 und 27 platziert wird. Diese Variationen bewegen sich in der Reihenfolge vom Kanon am Unisono zum Kanon an der neunten. Die ersten acht sind paarweise (Unisono und Oktave, zweite und siebte, dritte und sechste, vierte und fünfte). Der neunte Kanon steht aufgrund kompositorischer Unterschiede für sich.
• Diverse Stücke wie z Ouvertüre im französischen Stil ( Französische Ouvertüre , BWV 831) Chromatische Fantasie und Fuge (BWV 903), und die Italienisches Konzert (BWV971).

Zu Bachs weniger bekannten Klavierwerken gehören sieben Toccaten (BWV 910–916), vier Duette (BWV 802–805), Sonaten für Klavier (BWV 963–967), die Sechs kleinen Präludien (BWV 933–938) und die Abwechslungsreiche Luft auf italienische Art (BWV989).

Orchester- und Kammermusik

Bach schrieb Musik für Einzelinstrumente, Duette und kleine Ensembles. Bachs Werke für Soloinstrumente – die sechs Sonaten und Partiten für Violine (BWV1001–1006), die sechs Suiten für Cello (BWV 1007–1012) und die Partita für Flöte solo (BWV1013) – dürfen zu den tiefgründigsten Werken des Repertoires gezählt werden . Bach hat auch eine Suite und mehrere andere Werke für Sololaute komponiert. Er schrieb Triosonaten; Solosonaten (mit Continuo-Begleitung) für Flöte und Viola da Gamba; und eine große Anzahl von Kanons und Ricercare, hauptsächlich für nicht näher bezeichnete Instrumentierung. Die bedeutendsten Beispiele für letztere sind in enthalten Die Kunst der Fuge und Das Musikalische Angebot .

Bachs bekannteste Orchesterwerke sind die Brandenburgischen Konzerte, so genannt, weil er sie in der Hoffnung auf eine Anstellung bei Markgraf Christian Ludwig von Brandenburg-Schwedt 1721 einreichte; seine Bewerbung blieb erfolglos. Diese Werke sind Beispiele der Gattung Concerto grosso. Weitere erhaltene Werke in Konzertform sind zwei Violinkonzerte; ein Konzert für zwei Violinen, oft als Bachs „doppeltes“ Konzert bezeichnet; und Konzerte für ein, zwei, drei und sogar vier Cembali. Es ist allgemein anerkannt, dass viele der Cembalokonzerte keine Originalwerke waren, sondern Bearbeitungen seiner Konzerte für andere Instrumente, die heute verschollen sind. Eine Reihe von Violin-, Oboen- und Flötenkonzerten wurden daraus rekonstruiert. Neben Konzerten schrieb Bach auch vier Orchestersuiten, eine Reihe stilisierter Tänze für Orchester. Das heute als Air auf der G-Saite bekannte Werk beispielsweise ist eine Bearbeitung für Violine aus dem 19. Jahrhundert aus dem zweiten Satz der Orchestersuite Nr. 3.

Vokal- und Chorwerke

Jeden Sonntag führte Bach in der Thomaskirche eine Kantate zu einem Thema auf, das den Lektionarlesungen der Woche entsprach. Obwohl er Kantaten anderer Komponisten aufführte, komponierte er in Leipzig zusätzlich zu den in Mühlhausen und Weimar komponierten Kantaten auch mindestens drei vollständige Kantatensätze, einen für jeden Sonn- und Feiertag des Kirchenjahres. Insgesamt schrieb er mehr als 300 geistliche Kantaten, von denen nur etwa 195 erhalten sind.

Seine Kantaten variieren stark in Form und Besetzung. Einige von ihnen sind nur für einen Solosänger; einige sind einzelne Chöre; manche sind für große Orchester, manche nur für wenige Instrumente. Ein sehr verbreitetes Format beinhaltet jedoch einen großen Eröffnungschor, gefolgt von einem oder mehreren Rezitativ-Arien-Paaren für Solisten (oder Duette) und einem abschließenden Choral. Das Rezitativ ist Teil der entsprechenden Bibellesung der Woche und die Arie eine zeitgenössische Reflexion darüber. Der Schlusschoral erscheint oft auch als Choralvorspiel in einem Mittelsatz, gelegentlich auch als Cantus firmus im Eröffnungschor. Die bekanntesten dieser Kantaten sind Kantate Nr. 4 ('Christ lag in Todesbanden'), Kantate Nr. 80 ('Ein' feste Burg'), Kantate Nr. 140 ('Wachet auf') und Kantate Nr. 147 (' Herz und Mund und Tat und Leben').

