Jazz

Jazz
Stilistische Herkunft:	Blues und andere Afroamerikaner Volksmusik , Ragtime , westafrikanische Musik, europäisch Blaskapellen, New Orleans der 1910er Jahre.
Typisch Instrumente :	Saxophon – Trompete – Posaune – Klarinette – Klavier – Gitarre – Kontrabass – Schlagzeug – Gesang
Popularität im Mainstream:	1920–1960
Untergeordnetes Genre
Fusion-Genres
Jazz um die Welt
Jazzmusiker
Andere Themen

Jazz ist ein Musical Kunstform, die ihren Ursprung in New Orleans, Louisiana, Vereinigte Staaten rund um den Beginn der 20. Jahrhundert . Jazz verwendet Blue Notes, Synkopen, Swing, Call and Response, Polyrhythmen und Improvisation und verbindet afroamerikanische Musikstile mit westlicher Musiktechnik und -theorie.

Überblick

Trompeter und Sänger Louis Armstrong , ein bekannter Jazzmusiker

Jazz hat seine Wurzeln in der Kombination von westafrikanischen und westlichen Musiktraditionen, einschließlich Spirituals, Blues und Ragtime , die aus Westafrika, der westlichen Sahelzone und den religiösen Hymnen Neuenglands stammen, Hinterwäldlermusik und europäisch Musik der Militärkapelle. Nach dem Ursprung in afroamerikanischen Gemeinden in der Nähe des Beginns der 20. Jahrhundert , Jazzstile verbreiteten sich in den 1920er Jahren und beeinflussten andere Musikstile. Die Ursprünge des Wortes Jazz sind ungewiss. Das Wort hat seine Wurzeln im amerikanischen Slang, und es wurden verschiedene Ableitungen vorgeschlagen. Zur Herkunft und Geschichte des Wortes Jazz , siehe Ursprung des Wortes Jazz.

Jazz wurzelt im Blues, der Volksmusik von einst versklavt Afrikaner im Süden der USA und ihre Nachkommen, die von westafrikanischen kulturellen und musikalischen Traditionen beeinflusst sind, die sich entwickelten, als schwarze Musiker in die Städte einwanderten. Der Jazzmusiker Wynton Marsalis erklärt: 'Jazz ist etwas, was Neger erfunden haben ... der Adel der Rasse in Klang umgesetzt ... Jazz hat alle Elemente, von sparsam und durchdringend bis komplex und einhüllend.'

Die Instrumente, die um die Jahrhundertwende in Blaskapellen und Tanzkapellen verwendet wurden, wurden zu den Grundinstrumenten des Jazz: Blechbläser, Stimmzungen und Trommeln, die die westliche 12-Ton-Skala verwenden. Ein '...schwarzer musikalischer Geist (mit Rhythmus und Melodie) brach aus den Grenzen von aus europäisch musikalische Tradition [der Blaskapellen], obwohl die Interpreten Instrumente im europäischen Stil verwendeten.

Kleine Bands schwarzer Musiker, meist Autodidakten, die Trauerzüge in New Orleans anführten, spielten eine wegweisende Rolle bei der Artikulation und Verbreitung des frühen Jazz und reisten durch schwarze Gemeinden im tiefen Süden und in nördliche Städte.

Das nach dem Krieg Ein Netzwerk aus von Schwarzen gegründeten Schulen sowie bürgerlichen Gesellschaften und die Erweiterung der Mainstream-Bildungsmöglichkeiten brachte mehr formal ausgebildete afroamerikanische Musiker hervor. Lorenzo Tio und Scott Joplin wurden in klassischen europäischen Musikformen geschult. Joplin, der Sohn eines ehemaligen Sklaven und einer freigeborenen farbigen Frau, war bis zum Alter von 11 Jahren weitgehend Autodidakt, als er Unterricht in den Grundlagen der Musiktheorie erhielt. Schwarze Musiker mit formalen musikalischen Fähigkeiten trugen dazu bei, die im Wesentlichen improvisatorischen Musikstile des Jazz zu bewahren und zu verbreiten.

Improvisation

Reggie Workman, Pharoah Sanders und Idris Muhammad, c. 1978

Jazz als Genre ist oft schwer zu definieren, aber Improvisation ist ein Schlüsselelement der Form. Improvisation ist seit der Entwicklung früher Formen der Musik ein wesentliches Element in der afrikanischen und afroamerikanischen Musik und steht in engem Zusammenhang mit der Verwendung von Call and Response im westafrikanischen und afroamerikanischen kulturellen Ausdruck.

Die Form der Improvisation hat sich im Laufe der Zeit verändert. Frühe Folk-Blues-Musik basierte oft auf einem Call-and-Response-Muster, und Improvisation spielte in den Texten, der Melodie oder beidem eine Rolle. Beim Dixieland-Jazz spielen die Musiker abwechselnd die Melodie, während die anderen Gegenmelodien improvisieren. Im Gegensatz zur klassischen Form, bei der die Interpreten versuchen, das Stück genau so zu spielen, wie der Autor es sich vorgestellt hat, besteht das Ziel im Jazz oft darin, eine neue Interpretation zu schaffen, indem die Melodie, die Harmonien und sogar die Taktart geändert werden. Ist die klassische Musik das Medium des Komponisten, vermag der Jazz auch für die Rechte des Interpreten einzutreten, „die jeweiligen Ansprüche des Komponisten und des Improvisators geschickt abzuwägen“.

In der Swing-Ära spielten Big Bands mit arrangierten Notenblättern, aber einzelne Solisten führten innerhalb dieser Kompositionen improvisierte Soli auf. Beim Bebop verlagerte sich der Fokus jedoch vom Arrangieren auf die Improvisation über die Form; Musiker achteten weniger auf die komponierte Melodie oder den 'Kopf', der zu Beginn und am Ende der Aufführung der Melodie mit improvisierten Abschnitten dazwischen gespielt wurde.

Wie bereits erwähnt, gaben spätere Jazzstile, wie z. Na und auf der Meilen davis Album Art von blau ). Die Idiome des Avantgarde- und Free-Jazz erlauben, fordern sogar, auf Akkorde, Tonleitern und rhythmische Metren zu verzichten.

Wenn ein Pianist, Gitarrist oder ein anderer Akkord spielender Instrumentalist eine Begleitung improvisiert, während ein Solist spielt, wird dies genannt kommend (eine Zusammenziehung des Wortes 'begleitend'). 'Vamping' ist ein Comping-Modus, der normalerweise auf wenige sich wiederholende Akkorde oder Takte beschränkt ist, im Gegensatz zum Comping auf der Akkordstruktur der gesamten Komposition. Am häufigsten wird Vamping als einfache Möglichkeit verwendet, den Anfang oder das Ende eines Stücks zu verlängern oder einen Übergang einzurichten.

In einigen modernen Jazzkompositionen, bei denen die zugrunde liegenden Akkorde der Komposition besonders komplex oder schnelllebig sind, kann der Komponist oder Interpret eine Reihe von 'Blow Changes' erstellen, bei denen es sich um vereinfachte Akkorde handelt, die besser für Comping und Soloimprovisation geeignet sind.

Geschichte

1800

Afroamerikanische Musiktraditionen waren bereits seit Generationen Teil der Mainstream-Popmusik in den Vereinigten Staaten, die bis ins 19. Jahrhundert zurückreicht Minnesänger-Show Melodien und die Melodien von Stephen Foster. In den Städten wurden öffentliche Tanzlokale, Clubs und Teestuben eröffnet. Von afrikanischen Tanzbewegungen inspirierte schwarze Tänze wie Shimmy, Truthahn-Trab, Bussard-Lope, Chicken-Scratch, Affengleiten und die Hasenumarmung wurden schließlich von einem weißen Publikum übernommen.

Der Kuchenspaziergang, von Sklaven entwickelt, um formelle Kleiderbälle hochzuschicken, wurde populär. Das weiße Publikum sah diese Tänze in Vaudeville-Shows. Die beliebte Tanzmusik der damaligen Zeit waren Blues-Ragtime-Stile. Tin Pan Alley-Komponisten wie Irving Berlin nahmen Ragtime-Einflüsse in ihre Kompositionen auf.

Buddy Bolden gilt allgemein als der erste Bandleader, der die improvisierte Musik spielte, die als Jazz bekannt wurde. Seine Band begann um 1895 bei Paraden und Tänzen in New Orleans zu spielen. Obwohl von seiner Musik keine Aufnahmen mehr übrig sind, finden Sie hier einen Link, wo Sie Jelly Roll Mortons Erinnerung an Boldens Titelsong hören und Referenzen zu Bolden finden können. Charles „Buddy“ Bolden.

1910er

Ragtime

Rhythmen, die aus einem musikalischen Erbe in Afrika stammen, wurden in Cakewalks, Coon Songs und die Musik von 'Jig Bands' integriert, aus denen sich schließlich entwickelte Ragtime , um 1895 (Zeitachse). Die erste Ragtime-Komposition wurde von Ben Harney veröffentlicht. Die Musik, belebt durch die gegensätzlichen Rhythmen, die dem afrikanischen Tanz gemeinsam sind, war lebendig, enthusiastisch und oft spontan.

Insbesondere der Vorgänger des Jazz, die frühe Ragtime-Musik, hatte das Format von Märschen, Walzern und anderen traditionellen Liedformen, aber das beständige Merkmal war die Synkopierung. Synkopierte Noten und Rhythmen wurden in der Öffentlichkeit so beliebt, dass Notenverlage das Wort 'synkopiert' in die Werbung aufgenommen haben. 1899 veröffentlichte ein klassisch ausgebildeter junger Pianist aus Missouri namens Scott Joplin die erste von vielen Ragtime-Kompositionen, die die Musik einer Nation prägen sollten.

Dixieland/New-Orleans-Jazz

Eine Reihe regionaler Stilrichtungen trugen zur Entwicklung des Jazz bei. In der Gegend von New Orleans, Louisiana, entwickelte sich ein früher Jazzstil namens 'Dixieland'. New Orleans war lange Zeit ein regionales Musikzentrum. Neben der Sklavenbevölkerung hatte New Orleans auch Nordamerikas größte Gemeinschaft freier Farbiger. Der New Orleans-Stil verwendete kompliziertere rhythmische Improvisation als Ragtime und integrierte 'Blues' -Stilelemente, einschließlich 'bent' - und 'blue' -Noten, und verwendete die europäischen Instrumente auf neuartige Weise.

Schlüsselfiguren in der Entwicklung des neuen Stils waren der Trompeter Buddy Bolden und seine Band, die Blues-Melodien für Blechblasinstrumente arrangierten und improvisierten; Freddie Keppard, ein Kreole, der von Bolden beeinflusst wurde; Joe Oliver, dessen Stil bluesiger war als der von Bolden; Kid Ory, ein Posaunist, der den Stil verfeinerte; und Papa Jack Laine, der eine multiethnische Band leitete.

Andere regionale Stile

In der Zwischenzeit entwickelten sich andere regionale Stile, die die Entwicklung des Jazz beeinflussen würden.

• 1891 gründete Reverend Daniel J. Jenkins, ein afroamerikanischer Geistlicher, in Charleston, South Carolina, das Jenkins-Waisenhaus, das eine Vielzahl von Waisenhausbands umfasste. Die Waisenhausbands wurden darin ausgebildet, populäre und religiöse Musik aufzuführen, und Mitglieder wie William „Cat“ Anderson, Gus Aiken und Jabbo Smith spielten später mit Jazzbandleadern wie Duke Ellington, Lionel Hampton und Count Basie.

• Im Nordosten der Vereinigten Staaten entwickelte sich ein 'heißer' Ragtime-Spielstil, der sich durch ausgelassene Rhythmen auszeichnete, ohne den bluesigen Einfluss der südlichen Stile. Die Musik hatte kollektive improvisierte Soli um eine melodische Struktur herum, die idealerweise zu einem Höhepunkt aufgebaut war, unterstützt von einer Rhythmusgruppe aus Schlagzeug, Bass, Banjo oder Gitarre. Die Soloklavierversion des Nordoststils wurde von Eubie Blake verkörpert. Das 'Stride'-Klavierspiel, bei dem die rechte Hand die Melodie spielt, während die linke Hand den Rhythmus und die Basslinie vorgibt, wurde von James P. Johnson entwickelt. Johnson beeinflusste spätere Pianisten wie Fats Waller und Willie Smith. Aufnahmen verbreiteten den „heißen“ neuen Sound im ganzen Land. James Reese Europe war ein prominenter Orchesterleiter. Tim Brymn trat mit einem nordöstlichen 'heißen' Stil auf.