Daneben schrieb Bach eine Reihe weltlicher Kantaten, meist für bürgerliche Anlässe wie Hochzeiten. Zu den bekanntesten gehören die beiden Hochzeitskantaten und die Kaffeekantate, die ein Mädchen betrifft, dessen Vater sie nicht heiraten lässt, bis sie ihre Kaffeesucht aufgegeben hat.

Zu Bachs großen Chor- und Orchesterwerken gehören die berühmte Matthäus-Passion und die Johannes-Passion, die beide für die Gottesdienste der Karwoche in der Thomaskirche geschrieben wurden, sowie das Weihnachtsoratorium (ein Satz von sechs Kantaten für die liturgische Weihnachtszeit). Das Magnificat in zwei Versionen (eine in Es-Dur, mit zusätzlichen Sätzen, die zwischen die Sätze des Magnificat-Textes eingefügt sind, und die spätere und bekanntere Version in D-Dur) und das Osteroratorium sind großen, ausgearbeiteten Kantaten von a geringeren Umfang als die Passionen und das Weihnachtsoratorium.

Bachs anderes großes Werk, die Messe in h-Moll, wurde von Bach gegen Ende seines Lebens zusammengestellt, hauptsächlich aus früher komponierten Stücken (wie Kantate 191 und Kantate 12). Es wurde weder zu Bachs Lebzeiten noch nach seinem Tod bis ins 19. Jahrhundert aufgeführt.

Alle diese Werke haben im Gegensatz zu den Motetten sowohl substantielle Solostimmen als auch Chöre.

Aufführungen

Heutige Bach-Interpreten teilen sich weitgehend in zwei Lager: diejenigen, die einer authentischen Aufführungspraxis folgen, und diejenigen, die moderne Instrumente und Spieltechniken verwenden und zu größeren Besetzungen neigen. Zu Bachs Zeiten waren Orchester und Chöre normalerweise kleiner als die, die man zum Beispiel von Brahms kannte, und sogar von Bachs ehrgeizigsten Chorwerken wie seinem Messe in h-Moll und Passions, sind für relativ bescheidene Besetzung komponiert. Einige von Bachs wichtiger Kammermusik weisen keine Instrumentierung auf, was einen noch größeren Spielraum für die Vielfalt des Ensembles bietet.

„Easy Listening“-Umsetzungen von Bachs Musik und deren Verwendung in der Werbung trugen auch stark zur Popularisierung Bachs in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bei. Darunter waren die heute bekannten Versionen von Bach-Stücken der Swingle Singers (zum Beispiel das Air auf der G-Saite oder die Wacht Auf Choralvorspiel) und Wendy Carlos' Aufnahme von 1968 Eingeschalteter Bach mit dem damals neu erfundenen Moog-Synthesizer. Auch Jazzmusiker haben Bachs Musik übernommen, darunter Jacques Loussier und Uri Caine, die Jazzversionen von Bach-Werken geschaffen haben.

Erbe

In seinen späteren Jahren und nach seinem Tod nahm Bachs Ruf als Komponist ab; seine Arbeiten galten im Vergleich zum aufkommenden klassischen Stil als altmodisch. Anfänglich wurde er eher als Spieler, Lehrer und als Vater seiner Kinder, insbesondere C.P.E. Bach. Während dieser Zeit wurden seine Werke für Keyboard am meisten geschätzt und Komponisten haben seitdem seine Beherrschung des Genres anerkannt. Mozart , Beethoven und Chopin gehörten zu seinen prominentesten Bewunderern. Bei einem Besuch in der Thomasschule in Leipzig beispielsweise hörte Mozart eine der Motetten (BWV 225) und rief aus: „Nun, hier kann man etwas lernen!“; Als ihm die Stimmen der Motetten gegeben wurden, 'setzte sich Mozart, die Stimmen um sich herum, in beiden Händen gehalten, auf die Knie, auf die nächsten Stühle. Alles andere vergessend, stand er nicht wieder auf, bis er alle Stimmen durchgesehen hatte Musik von Sebastian Bach'. Beethoven war ein Anhänger und lernte die Wohltemperiertes Klavier als Kind und nannte Bach später den 'Urvater der Harmonie' ('Urvater der Harmonie') und, in einem Wortspiel mit der wörtlichen Bedeutung von Bachs Namen, 'nicht Bach, sondern Meer'. '). Bevor er auftrat, schloss sich Chopin vor seinen Konzerten ein und spielte Bachs Musik. Mehrere bemerkenswerte Komponisten wie z Mozart , Beethoven , Schumann und Mendelssohn begann in einem eher kontrapunktischen Stil zu schreiben, nachdem er in Bachs Musik eingeführt worden war.