• In Chicago in den frühen 1910er Jahren 'zerfetzten' Saxophone energisch eine Melodie über die Rhythmusgruppe einer Tanzband, vermischten New Orleans-Stile und kreierten einen neuen 'Chicago Jazz' -Sound. Chicago war der Nährboden für viele junge, erfindungsreiche Spieler. Gekennzeichnet durch harmonische, innovative Arrangements und ein hohes technisches Können der Spieler, hat der Chicago Style Jazz die improvisierte Musik seiner Zeit entscheidend vorangebracht. Beiträge von dynamischen Musikern wie Benny Goodman, Bud Freeman und Eddie Condon zusammen mit den kreativen Grooves von Gene Krupa trugen dazu bei, die Jazzmusik von Anfang an voranzutreiben und diejenigen zu inspirieren, die folgten.
• Entlang des Mississippi von Memphis, Tennessee nach St. Louis, Missouri, dem „Vater des Blues“, W.C. Handy hat einen weniger auf Improvisation basierenden Ansatz populär gemacht, bei dem die Improvisation auf kurze 'Füllungen' zwischen den Phrasen beschränkt war.

1920er

Das King & Carter Jazzing Orchestra, aufgenommen im Januar 1921 in Houston, Texas.

Mit der Prohibition, der Verfassungsänderung, die den Verkauf von alkoholischen Getränken verbot, entstanden Speakeasies als Orte des Nachtlebens, in denen viele frühe Jazzkünstler spielten. Die Erfindungen der Schallplatte und von Radio trug auch zur Verbreitung des Jazz bei. Radiosender trugen dazu bei, den Jazz bekannt zu machen, der mit Raffinesse und Dekadenz in Verbindung gebracht wurde, was dazu beitrug, der Ära den Spitznamen „Jazz-Zeitalter“ zu verleihen. In den frühen 1920er Jahren war populäre Musik noch eine Mischung aus Dingen: aktuelle Tanzlieder, Neuheitenlieder und Showmelodien.

Schlüsselfiguren des Jahrzehnts

Paul Whiteman, der selbsternannte „King of Jazz“, war ein beliebter Bandleader der 1920er Jahre, der Bix Beiderbecke und andere weiße Jazzmusiker engagierte und Jazz mit aufwändigen Orchestrierungen kombinierte. Whiteman beauftragte Gershwin's Rhapsodie in Blau , die von Whiteman's Orchestra debütierte. Ted Lewis war ein weiterer beliebter Bandleader. Einige der anderen Bandleader waren: Harry Reser, Leo Reisman, Abe Lyman, Nat Shilkret, George Olsen, Ben Bernie, Bob Haring, Ben Selvin, Earl Burtnett, Gus Arnheim, Rudy Vallee, Jean Goldkette, Isham Jones, Roger Wolfe Kahn, Sam Lanin, Vincent Lopez, Ben Pollack und Fred Waring.

1930er

Schwingen

Die 1930er gehörten dem Swing. Während das Solo im Jazz wichtiger wurde, wurden populäre Bands größer. Während dieser klassischen Ära waren die meisten Jazzgruppen Big Bands. Die Big Bands wie Benny Goodman's Orchestra waren stark jazzorientiert, während andere (wie die von Glenn Miller) der Improvisation weniger Raum ließen. Schlüsselfiguren beim Aufbau der großen Jazzband waren die Arrangeure und Bandleader Fletcher Henderson, Don Redman und Duke Ellington. Swing war auch Tanzmusik, die als unmittelbare Verbindung zu den Menschen diente. Obwohl es sich um einen kollektiven Sound handelte, bot Swing auch einzelnen Musikern die Möglichkeit, melodische, thematische Soli zu improvisieren, die manchmal sehr komplex sein konnten.

Im Laufe der Zeit begannen sich die sozialen Einschränkungen in Bezug auf die Rassentrennung zu lockern, und weiße Bandleader begannen, schwarze Musiker zu rekrutieren. Mitte der 1930er Jahre engagierte Benny Goodman den Pianisten Teddy Wilson, den Vibraphonisten Lionel Hampton und den Gitarristen Charlie Christian, um sich kleinen Gruppen anzuschließen. In dieser Zeit waren Swing- und Big-Band-Musik sehr beliebt.

Der Einfluss von Louis Armstrong kann in Bandleadern wie Cab Calloway, dem Trompeter Dizzy Gillespie und Sängern wie Bing Crosby gesehen werden, die von Armstrongs Improvisationsstil beeinflusst wurden. Der Stil verbreitete sich weiter zu Sängern wie Ella Fitzgerald und Billy Holiday ; später sprangen unter anderem Frank Sinatra und Sarah Vaughan auf den Scat-Zug auf.

Ein Stil aus den frühen 1940er Jahren, bekannt als 'Jumping the Blues' oder Sprungmusik, verwendete kleine Combos, Up-Tempo-Musik und Blues-Akkordfolgen. Jump Blues stützte sich auf Boogie-Woogie aus den 1930er Jahren, wobei die Rhythmusgruppe 'acht bis zur Bar' spielte (acht Schläge pro Takt statt vier). Big Joe Turner wurde in den 1940er Jahren ein Boogie-Woogie-Star und war dann in den 1950er Jahren ein früher Rock'n'Roll-Musiker. (Siehe auch Saxophonist Ludwig Jordan ).

Mitte der 1990er erlebte die Swing-Musik eine Wiederbelebung, angeheizt durch die Retro-Trends im Tanz. Wieder einmal ließen sich junge Paare in ganz Amerika und Europa von den Swing'n-Klängen der Big-Band-Musik, die oft von viel kleineren Ensembles gespielt wurde, nervös machen.

Kansas-City-Jazz

Denkmal für Charlie Parker im American Jazz Museum am 18. und Highland in Kansas City

Der Kansas City Jazz markierte in den 1930er Jahren den Übergang von Big Bands zum Bebop-Einfluss der 1940er Jahre. Während der Wirtschaftskrise und der Prohibition blühte die Jazzszene von Kansas City als Mekka für die modernen Klänge der späten 1920er und 30er Jahre auf. Gekennzeichnet durch gefühlvolle und bluesige Stile von Big Band und Swing in kleinen Ensembles, zeigten Arrangements oft hochenergetische Soli, die vor einem 'Speakeasy' -Publikum gespielt wurden. Der Altsaxophon-Pionier Charlie Parker stammt aus Kansas City. Tom Pendergast förderte die Entwicklung von Nachtclubs mit musikalischer Improvisation. 1936 endete die Ära von Kansas City, als der Produzent John H. Hammond begann, Kansas City-Acts nach Kansas City zu schicken New York City .

Europäischer Jazz

Außerhalb der Vereinigte Staaten die Anfänge eines deutlich europäischen Jazz zeichneten sich ab. Anfangs kam das meist rein Frankreich wobei das Quintette du Hot Club de France zu den ersten Nicht-US-Bands gehört, die für die Jazzgeschichte von Bedeutung sind. Insbesondere das Spiel von Django Reinhardt wäre wichtig für den Aufstieg des Gypsy-Jazz, eines der frühesten Genres, das außerhalb der USA seinen Anfang nahm.

Zigeuner-Jazz

Gypsy Jazz wurde vom belgischen Gitarristen Django Reinhardt ins Leben gerufen und ist eine ungewöhnliche Mischung aus amerikanischem Swing der 1930er-Jahre, französischer Dancehall-Musette und osteuropäischen Folkklängen. Auch bekannt als Jazz Manouche, hat es ein träges, verführerisches Gefühl, das durch schrullige Kadenzen und treibende Rhythmen gekennzeichnet ist. Die Hauptinstrumente sind Stahlsaitengitarre (insbesondere die der Selmer Maccaferri-Linie), Violine und Kontrabass. Soli gehen von einem Spieler zum anderen über, während die anderen Gitarren den Rhythmus übernehmen. Während Gypsy Jazz in erster Linie ein nostalgischer Stil ist, der in europäischen Bars und kleinen Veranstaltungsorten spielt, wird er weltweit geschätzt und gedeiht und wächst weiterhin in der Musik von Künstlern wie Biréli Lagrène.

1940er

Bebop

Mitte der 1940er Jahre trugen Bebop-Künstler wie der Saxophonist Charlie „Yardbird“ Parker, der Pianist Bud Powell und der Trompeter John Birks „Dizzy“ Gillespie dazu bei, den Jazz von tanzbarer Popmusik zu anspruchsvollerer „Musikermusik“ zu verlagern. Bebop unterschied sich stark vom Swing und trennte sich schon früh von der Tanzmusik, etablierte sich als Kunstform, schnitt aber seinen potenziellen kommerziellen Wert ab. Andere Bop-Musiker waren der Pianist Thelonious Monk, der Schlagzeuger Kenny „Klook-Mop“ Clarke, die Trompeter Clifford Brown und Fats Navarro, die Saxophonisten Wardell Gray und Sonny Stitt, der Bassist Ray Brown und der Schlagzeuger Max Roach sowie die Sängerin Betty Carter.

Die Bebopper nahmen Anleihen bei den Innovationen wichtiger früherer Musiker – insbesondere Coleman Hawkins, Lester Young und Art Tatum – und führten ihre Ideen einige Schritte weiter, indem sie neue Formen der Chromatik und Dissonanz in den Jazz einführten. Während viele frühere Stile der Jazzimprovisation nahe an der Grundtonart und der melodischen Linie des Stücks blieben, beschäftigten sich Bebop-Solisten mit einer abstrakteren Form der akkordbasierten Improvisation. Dies beinhaltete oft die Verwendung von 'Passing' - (dh zusätzlichen) Akkorden, 'Ersatz' -Akkorden und veränderten Akkorden, die außerhalb der Grundtonart des Stücks lagen. Noten, die im früheren Jazz normalerweise als vorübergehende Dissonanzen angesehen wurden, wurden von den Boppern als zentrale Melodienoten verwendet – zum Beispiel die abgeflachte Quinte (oder übermäßige Quarte) der Tonleiter. Der Stil des Schlagzeugspiels veränderte sich ebenfalls, vom früheren Four-to-the-Takt-Bassdrum-Puls zu einem schwer fassbaren und explosiven Stil, bei dem das Ride-Becken verwendet wurde, um den Takt zu halten, während die Snares und die Bassdrum für unvorhersehbare Akzente verwendet wurden.

Diese Abweichungen vom damaligen Jazz-Mainstream stießen bei Fans und Musikerkollegen zunächst auf geteilte, teils feindselige Reaktionen. (Louis Armstrong zum Beispiel verurteilte Bebop als „chinesische Musik“.) Aber es dauerte nicht lange, bis der Einfluss von Bebop im gesamten Jazz zu spüren war: Ältere Big-Band-Leader wie Woody Herman (ausgiebig) und Benny Goodman (kurz) experimentierten mit dem Stil , zum Beispiel. In den 1950er Jahren war Bebop zu einem akzeptierten Bestandteil des Jazz-Vokabulars geworden und hat sich im Laufe der Jahre allmählich zur Grundlage der modernen Jazzpraxis entwickelt. Während zeitgenössische Jazzmusiker Jazz aus den 1920er und 1930er Jahren studieren, versuchen sie selten, diese Stile genau zu duplizieren (es sei denn, sie spielen in einer Repertoire-Band oder einem Trad-Jazz-Outfit); aber von allen jungen Jazzmusikern wird erwartet, dass sie das Repertoire und den Stil des Bebop gründlich lernen.

1950er

Free-Jazz und Avantgarde-Jazz

Peter Brötzmann 2006

Free Jazz und Avantgarde Jazz sind zwei sich teilweise überschneidende Subgenres, die, obwohl sie im Bebop verwurzelt sind, typischerweise weniger kompositorisches Material verwenden und den Interpreten mehr Spielraum lassen. Free Jazz verwendet implizite oder lockere Harmonien und Tempo, was bei der Entwicklung dieses Ansatzes als umstritten galt.