Bis heute beeinflusst der „Bach-Stil“ die musikalische Komposition, von Hymnen und religiösen Werken bis hin zu Pop und Rock. Viele von Bachs Themen – insbesondere das Thema aus Toccata und Fuge in d-Moll – wurden wiederholt in Rocksongs verwendet und erfreuten sich bemerkenswerter Beliebtheit.

Die Wiederbelebung des Ansehens des Komponisten in der breiten Öffentlichkeit wurde unter anderem durch die von Beethoven gelesene Biographie von Johann Nikolaus Forkel aus dem Jahr 1802 ausgelöst. Goethe lernte Bachs Werke relativ spät kennen, durch eine Reihe von Aufführungen von Klavier- und Chorwerken in Bad Berka in den Jahren 1814 und 1815; in einem Brief von 1827 verglich er das Erlebnis, Bachs Musik zu hören, mit „ewiger Harmonie im Dialog mit sich selbst“. Aber es war Felix Mendelssohn der am meisten dazu beigetragen hat, Bachs Ruf mit seiner 1829 wiederzubeleben Berlin Aufführung der Matthäus-Passion. Hegel, der der Aufführung beiwohnte, nannte Bach später ein „großes, wahrhaft protestantisches, robustes und sozusagen gelehrtes Genie, das wir erst in jüngster Zeit wieder in seinem vollen Wert zu schätzen gelernt haben“. Mendelssohns Förderung Bachs und das Anwachsen des Ansehens des Komponisten setzten sich in den folgenden Jahren fort. Zur Förderung der Werke wurde 1850 die Bach-Gesellschaft gegründet, die im folgenden halben Jahrhundert eine umfassende Ausgabe herausgab.

Danach ist Bachs Ruf konstant hoch geblieben. Während des zwanzigsten Jahrhunderts hat sich der Prozess der Anerkennung des musikalischen und pädagogischen Wertes einiger Werke fortgesetzt, vielleicht am bemerkenswertesten in der Förderung der Cello-Suiten von Pablo Casal. Eine weitere Entwicklung war das Wachstum der 'authentischen' oder historischen Aufführungsbewegung, die so weit wie möglich versucht, die Musik so zu präsentieren, wie der Komponist es beabsichtigt hat. Beispiele hierfür sind das Spielen von Klavierwerken auf dem Cembalo statt auf einem modernen Flügel und die Verwendung kleiner Chöre oder einzelner Stimmen anstelle der größeren Besetzungen, die von Interpreten des 19. und frühen 20. Jahrhunderts bevorzugt wurden.

Johann Sebastian Bachs Beiträge zur Musik oder, um einen von seinem Schüler Lorenz Christoph Mizler populär gemachten Begriff zu gebrauchen, seine 'Musikwissenschaft', werden häufig mit denen von Bach verklammert William Shakespeare in der englischen Literatur u Isaac Newton in Physik. Bachs Musik wurde als Beispiel für die besten Errungenschaften der Menschheit für die Aufnahme in die Voyager Golden Records ausgewählt. Der Wissenschaftler und Autor Lewis Thomas hat einmal vorgeschlagen, wie die Menschen von Erde mit dem Universum kommunizieren sollte: 'Ich würde Bach wählen, ganz Bach, immer wieder ins All geströmt. Wir würden natürlich prahlen, aber es ist sicherlich entschuldbar, am Anfang das bestmögliche Gesicht aufzusetzen eine solche Bekanntschaft. Wir können die härteren Wahrheiten später erzählen.“

Bachs Kreuz, Signatur des Komponisten mit einer einzelnen Note

Einige Komponisten haben Bach gewürdigt, indem sie seinen Namen in Noten gesetzt haben (B-Dur, A, C, B-Natur; H-Natur wird in deutschen Musiktexten als 'H' notiert) oder kontrapunktische Ableitungen verwenden. Liszt zum Beispiel schrieb a Auftakt und Fuge zu diesem BACH-Motiv (es existiert in Versionen für Orgel und Klavier). Bach selbst hat den Präzedenzfall für dieses musikalische Akronym geschaffen, insbesondere in Contrapunctus XIV aus dem Kunst der Fuge . Während Bach diese kreuzförmige Melodie als kompositorische Form der Hingabe an Christus und sein Kreuz konzipierte, haben spätere Komponisten das BACH-Motiv als Hommage an den Komponisten selbst verwendet.

Einige der größten Komponisten seit Bach haben Werke geschrieben, die ihn ausdrücklich ehren. Zum Beispiel Beethovens Diabelli-Variationen, Schostakowitschs Präludien und Fugen und Brahms' Cellosonate in E, die auf Themen aus der Kunst der Fuge basiert

Eponyme

• Das Bach-Schelfeis auf der Beethoven-Halbinsel der Alexanderinsel, in Antarktis .
• Bachkrater auf Quecksilber .