Frühe Aufführungen dieser Stile reichen bis in die späten 40er und frühen 50er Jahre zurück: Lennie Tristanos Intuition und Abschweifung (1949) und Abstieg in den Mahlstrom (1953) werden oft als Vorwegnahmen der späteren Free-Jazz-Bewegung angesehen, obwohl sie keinen direkten Einfluss darauf gehabt zu haben scheinen. Die ersten großen Impulse für den Free Jazz kamen in den 1950er Jahren mit den frühen Werken von Ornette Coleman und Cecil Taylor. In den 1960er Jahren gehörten zu den Darstellern John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler, Sun Ra, Makanda Ken McIntyre, Pharoah Sanders, Sam Rivers, Leroy Jenkins, Don Pullen, Dewey Redman und andere. Peter Brötzmann, Ken Vandermark, Chefa Alonso, William Parker, Derek Bailey und Evan Parker sind führende zeitgenössische Freejazz-Musiker, und Musiker wie Coleman, Taylor und Sanders spielen weiterhin in diesem Stil. Keith Jarrett hat in den letzten Jahren den Free Jazz vor Kritik von Traditionalisten verteidigt.

Vokalisch

Die Kunst, einen Text zu komponieren und ihn auf die gleiche Weise wie die aufgenommenen Instrumentalsoli zu singen. Vocalese wurde von dem Jazzkritiker Leonard Feather geprägt und erreichte von 1957 bis 1962 seinen Höhepunkt. Die Darsteller können solo oder im Ensemble singen, unterstützt von einer kleinen Gruppe oder einem Orchester. Von Natur aus Bop, wagte sich Vocalese selten an andere Jazzstile und brachte seinen Interpreten bis in die letzten Jahre nie kommerziellen Erfolg. Zu denen, die für das Schreiben und Aufführen von Gesangstexten bekannt sind, gehören Eddie Jefferson und Jon Hendricks.

Mainstream

Nach dem Ende der Big-Band-Ära, als sich diese großen Ensembles in kleinere Gruppen auflösten, wurde weiterhin Swing-Musik gespielt. Einige der besten Swing-Spieler waren in den Jam-Sessions der 1950er Jahre in Bestform zu hören, wo die akkordische Improvisation jetzt wichtiger wurde als die melodische Verschönerung. Mainstream Jazz, der Ende der 70er und 80er Jahre als lockerer Jazzstil wieder auftauchte, nahm Einflüsse von Cool Jazz, Classical Jazz und Hard Bop auf. Die Begriffe Modern Mainstream oder Post-Bop werden für fast alle Jazzstile verwendet, die nicht eng mit historischen Stilen der Jazzmusik in Verbindung gebracht werden können.

Cooler Jazz

In den späten 1940er und 1950er Jahren direkt aus Bop entwickelt, war die geglättete Mischung aus Bop- und Swing-Tönen des Cool Jazz wieder harmonisch und die Dynamik war jetzt weicher. Das Ensemble-Arrangement hatte wieder an Bedeutung gewonnen. Kühl wurde Ende der 1950er Jahre landesweit, mit bedeutenden Beiträgen von Musikern und Komponisten der Ostküste.

Harter Bop

Hard Bop-Melodien sind eine Erweiterung des Bebop, die etwas von den coolen Klängen des West Coast Jazz unterbrochen wurde, und neigen dazu, 'souliger' als Bebop zu sein, wobei sie sich manchmal von Rhythm & Blues und sogar Gospel-Themen anlehnen. Die Rhythmusgruppe ist ausgefeilter und vielfältiger als der Bop der 1940er Jahre. Der Pianist Horace Silver ist bekannt für seine Hard Bop-Innovationen.

1960er

Latin-Jazz

Latin Jazz hat zwei Hauptvarianten: Afrokubanischer und brasilianischer Jazz. Afrokubanischer Jazz wurde in den USA direkt nach der Bebop-Zeit gespielt, während brasilianischer Jazz in den 1960er und 1970er Jahren populärer wurde.

Afrokubanischer Jazz begann als Bewegung Mitte der 50er Jahre. Bemerkenswerte Bebop-Musiker wie Dizzy Gillespie und Billy Taylor gründeten zu dieser Zeit afrokubanische Bands. Gillespie arbeitete hauptsächlich mit Big Bands dieses Genres. Die Musik wurde von kubanischen und puertoricanischen Musikern wie Xavier Cugat, Tito Puente, Mario Bauza, Chano Pozo und viel später Arturo Sandoval beeinflusst.

Brasilianischer Jazz ist gleichbedeutend mit Bossa Nova, einem populären brasilianischen Stil, der vom Samba mit Einflüssen aus dem Jazz sowie anderer klassischer und populärer Musik des 20. Jahrhunderts abgeleitet ist. Bossa ist im Allgemeinen mäßig schnell und wird mit etwa 120 Schlägen pro Minute mit geraden statt Swing-Achtelnoten und schwierigen Polyrhythmen gespielt. Eine Mischung aus West Coast Cool, europäischen klassischen Harmonien und verführerischen brasilianischen Samba-Rhythmen, Bossa Nova oder richtiger „brasilianischem Jazz“, erreichte 1962 die Vereinigten Staaten. Die subtilen, aber hypnotischen Akustikgitarren-Rhythmen betonen einfache Melodien, die entweder in Portugiesisch oder Englisch. Diese Alternative zu den Hard Bop- und Free Jazz-Stilen der 60er Jahre, die von den Brasilianern Joao Gilberto und Antonio Carlos Jobim entwickelt wurde, erlangte bei Westküstenspielern wie dem Gitarristen Charlie Byrd und dem Saxophonisten Stan Getz große Bekanntheit.

Die bekanntesten Bossa-Nova-Kompositionen sind zu Jazz-Standards geworden. Der verwandte Begriff Jazz-Samba beschreibt im Wesentlichen eine Anpassung von Bossa-Nova-Kompositionen an die Jazz-Sprache von amerikanischen Künstlern wie Stan Getz und Charlie Byrd und wird normalerweise mit 120 Schlägen pro Minute oder schneller gespielt. Samba selbst ist eigentlich kein Jazz, aber da es von älterer afrobrasilianischer Musik abgeleitet ist, weist es einige gemeinsame Merkmale auf.

Jazz-Fusion

In den späten 1960er Jahren wurde die hybride Form der Jazz-Rock-Fusion entwickelt. Obwohl Jazzpuristen gegen die Mischung von Jazz und Rock protestierten, wechselten einige der bedeutenden Innovatoren des Jazz von der zeitgenössischen Hardbop-Szene zur Fusion. Jazz-Fusion-Musik verwendet häufig gemischte Meter, ungerade Taktarten, Synkopen und komplexe Akkorde und Harmonien, und Fusion umfasst eine Reihe von elektrischen Instrumenten wie E-Gitarre, E-Bass, E-Piano und Synthesizer-Keyboards.

Bemerkenswerte Künstler der Jazz- und Fusion-Szene der späten 1960er und 1970er Jahre waren enthalten Meilen davis , die Keyboarder Chick Corea und Herbie Hancock, der Schlagzeuger Tony Williams, die Gitarristen Larry Coryell und John McLaughlin, Frank Zappa, Al Di Meola, der Jazzgeiger Jean-Luc Ponty, Sun Ra, Narada Michael Walden, Wayne Shorter und der Bassist und Komponist Jaco Pastorius.

Meilen davis nahm die Fusion-Alben auf Auf stille Weise und Hündinnen brauen 1968 und 1969. Chick Corea trat mit seiner Return to Forever-Band auf und nahm sie auf. Ex-Miles-Davis-Schlagzeuger Tony Williams hatte unter anderem eine Band namens Lifetime mit Allan Holdsworth und Larry Young. Herbie Hancock hatte eine von Funk durchdrungene Band namens Headhunters Band. Gitarrist Larry Coryell hatte eine Band namens Eleventh House und John McLaughlin spielte mit einer Band namens Mahavishnu Orchestra. Josef Zawinul und Wayne Shorter schlossen sich zusammen, um Weather Report zu gründen, die am längsten bestehende Fusion-Gruppe und vielleicht die erfolgreichste. Die britische Band Soft Machine beeinflusste die Entwicklung der Fusion in Großbritannien.

In den späten 1970er und frühen 1980er Jahren verwandelte sich Jazz-Fusion allmählich in eine leichtere kommerzielle Form namens Pop-Fusion oder 'Smooth Jazz' (siehe Abschnitt unten). Obwohl Pop-Fusion und Smooth Jazz kommerziell erfolgreich waren und ein bedeutendes Radio-Airplay erzielten, entfernte sich diese leichtere Form der Fusion von den ursprünglichen Innovationen des Stils. In den 1990er und 2000er Jahren entwickelten sich einige Fusion-Bands und Künstler wie Tribal Tech innerhalb des Genres weiter und erneuerten sie.

Modal

Als Solisten kleinerer Ensembles immer hungriger nach neuen Improvisationsrichtlinien wurden, versuchten einige Spieler, sich über die westliche Adaption von Dur- und Moll-Tonleitern hinauszuwagen. In Anlehnung an mittelalterliche Kirchentonarten, die veränderte Intervalle zwischen gemeinsamen Tönen verwendeten, fanden die Spieler neue Inspiration. Solisten konnten sich nun von den Beschränkungen dominanter Tonarten befreien und die tonalen Zentren verschieben, um innerhalb ihres Spiels neue Obertöne zu bilden. Dies wurde besonders nützlich bei Pianisten und Gitarristen sowie Trompeten- und Saxophonisten. Der Pianist Bill Evans ist für seinen modalen Ansatz bekannt.

Soul-Jazz

Abgeleitet vom Hard Bop war Soul Jazz einer der beliebtesten Jazzstile der 1960er Jahre, gemessen an den Plattenverkäufen. Der Solist improvisiert zu Akkordfolgen wie beim Bop und strebt danach, eine aufregende Darbietung zu schaffen. Das Musiker-Ensemble konzentriert sich auf einen rhythmischen „Groove“, der um eine starke Basslinie zentriert ist. Horace Silver hatte einen großen Einfluss auf den Soul-Jazz-Stil mit seinen Songs, die funky und oft Gospel-basierte Piano-Vamps verwendeten. Soul-Jazz-Ensembles gaben der Hammond-Orgel normalerweise eine herausragende Rolle, und einige Gruppen, wie die Orgeltrios der 1960er Jahre, konzentrierten sich auf den Klang der Hammond.

1970er

Die stilistische Vielfalt des Jazz hat keine Anzeichen von Verminderung gezeigt und Einflüsse aus so unterschiedlichen Quellen wie Weltmusik, Avantgarde-Klassik und einer Reihe von Rock- und Popmusik absorbiert.

Beginnend in den 1970er Jahren mit Künstlern wie Keith Jarrett, Paul Bley, der Pat Metheny Group, Jan Garbarek, Ralph Towner und Eberhard Weber etablierte das Plattenlabel ECM eine neue Kammermusikästhetik, die hauptsächlich akustische Instrumente und Elemente von einbezog Weltmusik u Volksmusik . Dies wird manchmal als 'europäischer' oder 'nordischer' Jazz bezeichnet, obwohl einige der führenden Spieler Amerikaner sind.

1980er

In den 1980er Jahren schrumpfte die Jazz-Community dramatisch und spaltete sich. Ein überwiegend älteres Publikum blieb an traditionellen und 'straight-ahead' Jazzstilen interessiert. Wynton Marsalis strebte danach, Musik innerhalb dessen zu schaffen, was er für die Tradition hielt, und schuf Erweiterungen kleiner und großer Formen, die ursprünglich von Künstlern wie entwickelt wurden Louis Armstrong und Herzog Ellington. Die Arbeit von Marsalis hat eine Vielzahl von Musikern beeinflusst, die als 'Young Lions' bezeichnet wurden. aber es zog auch viel Kritik von Musikern, Kritikern und Fans auf sich, die seine Definition von Jazz zu eng fanden oder die seine eigenen Nachbildungen früherer Stile nicht überzeugend fanden.

Glatter Jazz

In den 1980er Jahren wurde das Trommeln in der Jazzmusik viel lauter und aktiver. Die Töne der Saxophone waren rauer und die Basslinien invasiver. Als der Jazz jedoch die 1990er Jahre erreichte, wurde diese raue Musikart durch einen raffinierten und ruhigen Stil ersetzt. Dieser Stil wurde als „Smooth Jazz“, „Cool Jazz“, „Contemporary Jazz“ oder kurz „C-Jazz“ bezeichnet. Manche halten diese Namen für zweideutig, weil dieser sogenannte „Smooth Jazz“ oder „Cool Jazz“ nicht glatter war als die Balladen der Swing-Ära, und er war auch völlig anders als der „Cool Jazz“ der 1950er Jahre. Als diese Musik gespielt wurde, waren die improvisierten Soli nicht abenteuerlich, sondern sehr stilisiert. So galten beispielsweise die Saxophon-Improvisationen von Kenny G als „light fusion“. Seine Musik wurde populär, weil es im Grunde genommen Hintergrundmusik mit einem Beat war, was bedeutete, dass die Leute sie genauso gut ignorieren wie hören konnten. Einige Musiker gaben dieser Musik den Namen 'Fuzak' (vgl. Muzak), weil es eine sanfte, angenehme Verschmelzung von Jazz und Rock war. In den späten 1990er Jahren wurde Smooth Jazz sehr populär und erhielt viel Radiopräsenz. Einige der berühmtesten Saxophonisten dieses Stils waren Grover Washington, Jr., Kenny G und Najee und natürlich hatten sie viele Nachahmer. Allein die Verkäufe von Kenny G erreichten von 1986 bis 1995 Millionen. Einige Musiker hielten Jazz für eine dekorative Musikrichtung, anstatt substanziell zu sein. Die Musik von Kenny G und Smooth Jazz im Allgemeinen definierte jedoch in den 1980er und 1990er Jahren ein großes Segment des Jazz. Smooth Jazz wird nicht nur im Radio und in Jazzclubs gespielt, sondern auch in Flughäfen, Banken, Büros, Auditorien und Arenen (Gridley).

Gridley, Mark C. Kurzer Leitfaden zum Jazz: Vierte Ausgabe. New Jersey: Pearson-Bildung. 2004.

Acid-Jazz und Nu-Jazz

Stile wie Acid Jazz, der Elemente der Disco der 1970er Jahre enthält, Acid Swing, der Big-Band-Sounds im Stil der 1940er Jahre mit schnelleren, aggressiveren, von Rock beeinflussten Drums und E-Gitarren kombiniert, und Nu Jazz, der Elemente des Jazz und moderne Formen elektronischer Tanzmusik kombiniert.

Vertreter des „Acid Jazz“-Stils waren zunächst Vereinigtes Königreich -based umfassten Brand New Heavies, Jamiroquai, James Taylor Quartet, Young Disciples, Incognito und Corduroy. Dies war ein natürliches Ergebnis der Rare Groove-Szene in Großbritannien, die als Alternative zu den vorherrschenden Acid House-Partys der 1980er Jahre begonnen hatte. Auf halbem Weg zwischen dem treibenden Beat der House-Musik und den Soul-Jazz- und Funk-Sounds von Rare Grove war Acid Jazz. In dem Vereinigte Staaten Zu den Acid-Jazz-Gruppen gehörten Groove Collective, Soulive und Solsonics. In einem Pop- oder Smooth-Jazz-Kontext erlebte der Jazz in den 1980er Jahren ein Wiederaufleben, als Bands wie Pigbag, Matt Bianco und Curiosity Killed the Cat Chart-Hits in Großbritannien erzielten. Sade Adu wurde zur definitiven Stimme des Smooth Jazz. Auch die Improvisation wird weitgehend ignoriert, um zu argumentieren, ob der Begriff 'Jazz' wirklich zutreffen kann.

Funkbasierte Improvisation

Jean-Paul Bourelly und M-Base argumentieren, dass Rhythmus der Schlüssel für weitere Fortschritte in der Musik ist; Sie glauben, dass die rhythmischen Innovationen von James Brown und anderen Funk-Pionieren eine effektive rhythmische Basis für spontane Kompositionen bieten können.

Diese Musiker spielen über einem Funk-Groove und erweitern die rhythmischen Ideen analog zu dem, was in früheren Jahrzehnten mit Harmonie gemacht wurde, ein Ansatz, den M-Base Rhythmic Harmony nennt.

Jazz-Rap

In den späten 80er Jahren entwickelte sich eine Fusion zwischen Jazz und Hip-Hop, genannt Jazz-Rap. Obwohl einige behaupten, der Proto-Hip-Hop, der jazzige Dichter Gil Scott-Heron, sei der Beginn des Jazz-Rap gewesen, entstand das Genre 1988 mit der Veröffentlichung der Debütsingles von Gang Starr („Words I Manifest“, das Charlie Parker sampelt) und Stetsasonic ('Talkin' All That Jazz', das Lonnie Liston Smith sampelt). Ein Jahr später erschien Gang Starrs Debüt-LP, Kein Mr. Nice Guy mehr und ihre Arbeit am Soundtrack dazu Mo' Better Blues , und De La Souls Debüt 3 Fuß hoch und steigend haben sich als bemerkenswert einflussreich in der Entwicklung des Genres erwiesen. De La Souls Kohorten in der Native Tongues Posse veröffentlichten auch wichtige jazzige Alben, darunter das Debüt der Jungle Brothers Raus aus dem Dschungel (1988, 1988 in Musik) und das Debüt von A Tribe Called Quest, Instinktive Reisen der Menschen und die Wege des Rhythmus (1990, 1990 in Musik). Guru setzte den Jazz-Rap-Trend mit der von der Kritik gefeierten Jazzmatazz-Serie ab 1993 fort, in der moderne Jazzmusiker ins Studio gebracht wurden.

1990er

Elektronik

Mit der zunehmenden Popularität verschiedener Formen elektronischer Musik in den späten 1980er und 1990er Jahren versuchten einige Künstler eine Verschmelzung von Jazz mit eher experimentellen Neigungen von Electronica (insbesondere IDM und Trommel und Bass ) mit unterschiedlichem Erfolg. Dies wurde verschiedentlich als „Future Jazz“, „Jazz-House“, „Nu Jazz“ oder „Junglebop“ bezeichnet. Es wird oft nicht als Jazz angesehen, da es zwar vom Jazz beeinflusst wird, Improvisation jedoch weitgehend fehlt.

Das eher experimentelle und improvisatorische Ende des Spektrums umfasst skandinavische Künstler wie den Pianisten Bugge Wesseltoft, den Trompeter Nils Petter Molvær (beide begannen ihre Karriere beim ECM-Plattenlabel), das Trio Wibutee und Django Bates, die alle Respekt erlangt haben als Instrumentalisten in traditionelleren Jazzkreisen.

Auch das Cinematic Orchestra aus Großbritannien und Julien Lourau aus Frankreich wurden in diesem Bereich gelobt. Am eher poppigen oder reinen Dance-Music-Ende des Nu-Jazz-Spektrums befinden sich Befürworter wie St. Germain und Jazzanova, die etwas Live-Jazz mit metronomischeren House-Beats kombinieren. Auch Aphex Twin, Björk, Amon Tobin und Portishead sind als avantgardistische Electronica-Künstler bekannt.

2000er

In den 2000er Jahren erreichte „Jazz“ die Pop-Charts und vermischte sich mit zeitgenössischer urbaner Musik durch die Arbeit von Neo-Soul-Künstlern wie Norah Jones, Jill Scott, India.Arie, Jamie Cullum, Erykah Badu, Amy Winehouse und Diana Krall und dem Jazz Interessenvertretung von Künstlern, die auch Musikpädagogen sind (wie Jools Holland, Courtney Pine und Peter Cincotti). Es ist eine Debatte darüber entstanden, ob die Musik dieser Interpreten als Jazz bezeichnet werden kann oder nicht (siehe unten). Auch Schlagersänger Christina Aguilera nahm ein jazzbasiertes Album mit dem Titel Back to Basics auf und veröffentlichte es 2006.

Debatten über die Definition von 'Jazz'

Da der Begriff „Jazz“ seit langem für die unterschiedlichsten Stilrichtungen verwendet wird, ist eine umfassende Definition aller Spielarten schwer zu fassen. Während einige Enthusiasten bestimmter Arten von Jazz für engere Definitionen plädiert haben, die viele andere Arten von Musik ausschließen, die allgemein als Jazz bekannt sind, zögern Jazzmusiker selbst oft, die Musik, die sie spielen, zu definieren. Duke Ellington fasste es mit den Worten zusammen: 'It's all music.' Einige Kritiker haben sogar festgestellt, dass Duke Ellingtons Musik in Wirklichkeit kein Jazz war, da Jazz laut ihrer Definition nicht orchestriert werden kann.

In der Jazz-Community gibt es seit langem Debatten über die Grenzen oder die Definition von „Jazz“. Mitte der 1930er Jahre kritisierten Jazzliebhaber aus New Orleans die 'Innovationen' der Swing-Ära als Widerspruch zu der kollektiven Improvisation, die sie als wesentlich für den 'wahren' Jazz ansahen. Ab den 1940er und 1960er Jahren kritisierten sich traditionelle Jazz-Enthusiasten und Hard Bop gegenseitig und argumentierten oft, dass der andere Stil irgendwie kein 'echter' Jazz sei. Obwohl die Veränderung oder Transformation des Jazz durch neue Einflüsse anfangs als „radikal“ oder „Entwertung“ kritisiert wurde, argumentiert Andrew Gilbert, dass Jazz die „Fähigkeit hat, Einflüsse verschiedener Musikstile zu absorbieren und zu transformieren“.

Kommerziell orientierte oder populärmusikalisch geprägte Formen des Jazz stehen seit langem in der Kritik. Traditionelle Jazz-Enthusiasten haben die Jazz-Fusion-Ära der 1970er Jahre als eine Zeit der kommerziellen Entwertung abgetan. Laut Bruce Johnson hatte Jazzmusik jedoch immer eine 'Spannung zwischen Jazz als kommerzieller Musik und einer Kunstform'.

Gilbert merkt an, dass mit der Entwicklung der Vorstellung eines Kanons des traditionellen Jazz die „Errungenschaften der Vergangenheit“ möglicherweise „vorrangig gegenüber der eigenwilligen Kreativität …“ und der Innovation aktueller Künstler werden. Der Jazzkritiker von Village Voice, Gary Giddins, argumentiert, dass der Jazz, da die Schaffung und Verbreitung des Jazz zunehmend institutionalisiert und von großen Unterhaltungsfirmen dominiert wird, vor einer „… gefährlichen Zukunft der Seriosität und uneigennützigen Akzeptanz“ steht. David Ake warnt davor, dass die Schaffung von „Normen“ im Jazz und die Etablierung einer „Jazztradition“ andere neuere, avantgardistische Formen des Jazz ausschließen oder an den Rand drängen könnten.

Eine Möglichkeit, die Definitionsprobleme zu umgehen, besteht darin, den Begriff „Jazz“ breiter zu definieren. Laut Krin Gabbard ist „Jazz ein Konstrukt“ oder eine Kategorie, die zwar künstlich ist, aber dennoch nützlich ist, um „eine Reihe von Musiken mit genügend gemeinsamen Teilen einer kohärenten Tradition“ zu bezeichnen. Travis Jackson definiert Jazz auch weiter, indem er feststellt, dass es sich um Musik handelt, die Eigenschaften wie „Swingen“, Improvisieren, Gruppeninteraktion, Entwickeln einer „individuellen Stimme“ und „Offenheit“ für verschiedene musikalische Möglichkeiten umfasst“.

Wo die Grenzen des „Jazz“ zu ziehen sind, wird unter Musikkritikern, Wissenschaftlern und Fans diskutiert. Eine Debatte, an der sich die Musiker selbst nur sehr selten beteiligen.

Zum Beispiel:

• Musik, die eine Mischung aus Jazz und Popmusik ist, wie die jüngsten Alben von Jamie Cullum, wird manchmal als „Jazz“ bezeichnet.
• James Blunt und Joss Stone wurden von Radio-DJs und Veranstaltern von Plattenlabels als „Jazz“-Künstler bezeichnet.
• Jazzfestivals programmieren zunehmend eine breite Palette von Genres, darunter World Beat Music, Folk, Electronica und Hip-Hop. Dieser Trend kann zu der Wahrnehmung führen, dass alle Interpreten eines Festivals Jazzkünstler sind – einschließlich Künstlern aus Nicht-Jazz-Genres.